Diese 2LP-Edition auf blauem Effekt-Vinyl vereint das Originalalbum mit einer zweiten Platte voller Demos und seltener Versionen, von denen einige zum ersten Mal auf Vinyl erscheinen. Verpackt in einer Hülle mit alternativem Cover-Artwork.

Der Klassiker aus dem Jahr 1989, von Miles Showell in den Abbey Road Studios mit halber Geschwindigkeit aufgenommen, um eine verbesserte Klangtreue und eine außergewöhnliche Wiedergabequalität auf Vinyl zu gewährleisten.

A Perfect Circle veröffentlichen ihr 2018er Album „Eat The Elephant“ neu. Diese besondere Ausgabe erscheint auf weißem Vinyl mit roten und blauen Farbspritzern („Splatter-Optik“). Mit den Hits „Disillusioned“ und „The Doomed“ erinnert diese spezielle Version die Fans an den unverwechselbaren Sound und die kraftvollen Texte der Band um Maynard James Keenan. Sichern Sie sich das Album unbedingt, während die Band im Jahr 2026 auf Tour ist!

Fontaines D.C. veröffentlichen ihr mit Spannung erwartetes fünftes Studioalbum »Dopamine Chamber«. Produziert von James Ford, folgt es auf das international gefeierte und in Großbritannien mit Platin ausgezeichnete Album »Romance« (2024). Mit jeder ihrer bisherigen Veröffentlichungen hat sich die irische Band neu erfunden und sich längst als eine der wichtigsten und stilprägendsten Rockbands ihrer Generation etabliert. »Dopamine Chamber« setzt diesen Weg konsequent fort und markiert zugleich den bislang radikalsten Schritt ihrer Entwicklung.Während Fontaines D.C. ihre frühen Werke noch auf einer gitarrengetriebenen Klangsprache aufbauten, rücken nun kalte Synthesizerflächen, elektronische Texturen, Samples und orchestrale Elemente in den Mittelpunkt. Mehrere Songs kommen vollständig ohne Gitarren aus und eröffnen neue musikalische Räume zwischen Post-Punk, Art-Pop und futuristischen Klanglandschaften. Thematisch erkundet »Dopamine Chamber« die Beziehung zwischen Lust, Eskapismus und Angst in einer zunehmend fragmentierten Gegenwart. Die Songs bewegen sich zwischen Verlangen und Bedrohung und spiegeln eine Welt, in der digitale Reizüberflutung, politische Krisen, künstliche Intelligenz und Popkultur untrennbar miteinander verwoben sind. Frontmann Grian Chatten beschreibt das Album als eine »Dopamine Chamber«, in der unterschiedlichste Klangwelten aufeinandertreffen. Während »Romance« noch ein Gleichgewicht zwischen menschlicher Wärme und Entfremdung suchte, gewinnt auf »Dopamine Chamber« die Verzerrung der Realität bewusst die Oberhand. Hoffnung tritt in den Hintergrund, stattdessen entsteht ein Werk, das sich wie eine düstere Bestandsaufnahme einer Welt im Umbruch anhört und zugleich eine Band zeigt, die neue musikalische Höhen erklimmt. Aufgenommen wurde das Album mit James Ford in London, in ländlichen Regionen Englands sowie in Palermo. ´ Mit »Dopamine Chamber« unterstreichen Fontaines D.C. einmal mehr ihren Status als eine der kreativsten und einflussreichsten Bands der Gegenwart. Das Album präsentiert eine Gruppe, die sich konsequent jeder Wiederholung verweigert und ihre künstlerischen Grenzen immer weiter verschiebt.

Das 2000er Debüt des Quintetts aus Rheinberg erbrachte erste Erfolge für die Band. Zuvor nur auf den „Schlachtrufe BRD“-Samplern vertreten, konnten sie Fans und Kritiker mit diesem Album gleichermaßen überzeugen. Erscheint auf gelb transparentem Vinyl, limitiert auf 500 Stück.

Fontaines D.C. veröffentlichen ihr mit Spannung erwartetes fünftes Studioalbum »Dopamine Chamber«. Produziert von James Ford, folgt es auf das international gefeierte und in Großbritannien mit Platin ausgezeichnete Album »Romance« (2024).   Mit jeder ihrer bisherigen Veröffentlichungen hat sich die irische Band neu erfunden und sich längst als eine der wichtigsten und stilprägendsten Rockbands ihrer Generation etabliert. »Dopamine Chamber« setzt diesen Weg konsequent fort und markiert zugleich den bislang radikalsten Schritt ihrer Entwicklung. Während Fontaines D.C. ihre frühen Werke noch auf einer gitarrengetriebenen Klangsprache aufbauten, rücken nun kalte Synthesizerflächen, elektronische Texturen, Samples und orchestrale Elemente in den Mittelpunkt. Mehrere Songs kommen vollständig ohne Gitarren aus und eröffnen neue musikalische Räume zwischen Post-Punk, Art-Pop und futuristischen Klanglandschaften.   Thematisch erkundet »Dopamine Chamber« die Beziehung zwischen Lust, Eskapismus und Angst in einer zunehmend fragmentierten Gegenwart. Die Songs bewegen sich zwischen Verlangen und Bedrohung und spiegeln eine Welt, in der digitale Reizüberflutung, politische Krisen, künstliche Intelligenz und Popkultur untrennbar miteinander verwoben sind. Frontmann Grian Chatten beschreibt das Album als eine »Dopamine Chamber«, in der unterschiedlichste Klangwelten aufeinandertreffen.   Während »Romance« noch ein Gleichgewicht zwischen menschlicher Wärme und Entfremdung suchte, gewinnt auf »Dopamine Chamber« die Verzerrung der Realität bewusst die Oberhand. Hoffnung tritt in den Hintergrund, stattdessen entsteht ein Werk, das sich wie eine düstere Bestandsaufnahme einer Welt im Umbruch anhört und zugleich eine Band zeigt, die neue musikalische Höhen erklimmt.   Aufgenommen wurde das Album mit James Ford in London, in ländlichen Regionen Englands sowie in Palermo.   ´ Mit »Dopamine Chamber« unterstreichen Fontaines D.C. einmal mehr ihren Status als eine der kreativsten und einflussreichsten Bands der Gegenwart. Das Album präsentiert eine Gruppe, die sich konsequent jeder Wiederholung verweigert und ihre künstlerischen Grenzen immer weiter verschiebt.

Olivia Rodrigo und Chappell Roan vereinen sich für den Remix von expectations jetzt als limitierte 73-Vinyl vorbestellbar. Der Song stammt ursprünglich von Olivias drittem Album you seem pretty sad for a girl so in love und erhält mit Chappell Roan eine neue Facette. Produziert von ihrem gemeinsamen musikalischen Wegbegleiter Daniel Nigro, markiert die Zusammenarbeit Chappells erstes Feature. Sichere dir jetzt diese besondere Kollaboration auf Vinyl!

Nicht Obi Wan Kenobi sondern Darth Vader hat IHNEN viel gelehrt. Denn ANGELIKA EXPRESS haben sich für "Die Dunkle Seite Der Macht" entschieden. Und das bereits seit 2002. Denn seit ihrem selbstbetiteltem Debütalbum begeistern uns ANGELIKA EXPRESS mit Gassenhauern wie "Geh Doch Nach Berlin" oder "Rock Fucker Rock". Jetzt gibt es Gassenhauer-Nachschub! Mit ihrem vierten und bisher facettenreichsten Studioalbum "Die Dunkle Seite Der Macht" entführen uns die Kölner Anzugpunks ab Ende November mit hemdsärmeligem Charme in eine Welt zwischen alltäglichem Abgrund und trotziger Partystimmung. Von hitverdächtigen Indie-Krachern wie "Ekelhaft Glücklich" und "Wo Ist Herr Schlimm", über das dunkel-swingende "Kristin", bis zum ungewohnt flockigen "Lebenslänglich Beatles" werden erfrischend raue Songperlen mit Popappeal und Punk im Herzen präsentiert. Beweise dafür sind auch das bissige "CDU Und Du" und eine an THE CLASH gemahnende Hymne auf den Kölner Partyuntergrund ("Die Kanonen Von Ehrenfeld"). Die Sahne auf dem saftigen Kuchen ist der Gastgesang von Aydo Abay (KEN, Ex-BLACKMAIL) der im breitbeinigen "International Punkrock Jetset" seinen Beitrag leistet. Doch "Die Dunkle Seite Der Macht" ist weit mehr als "nur" ein Musikalbum. So wurde das üppige Booklet von Mastermind und Kunstfreak Robert Drakogiannakis aufwändig in Öl auf Leinwand gepinselt. In den kommenden Monaten sollen nun die Arbeiten in einer Ausstellung präsentiert werden. ANGELIKA EXPRESS - die Band, die immer Ideen hat, wie man aus einem Album mehr als ein Album macht. Beim Vorgänger "Goldener Trash" fielen sie bereits durch die Ausgabe einer "Angelika Aktie" auf. Eine Aktion, die weitreichende mediale Aufmerksamkeit ungewohnter Art bescherte, von der "Financial Times" bis zur abendlichen "heute"-Sendung im ZDF. So ist in Zeiten der kriselnden Musikindustrie Robert Drakogiannakis mittlerweile ganz nebenbei zum Ansprechpartner Nr. 1 avanciert, wenn es um das Thema Selbstmanagement von Musikern geht. "Die dunkle Seite der Macht" erscheint nun via Cargo Records auf dem bandeigenen Label PENG

Hulder tauchte 2018 aus der Underground-Tape-Szene auf und gewann durch aufeinanderfolgende Demo- und Compilation-Veröffentlichungen, die mit seltener Überzeugungskraft die Fahne des dunklen mittelalterlichen Black Metal hissten, rasch eine treue Anhängerschaft. »Godslastering: Hymns of a Forlorn Peasantry«, das ursprünglich 2021 erschienene Debütalbum der Band, war das Werk, das die Ernsthaftigkeit des Projekts unter Beweis stellte: acht Titel, die die rohe Disziplin der frühen Kassetten zu etwas architektonisch Vollständigerem, texturreicherem und mitreißend umgesetztem ausweiteten. Das Album bewegt sich zwischen zwei Stilen, ohne jemals an Kohärenz zu verlieren: Es gibt Stücke von reduzierter, von Blastbeats getriebener Intensität, in denen die Gitarren beißen und sich die Atmosphäre wie Frost auf Stein verdichtet, und es gibt Passagen mit Akustikgitarre, mittelalterlichem Keyboard und gemächlichen Melodien, die dem Album eine echte emotionale Tiefe verleihen, ohne seine Schärfe zu mildern. »De Dijle«, benannt nach dem Fluss, der durch Hulders Heimatstadt Mechelen fließt, verankert das Album in einer konkreten Geografie: die belgische Tiefebene als Quelle von Folklore, Dunkelheit und einem Gefühl uralter Kontinuität, das sich durch das lyrische Gewebe zieht. »A Forlorn Peasant's Hymn« ist der fesselndste strukturelle Moment: Er beginnt mit einem ätherischen, klaren Gesang, bevor er in ätzenden Black Metal zerbricht – ein Kontrast, der funktioniert, weil das Songwriting ihn verdient, anstatt ihn einfach nur als Effekthascherei einzusetzen. Die Produktion weist genau das richtige Maß an Vernebelung auf: voll genug, um jedem Element Raum zum Atmen zu geben, und roh genug, um die Underground-Wurzeln hörbar zu halten.

Es ist fast sieben Jahre her, seit The Throne Within erschien – ein Album, das von spirituellen und metaphysischen Themen geprägt war. Mit Against schlägt die Band einen bodenständigeren Weg ein und konzentriert sich auf das Erlebnis, über vernünftige Grenzen hinaus gedrängt zu werden und sich zu weigern, klein beizugeben. Das Album fängt genau diesen Moment des Widerstands ein – „jenes Feuer des Aufbegehrens, das letztlich Titel und Botschaft des Werks bestimmt“, wie Ram es ausdrückt. Das vom Sänger selbst entworfene Album-Artwork spiegelt eine bewusste Hinwendung zur Schlichtheit wider. Im Gegensatz zu früheren, symbolträchtigen Cover-Gestaltungen liegt der Fokus nun ganz auf dem ikonischen Emblem der Band – dem Schädel mit Widderhörnern –, wodurch die Identität der Gruppe unverkennbar bleibt. Letztlich ist Against ein klares Bekenntnis, eine Bekräftigung der eigenen Identität und Zielsetzung. Oder, um es mit ihren eigenen Worten zu sagen: „Fürchtet die Rückkehr der HEAVY-METAL-TYRANNEI!“

Der Komponist und Multi-Instrumentalist Koen Holtkamp hat mehr als zwei Jahrzehnte damit verbracht, ein Werk an der Schnittstelle von Ambient, experimenteller und elektroakustischer Musik zu schaffen. Bekannt für seine Rolle im einflussreichen Duo Mountains sowie für ein Solowerk, das sich durch Textur und räumliches Bewusstsein auszeichnet, erforscht Holtkamp seit langem, wie Klang mit der Umgebung und der Wahrnehmung interagiert. Mit »Nightlife« tritt er in eine neue Phase dieser Auseinandersetzung ein, die ebenso sehr von einem physischen Umzug wie von künstlerischer Weiterentwicklung geprägt ist. Nachdem er Brooklyn verlassen hatte, um in die relativ ländliche Umgebung des New Yorker Hudson Valley zu ziehen, tauchte Holtkamp tief in die Natur ein und nahm einen langsameren Lebensrhythmus an – eine Veränderung, die die Entstehung des Albums unmittelbar beeinflusste. Anstatt sich Hals über Kopf in ein neues Projekt zu stürzen, ließ er sich vom Raum selbst leiten und konzentrierte sich auf Experimentieren und Spiel, statt auf ein festgelegtes Ergebnis. Im Laufe der Zeit entstand aus seinem modularen System ein neues Instrument, das auf Physical-Modeling-Techniken basiert, welche den Klang gezupfter Saiten nachahmen. Ausgehend von einer tiefen Verbundenheit mit akustischen Traditionen – von Gitarrensoli bis hin zur Kora und anderen Saiteninstrumenten – begann er, diese Einflüsse in eine elektronische Sprache zu übersetzen und schuf so Musik, die sich trotz ihrer synthetischen Natur greifbar, überschwänglich und sogar intim anfühlt. Während die Stücke Gestalt annahmen, erweiterte Holtkamp das Projekt zu einer Art imaginärem Ensemble. Das Album, das mit Blick auf bestimmte Mitwirkende komponiert wurde, enthält umfangreiche Beiträge des Schlagzeugers Greg Fox sowie des Saxophonisten und Flötisten Matt Bauder, deren Spiel das Material subtil umgestaltet und ihm fließendere, liedhafte Formen verleiht, ergänzt durch einen Gastauftritt von Ben Vida am Synth-Bass. Doch auch wenn »Nightlife« gelegentlich an eine Band in Bewegung erinnert, widersetzt sich seine Struktur einem traditionellen Zusammenhalt. Akustische und elektronische Klangkomponenten koexistieren und erzeugen ein hyperdimensionales Raumgefühl, wobei jedes Element bewusst in seiner eigenen, unverwechselbaren Umgebung platziert ist, was eine komplexe und zugleich einladende Kulisse schafft, die sich sowohl jenseitig als auch vollkommen natürlich anfühlt. Ein Großteil des Albums entstand während nächtlicher Sessions, die zu einer Art persönlichem Ritual wurden und letztlich den Titel inspirierten. »Nightlife« entfaltet sich als eine Reihe fein detaillierter Klangwelten, in denen Stille, Textur und subtiles Zusammenspiel Vorrang vor Dynamik haben. Jedes Stück lädt zum aufmerksamen Zuhören ein, bleibt dabei jedoch offen und ungezwungen und spiegelt sowohl eine Veränderung des Tempos als auch eine Vertiefung der Konzentration wider. Das Ergebnis vertieft Holtkamps anhaltendes Interesse daran, wie Klang die Räume, in denen wir leben, prägen kann und von ihnen geprägt wird.

Röhrender Gitarrensound, voluminöser Bass und treibende Drums! Das Powertrio aus Dortmund verbindet perfekt Stoner, Grunge, Psychedelic und Post Punk in ihren abwechslungsreichen Kompositionen. Seit Erscheinen ihres im November 2024 von Muiskmedien gefeierten Debütalbums »Neuzeit«, begeisterte LBC Musikfans auf mehr als 60 Shows in ganz Europa. Ihr zweites Studioalbum erklimmt durch die Live-Erfahrung nun ein noch höheres Level, vereint Klangstrukturen so verschiedenster Genres wie Grunge, Post Punk. Hard und Stoner Rock, teilweise in einem Song - das Markenzeichen von Last Bolt Ceremony! Heavy Psych Post Grunge für Fans von Fu Manchu, Daily Thompson, The Picturebooks, Truly, Okay You Win.

Mit »Glimmerence« veröffentlicht die Berliner Sängerin und Songwriterin Mirna Bogdanovic ihr drittes Album - eine eindringliche Sammlung poetischer Songs zwischen Jazz, Art-Pop und emotionalem Storytelling. Der eigens geprägte Titel beschreibt einen Schwebezustand zwischen Liebe und Illusion und bildet den roten Faden dieser zutiefst persönlichen Musik. Gemeinsam mit einigen der profiliertesten Musiker der Berliner Jazzszene entstehen fein nuancierte Klangwelten, in denen Stimme, Text und Arrangement untrennbar miteinander verschmelzen. Bogdanovic verbindet vokale Ausdruckskraft mit erzählerischer Tiefe und macht jeden Song zu einer atmosphärischen Momentaufnahme voller Nähe und Intensität. Mit einer eindrucksvollen Neuinterpretation von Chris Isaaks »Wicked Game« setzt das Album einen kraftvollen Schlusspunkt. »Glimmerence« ist ein vielschichtiges, emotionales Werk über Sehnsucht, Verletzlichkeit und Selbstermächtigung - und ein starkes Statement einer der spannendsten Stimmen des zeitgenössischen europäischen Jazz.

Danielle Ponder, die in Rochester geborene und in Atlanta verwurzelte Singer-Songwriterin mit einer der beeindruckendsten Stimmen der Musikszene, kündigt ihr zweites Album »Everything Has Changed« an, das über Dead Oceans erscheint – ihr Label-Debüt, das in Zusammenarbeit mit Phoebe Bridgers veröffentlicht wird. Außerdem präsentiert sie die erste Single, »Sun and Moon« eine unwiderstehliche Hymne an den zermürbenden Kreislauf einer Liebe, die erst dann auftaucht, wenn du dich bereits abwendest. Produziert von Grammy-Preisträger Mike Elizondo zusammen mit Barney Lister, verbindet der Song Ponders gewaltige Stimme mit einem Groove, der seine ganze Tiefe verbirgt: wie viel von uns selbst wir an Menschen abgeben, die das Hinterherlaufen mit Liebe verwechseln. »You ain't no catcher, you just want to chase me«, singt sie und verwandelt Herzschmerz in persönliche Erlösung. Danielle Ponder hat es satt, auf eine zukünftige Version ihrer selbst zu warten. Sie lebt ganz selbstbewusst im Hier und Jetzt. Diese Erkenntnis ist die Triebfeder für »Everything Has Changed«, Ponders mit Spannung erwartetes zweites Album, aufgenommen mit Grammy-Preisträger Mike Elizondo sowie Bartees Strange, Avis Reese und Ray Jones. Die LP ist Ponders bislang selbstbewusstestes Statement: Sie entstand in einer Zeit tiefgreifender Veränderungen, in der sich die beliebte Sängerin von einer Anwältin zu einer vollwertigen musikalischen Kraft entwickelte Diese künstlerische Freiheit zieht sich wie ein roter Faden durch das Album, wie auf der Lead-Single ›Power« zu hören ist, die sowohl als Erklärung als auch als Bekräftigung für die schwarze Diaspora dient. Zu den weiteren Höhepunkten zählen das aufschlussreiche »Sun and Moon«, die erhabene Blues-Ballade »God of You« und das erschütternd verletzliche »Open Windows«. »Everything Has Changed« zerlegt die Geschichten, die Ponder sich einst selbst erzählte, und findet Frieden in dem, was übrig bleibt - alles Themen, die einen Großteil ihres Lebensweges geprägt haben. Musik war ihr Leben lang stets präsent, doch im Erwachsenenalter gewann zunächst die Vernunft die Oberhand. Während sie mit der Band ihrer Familie auftrat und später eigene Projekte entwickelte, verfolgte Ponder eine juristische Karriere mit Schwerpunkt auf der Reform der Strafjustiz. Erst mit Ende 30 erlaubte sie sich, ernsthaft davon zu träumen, Musik als mehr als nur ein Nebenprojekt zu betrachten. 2021, im Alter von 39 Jahren, wagte sie schließlich den Sprung, ließ die Rechtswissenschaft hinter sich und widmete sich ganz ihrer künstlerischen Laufbahn. Das Wagnis zahlte sich aus: Sie unterzeichnete ihren ersten Plattenvertrag im Jahr 2022 und wurde damit zur Vorreiterin auf ihrem eigenen ungewöhnlichen Weg zu weltweitem Ruhm. Ihr Debütalbum »Some of Us Are Brave« präsentierte Ponder als eine der faszinierendsten neuen Stimmen der Soul-Musik - dank Singles wie »Someone Like You«, »Roll The Credits«, und dem kraftvollen Titelsong. Die LP wurde von Kritikern hoch gelobt und erzielte Dutzende bedeutender Sync-Platzierungen, darunter die jüngste Apple-Kampagne für das iPhone 16 Pro. Seitdem hatte sie vier große Fernsehauftritte, darunter bei »Jimmy Kimmel Live!«.Ponder hat zudem Konzerte in ganz Nordamerika und Europa ausverkauft, darunter Festivalauftritte bei Bonnaroo, Lollapalooza, Afropunk und dem Montreux Jazz Festival.Doch während »Some of Us Are Brave« ihr den Durchbruch bescherte, dokumentiert »Everything Has Changed« ihre Weiterentwicklung.

Im Oktober 2026 veröffentlichen Teenage Fanclub ihr neues Album »Do Not Dare To Dream« bei Merge Records. Das 13. Studioalbum einer der beständigsten und beliebtesten Indie-Rock Bands knüpft an das hochgelobte 2023er-Album »Nothing Lasts Forever« an und zeigt, wie die Gruppe ihre charakteristische Mischung aus melodischen Gitarren, warmen Harmonien und nachdenklichem Songwriting weiterentwickelt und ihre unverwechselbare Mischung aus melodischen Gitarren, warmen Harmonien und nachdenklichen Texten verfeinert. Heute freut sich die Band, die Lead-Single des Albums »Day In The Sun«, eine melodische Meditation über Erneuerung und einen Perspektivwechsel, zusammen mit einem dazugehörigen Musikvideo zu veröffentlichen, das von Donald Milne vor Ort im Black Bay Studio auf Great Bernera gedreht wurde. Norman Blake und Raymond McGinley machen seit 37 Jahren gemeinsam Musik bei Teenage Fanclub, und auch wenn manche Aspekte des Bandlebens mit der Zeit einfacher geworden sind, können ihnen die einfachsten Dinge immer noch einen Strich durch die Rechnung machen. Blake sagt dazu: »Es ist schwierig, wenn es darum geht, sich einen Namen für ein Album auszudenken. Vor allem, wenn man schon 12 davon gemacht hat.« Der Titel »Do Not Dare To Dream« leitet sich ab von Blakes »I Do Not Dare To Dream«, einem mitreißenden, hymnischen Song, der von klangvollen Akustikgitarren getragen und am Ende von einem Duell elektrischer Gitarren begleitet wird, die sich wie eine beruhigende Umarmung umeinander schlingen. Blake erklärt, dass der Titel jene Memes verspotten soll, die die Menschen dazu auffordern, zu träumen, was für ihn irgendwie lächerlich ist. »Ich glaube nicht, dass die Welt so funktioniert.« Das 13. Album von Teenage Fanclub ist voller Songs, die ruhig und entschlossen sind und eine Bestandsaufnahme des angespannten Zustands der Welt vornehmen, ohne der Verzweiflung zu verfallen. Blakes warme, von Orgelklängen untermalte Midtempo-Ballade »Day In The Sun« und Raymond McGinleys ,Over And Over» sprechen beide davon, wie jeder einen neuen Sinn im Leben finden kann, indem er sein Herz öffnet. »Wir können immer noch fröhlich und optimistisch sein, auch wenn die Lage nicht gerade rosig ist«, sagt McGinley. Blake und McGinley werden auf »Do Not Dare To Dream« von ihren Bandkollegen Euros Childs (Keyboards und Gesang), Francis Macdonald (Schlagzeug) und David McGowan (Bass) begleitet. Dieses Quintett spielt nun schon so lange zusammen, dass keiner der beiden Hauptsongwriter und Gitarristen von Teenage Fanclub das Bedürfnis verspürt, sich vor dem Gang ins Studio über ihre Songs den Kopf zu zerbrechen oder Arrangements auszuarbeiten. Sie warten lieber auf die Beiträge der übrigen Bandmitglieder. Die Aufnahmen fanden im Black Bay Studio in der Ortschaft Kirkibost auf der schottischen Insel Great Bernera in den Äußeren Hebriden statt. Wie langjährige Fans wahrscheinlich wissen, nimmt Teenage Fanclub jedes Album an einem neuen Ort auf, damit die einzigartige Atmosphäre dieses Ortes die Musik beeinflussen kann. Great Bernera war ihr bislang abgelegenster Aufnahmeort, was der Band half, sich auf die Arbeit zu konzentrieren, sie aber auch in einen Zustand der Ehrfurcht versetzte, da sie von der tosenden See und antiken Ruinen umgeben waren. Das Ergebnis ist eine Sammlung von Liedern, die von der richtigen Perspektive von Musikern durchdrungen ist, die schon eine Weile im Geschäft sind, aufgenommen an einem Ort, der schon noch länger existiert. Wie Blake es ausdrückt: »Ich glaube, es läuft einfach so ab, dass man von einer Sache zur nächsten übergeht, und ehe man sich versieht, sind 30 Jahre vergangen.« McGinley fügt hinzu: »Ja, es ist schon eine ganze Weile her, seit wir mit dem angefangen haben, was wir tun, aber für uns kommt es uns vor, als wäre überhaupt keine Zeit vergangen. An dem Ort, an dem wir das Album aufgenommen haben, wurde schon vor Tausenden von Jahren gesungen. Das Leben ist kurz, aber die Musik ist ewig.«

Das einzige Trennungsalbum, das man besitzen sollte. Mit seinen schwebenden Harmonien, taschenraubartigen Rhythmen und den in der Ferne um 2 Uhr morgens heulenden »Krankenwagen«-Gitarrensoli verbreitete sich Idas zweites Album aus dem Jahr 1996 von Brooklyn aus über herausnehmbare Auto-CD-Player und Mixtapes von Fernliebenden. Ursprünglich auf dem traditionsreichen Label »Simple Machines« veröffentlicht, enthält diese zum 30-jährigen Jubiläum erschienene Deluxe-Edition von »I Know About You« bei Numero ein halbes Dutzend Extras, eine Fülle an fotografischem Material sowie neue Einblicke von Jenny Toomey und Sara Marcus. Taschentücher sind nicht im Lieferumfang enthalten.

Wewantsounds freut sich, sein Reissue-Programm zu Ziad Rahbani mit »Ana Moush Kafer« fortzusetzen – einem Klassiker der libanesischen Legende Ziad Rahbani, der 1985 auf dem Höhepunkt des libanesischen Bürgerkriegs in seinem By-Pass-Studio in Beirut aufgenommen wurde. Das Album, das Rahbanis charakteristische Mischung aus arabischer Musik mit Einflüssen von Jazz-Funk und Bossa Nova präsentiert, hat im Laufe der Jahre Kultstatus erlangt. Ursprünglich auf Kassette veröffentlicht, war es bisher noch nie auf Vinyl erhältlich. Diese neu remasterte Ausgabe präsentiert das originale »Relax-In«-Kassetten-Cover von 1985 und enthält neue Liner Notes von Mario Choueiry vom Institut du Monde Arabe in Paris.

Mit »Welcome to Earth« verwandeln Death Valley Girls persönliche Verluste in ein ebenso berührendes wie lebensbejahendes Psychedelic-Rock-Album über Heilung, Gemeinschaft und Verbundenheit. Der Weg zu »Welcome to Earth« von den Death Valley Girls beginnt in der Asche des Eaton-Feuers in Kalifornien. Nachdem sie ihr Zuhause in Altadena und kurz darauf auch ihren geliebten Hund Tommy verloren hatte, sah sich die Leadsängerin und Songwriterin Bonnie Bloomgarden mit Fragen konfrontiert, auf die es keine einfachen Antworten gab: Was überlebt eine Katastrophe? Was bleibt nach einem Verlust übrig? Wie baut man ein Leben wieder auf, wenn die Dinge, die es einst ausmachten, verschwunden sind? Das Album, das aus diesen Fragen hervorging, gehört zu den intimsten und tiefgründigsten Werken, die die Death Valley Girls je geschaffen haben. Im gesamten Schaffen der Band haben sie Musik sowohl als Feier als auch als Suchaktion betrachtet.Alben wie »Glow in the Dark«, »Darkness Rains«, »Under the Spell of Joy« und »Islands in the Sky« verwandelten ihren Space-Rock-Sound in ein Mittel zur spirituellen Suche, um inmitten des alltäglichen Chaos Momente der Transzendenz zu finden. Doch »Welcome to Earth« unterscheidet sich deutlich von seinen Vorgängern. Es konzentriert sich weniger darauf, der Welt zu entfliehen, als vielmehr darauf, zu verstehen, wie man nach einer Verwüstung verbunden bleibt. Was dabei entstand, war nicht unbedingt ein Psych-Punk-Album über Verlust, sondern über Verbundenheit: die unsichtbaren Fäden, die Menschen, Tiere, Erinnerungen, Landschaften und Leben über die Zeit hinweg miteinander verbinden.Der Titel des Albums fungiert sowohl als Begrüßung als auch als Mahnung - ein Willkommen aus der Natur an eine Spezies, die ihren Platz in ihr weitgehend vergessen hat.Immer wieder kehren die Lieder zu der Möglichkeit zurück, dass Trennung die hartnäckigste Illusion der Menschheit sein könnte. Diese Vorstellung von Verbundenheit reicht über die Lieder selbst hinaus.

Seit fast zwanzig Jahren tourt der schwedische Singer-Songwriter Kristian Matsson als »The Tallest Man on Earth« um die Welt und hat sich damit einen einzigartigen Platz in der zeitgenössischen Folkmusik erobert. Seine Diskografie wurde lange Zeit durch die Brille der amerikanischen Folk-Tradition betrachtet. Doch »Just Beyond Endless Mountain«, das im Oktober 2026 über Anti- Records erschienen ist, stellt diese Perspektive still und leise auf den Kopf. Nach seiner Rückkehr in seine Heimat Dalarna in Mittelschweden hörte Matsson sich plötzlich die Musik an, die er jahrelang hinter sich lassen wollte: die Polkas, die alten Feldaufnahmen und die Klänge der lokalen Traditionen, die ihn seit seiner Kindheit umgeben hatten. Das Ergebnis ist keine Rückkehr in die Vergangenheit, sondern ein Schritt in neues musikalisches Terrain. Die schwedische Volksmusik hat seine Melodien, seine Stimme und seine Art, Songs zu schreiben, neu geprägt. The Tallest Man on Earth ist zurück mit seinem bislang am tiefsten verwurzelten Album. »Just Beyond Endless Mountain« schlägt ein unerwartetes neues Kapitel in einer Karriere auf, die sich nie mit Altbekanntem zufrieden gegeben hat.

Das einzige Trennungsalbum, das man besitzen sollte. Mit seinen schwebenden Harmonien, taschenraubartigen Rhythmen und den in der Ferne um 2 Uhr morgens heulenden »Krankenwagen«-Gitarrensoli verbreitete sich Idas zweites Album aus dem Jahr 1996 von Brooklyn aus über herausnehmbare Auto-CD-Player und Mixtapes von Fernliebenden. Ursprünglich auf dem traditionsreichen Label »Simple Machines« veröffentlicht, enthält diese zum 30-jährigen Jubiläum erschienene Deluxe-Edition von »I Know About You« bei Numero ein halbes Dutzend Extras, eine Fülle an fotografischem Material sowie neue Einblicke von Jenny Toomey und Sara Marcus. Taschentücher sind nicht im Lieferumfang enthalten.

Tramhaus aus Rotterdam wurden nach der Veröffentlichung ihres Debütalbums »The First Exit« (2024) und zahlreichen Shows in ganz Europa (und weit darüber hinaus!) bereits als »DIE holländische Post-Punk-Sensation« beschrieben und wahrgenommen. Im Oktober2026 erscheint »Blister« über Siluh Records. Die Band bewegt sich seit ihrer Gründung 2020 zwischen treibendem Post-Hardcore und Indierock-/Shoegaze-Anleihen, garniert mit einem Schuss kalkulierter Dissonanz. Dabei verorten sich Tramhaus,über die musikalischen Einflüsse hinaus, explizit als Teil einer organisch gewachsenen, internationalen Szene, eines Netzwerks aus unabhängigen Agenturen, Labels und Veranstaltern mit deren Hilfe die Band nach der Veröffentlichung ihres Debütalbums innerhalb ein, zwei Jahren zum Szene-Tipp avancierte. Kraftvoll, laut und selbstbewusst gewinnt Blister bei wiederholtem Hören an Format. Das Album besticht durch eine neue Eleganz sowie spürbarem Raumgefühl und enormer Wucht. Dies rührt zum Teil aus einer gewachsenen, detaillierteren Produktion her, die auch die vielen Zwischentöne einfängt.

»Edge Conditions« bietet einen neuen Einblick in die beatlastige elektronische Musik von Jeremiah Chiu. Sein 2023 im Vintage Synth Museum in LA aufgenommenes Album »Electric Time« – ein Werk, bei dem der erste Gedanke gleich der beste war – gewährte einen Einblick in seinen Solo-Schaffensprozess und seinen Sound und entwickelte sich schnell zu einem Fan-Favoriten. In vielerlei Hinsicht ist dieses neue Werk ein kompletter Neuanfang. Nach zwei eher ambient-lastigen Duo-Alben mit Marta Sofia Honer und zwei improvisierten Trance-Jazz-LPs mit dem L.A.-Quintett SML versetzt »Edge Conditions« Chiu in eine Welt vielschichtiger, mal tanzbarer, mal chilliger Rhythmus-Exkursionen im Stil des klassischen Four Tet oder Aphex Twin.

Alex Cameron präsentiert auf seinem fünften Album seine bislang düstersten und introspektivsten Songs. Die melancholische Stimmung schärft sein Songwriting, ohne dabei sein Gespür für eingängige Melodien zu verlieren. Der australische Künstler beweist einmal mehr, warum er zu den faszinierendsten Geschichtenerzählern des modernen Indie-Pop zählt.

Kleine Jazzensembles haben in Billie Holiday immer das Beste hervorgebracht. Vor allem, wenn sie so ausgezeichnet besetzt waren wie jene, die ihr auf »Body And Soul« zur Seite stand und in der als Solisten Ben Webster und Harry »Sweets« Edison glänzten. Wie der Poet und Romancier Al Young in den Linernotes des Albums feststellt, waren die beiden nicht nur begnadete Solisten, sondern ebenso einfühlsame Begleiter. Eine bessere Band hätte sich Lady Day für die Vertonung der Jazzstandards von »Body And Soul« kaum wünschen können. Die Verve Essentials bieten hochwertige LP-Ausgaben berühmter Alben des legendären Jazzlabels zu einem attraktiven Preis. Sie werden von Hi-Res-Mastern gefertigt, bei Optimal auf 140-Gramm-Vinyl gepresst und in originalgetreuen Single-Sleeve-Covern verpackt. Der perfekte Einstieg für neue Jazzfans oder eine erschwingliche Möglichkeit, Lücken in der Sammlung zu schließen.

Auch wenn einige Kritiker Coltranes Ballads als zu leicht befanden, an diesem Album gibt es nichts auszusetzen. Der Jazz-Saxophonist tut, was er immer tat: Mit unermüdlichem Willen, sich persönlich wie auch künstlerisch weiterzuentwickeln, erkundet er neue Modi seines Spiels. Auf »Ballads« betont er dessen sanfte Seite - ein Weg, den er mit Johnny Hartman und Duke Ellington ging. Diese Zusammenarbeit mit McCoy Tyner ist weder angriffslustig noch nach außen gerichtet. Coltrane ist ganz bei sich, manchmal vorhersehbar, und doch sind dies die Vorzüge des Albums. John Coltrane (1926-1967) entwickelte seine völlig eigene Spielweise, die besonders durch seine Melodieführung und seinen unverwechselbaren Sound geprägt war. Er gilt damit als einer der ganz Großen der Jazz-Geschichte. Mit »Ballads« wurden besonders seine raffinierten und gefühlvollen Interpretationen einiger Standard-Balladen zusammengestellt, die seinen »göttlichen« Sound besonders betonen und zu den Klassikern Coltranes zählen. Ob zum Dinner oder zum Entspannen – diese Coltrane-Compilation lässt sich genießen wie ein tiefgreifender Bordeaux aus dem Medoc. Charakterstark und unverkennbar! Jazz, wie er klingen muss! »Ballads« ist ein besonderes Coltrane-Meisterwerk und dauerhafter Bestseller, aufgenommen im Dezember 1961 mit Coltranes klassischem Quartett: dem Pianisten McCoy Tyner, dem Bassisten Jimmy Garrison und dem Schlagzeuger Elvin Jones. Auf die Frage nach dem Grund für ein solches Unternehmen antwortete Coltrane: »Vielfalt«. Die Aufnahme fängt das berühmte John Coltrane Quartet in einer Performance zeitloser Balladen ein. Coltrane war einer der größten Balladenspieler des Jazz, und seine lyrischen Gaben kommen hier deutlich zur Geltung. Die Verve Essentials bieten hochwertige LP-Ausgaben berühmter Alben des legendären Jazzlabels zu einem attraktiven Preis. Sie werden von Hi-Res-Mastern gefertigt, bei Optimal auf 140-Gramm-Vinyl gepresst und in originalgetreuen Single-Sleeve-Covern verpackt. Der perfekte Einstieg für neue Jazzfans oder eine erschwingliche Möglichkeit, Lücken in der Sammlung zu schließen.

Zeitloser Jazz von zwei der größten Namen im Jazzbusiness. »Ella and Louis« ist ein Studioalbum von Ella Fitzgerald und Louis Armstrong aus dem Jahr 1956, begleitet vom Oscar Peterson Quartett. Nachdem sie bereits in den späten 1940er Jahren für das Label Decca zusammengearbeitet hatten, war dies das erste von drei Alben, die Fitzgerald und Armstrong gemeinsam für Verve Records aufnehmen sollten! Das vielleicht bestgelaunte Jazz-Album aller Zeiten und ein künstlerischer & aufnahmetechnischer Glanzpunkt. Nachdem Ella Fitzgerald und Louis Armstrong am Abend zuvor gemeinsam bei einem All-Star-Konzert aufgetreten waren, gingen sie am 16. August 1956 in ein Studio in L. A. um dieses Juwel von einem Album aufzunehmen. Obwohl sie keine Zeit für Proben hatten, stimmte sofort die Chemie, das Ergebnis ist eine der wenigen wirklich unverzichtbaren Aufnahmen des Jazz. Die Verve Essentials bieten hochwertige LP-Ausgaben berühmter Alben des legendären Jazzlabels zu einem attraktiven Preis. Sie werden von Hi-Res-Mastern gefertigt, bei Optimal auf 140-Gramm-Vinyl gepresst und in originalgetreuen Single-Sleeve-Covern verpackt. Der perfekte Einstieg für neue Jazzfans oder eine erschwingliche Möglichkeit, Lücken in der Sammlung zu schließen.

»Getz/Gilberto«, der Bossa-Nova-Klassiker von Stan Getz, João und Astrud Gilberto, ist eines der berühmtesten Verve-Alben und eine der meistverkauften Jazz-LPs aller Zeiten. Der Zufall schreibt manchmal die schönsten Geschichten. So wie im Fall von »Getz/Gilberto«. Denn eigentlich hatte Astrud Gilberto ihren Mann João Gilberto nur als Dolmetscherin zu den Aufnahmen begleitet.Dann aber ließ Stan Getz Astrud, obwohl sie gar keine professionelle Sängerin war, die Titel »The Girl From Ipanema» und »Corcovado« einsingen. Das Album, an dessen Einspielung auch Jobim und die Schlagzeug-Legende Milton Banana beteiligt waren, wurde zu einem weltweiten Hit und gewann als erste Jazzproduktion überhaupt den Grammy für das beste Album des Jahres. »Getz / Gilberto«, der Bossa-Nova-Klassiker von Stan Getz, João und Astrud Gilberto, ist eines der berühmtesten Verve-Alben und eine der meistverkauften Jazz-LPs aller Zeiten. Der Zufall schreibt manchmal die schönsten Geschichten. So wie im Fall von »Getz / Gilberto«. Denn eigentlich hatte Astrud Gilberto ihren Mann João Gilberto nur als Dolmetscherin zu den Aufnahmen begleitet. Dann aber ließ Stan Getz Astrud, obwohl sie gar keine professionelle Sängerin war, die Titel »The Girl From Ipanema« und »Corcovado« einsingen. Das Album, an dessen Einspielung auch Antônio Carlos Jobim und die Schlagzeug-Legende Milton Banana beteiligt waren, wurde zu einem weltweiten Hit und gewann als erste Jazzproduktion überhaupt den Grammy für das beste Album des Jahres. Die Verve Essentials bieten hochwertige LP-Ausgaben berühmter Alben des legendären Jazzlabels zu einem attraktiven Preis. Sie werden von Hi-Res-Mastern gefertigt, bei Optimal auf 140-Gramm-Vinyl gepresst und in originalgetreuen Single-Sleeve-Covern verpackt. Der perfekte Einstieg für neue Jazzfans oder eine erschwingliche Möglichkeit, Lücken in der Sammlung zu schließen.

Erneut aufgenommen im legendären Kerwax Studio von Christophe Chavanon, komplett auf analogem Band und mit analoger Technik, ist die neueste LP von Witchthroat Serpent, »Demons Left To Roam«, eine weitere Hymne an die düsteren Träume und Ängste des letzten Jahrhunderts, an moralische Panik und die gruseligen Kostüme von Halloween in den 30er Jahren. Mächtige und raue Gitarrenwände, dröhnender Stereobass und plündernde, rituelle Trommeln. Lieder voller Horrorgeschichten und satanischer Litaneien, getragen von gespenstischem Gesang.

Im Oktober 2026 veröffentlichen Teenage Fanclub ihr neues Album »Do Not Dare To Dream« bei Merge Records. Das 13. Studioalbum einer der beständigsten und beliebtesten Indie-Rock Bands knüpft an das hochgelobte 2023er-Album »Nothing Lasts Forever« an und zeigt, wie die Gruppe ihre charakteristische Mischung aus melodischen Gitarren, warmen Harmonien und nachdenklichem Songwriting weiterentwickelt und ihre unverwechselbare Mischung aus melodischen Gitarren, warmen Harmonien und nachdenklichen Texten verfeinert. Heute freut sich die Band, die Lead-Single des Albums »Day In The Sun«, eine melodische Meditation über Erneuerung und einen Perspektivwechsel, zusammen mit einem dazugehörigen Musikvideo zu veröffentlichen, das von Donald Milne vor Ort im Black Bay Studio auf Great Bernera gedreht wurde. Norman Blake und Raymond McGinley machen seit 37 Jahren gemeinsam Musik bei Teenage Fanclub, und auch wenn manche Aspekte des Bandlebens mit der Zeit einfacher geworden sind, können ihnen die einfachsten Dinge immer noch einen Strich durch die Rechnung machen. Blake sagt dazu: »Es ist schwierig, wenn es darum geht, sich einen Namen für ein Album auszudenken. Vor allem, wenn man schon 12 davon gemacht hat.« Der Titel »Do Not Dare To Dream« leitet sich ab von Blakes »I Do Not Dare To Dream«, einem mitreißenden, hymnischen Song, der von klangvollen Akustikgitarren getragen und am Ende von einem Duell elektrischer Gitarren begleitet wird, die sich wie eine beruhigende Umarmung umeinander schlingen. Blake erklärt, dass der Titel jene Memes verspotten soll, die die Menschen dazu auffordern, zu träumen, was für ihn irgendwie lächerlich ist. »Ich glaube nicht, dass die Welt so funktioniert.« Das 13. Album von Teenage Fanclub ist voller Songs, die ruhig und entschlossen sind und eine Bestandsaufnahme des angespannten Zustands der Welt vornehmen, ohne der Verzweiflung zu verfallen. Blakes warme, von Orgelklängen untermalte Midtempo-Ballade »Day In The Sun« und Raymond McGinleys ,Over And Over» sprechen beide davon, wie jeder einen neuen Sinn im Leben finden kann, indem er sein Herz öffnet. »Wir können immer noch fröhlich und optimistisch sein, auch wenn die Lage nicht gerade rosig ist«, sagt McGinley. Blake und McGinley werden auf »Do Not Dare To Dream« von ihren Bandkollegen Euros Childs (Keyboards und Gesang), Francis Macdonald (Schlagzeug) und David McGowan (Bass) begleitet. Dieses Quintett spielt nun schon so lange zusammen, dass keiner der beiden Hauptsongwriter und Gitarristen von Teenage Fanclub das Bedürfnis verspürt, sich vor dem Gang ins Studio über ihre Songs den Kopf zu zerbrechen oder Arrangements auszuarbeiten. Sie warten lieber auf die Beiträge der übrigen Bandmitglieder. Die Aufnahmen fanden im Black Bay Studio in der Ortschaft Kirkibost auf der schottischen Insel Great Bernera in den Äußeren Hebriden statt. Wie langjährige Fans wahrscheinlich wissen, nimmt Teenage Fanclub jedes Album an einem neuen Ort auf, damit die einzigartige Atmosphäre dieses Ortes die Musik beeinflussen kann. Great Bernera war ihr bislang abgelegenster Aufnahmeort, was der Band half, sich auf die Arbeit zu konzentrieren, sie aber auch in einen Zustand der Ehrfurcht versetzte, da sie von der tosenden See und antiken Ruinen umgeben waren. Das Ergebnis ist eine Sammlung von Liedern, die von der richtigen Perspektive von Musikern durchdrungen ist, die schon eine Weile im Geschäft sind, aufgenommen an einem Ort, der schon noch länger existiert. Wie Blake es ausdrückt: »Ich glaube, es läuft einfach so ab, dass man von einer Sache zur nächsten übergeht, und ehe man sich versieht, sind 30 Jahre vergangen.« McGinley fügt hinzu: »Ja, es ist schon eine ganze Weile her, seit wir mit dem angefangen haben, was wir tun, aber für uns kommt es uns vor, als wäre überhaupt keine Zeit vergangen. An dem Ort, an dem wir das Album aufgenommen haben, wurde schon vor Tausenden von Jahren gesungen. Das Leben ist kurz, aber die Musik ist ewig.«

Nachdem The Afghan Whigs vor gut drei Jahren mit »Do To The Beast« ihr Comebackalbum präsentierten, folgt 2017 endlich der mit Spannung erwartete Nachfolger. »In Spades« heißt die Platte, die Frontmann Greg Dulli bereits als »spooky« bezeichnete. Wie unheimlich und mystisch das neue Album wirklich klingt, verriet die Band bereits im März mit der ersten Singleauskopplung »Demon In Profile«. Neun weitere Songs warten auf »In Spades«, in denen The Afghan Whigs musikalisch so ziemlich alles verbinden, was sie bisher ausmachte: Rock und Alternative, Hardrock und Punk, Progressive und Soul. Hinzu kommt eine gesunde Portion Pop. Aufgenommen haben die US-Amerikaner die Platte im letzten Jahr in Rick Nelsons Studio Marigny Sound in New Orleans, in Studios in Los Angeles, Memphis und Joshua Tree. Sie erscheint bei Sub Pop.

Nach eineinhalb Jahrzehnten haben sich Afghan Whigs nun wieder mit einem neuen Album zurückgemeldet, es trägt den Titel »Do To The Beast«. Die Band wurde 1988 in Cincinnati, Ohio gegründet und war ihren Zeitgenossen, mit ihrer wilden, stürmischen Mischung aus Alternative Rock, klassischem Soul und den Obsessionen ihres Frontmanns Greg Dulli, immer mindestens eine Nasenlänge voraus. Der neue Longplayer stellt somit nicht nur eine Heimkehr – zum Label Sub Pop, das die Band 1989 als ersten Act unter Vertrag nahm, der nicht aus Seattle bzw. dem Nordwesten kam und die beiden Alben »Up In It« (1990) und »Congregation« (1992) veröffentlichte – sondern auch einen Blick in die Zukunft einer der anerkanntesten Rock Bands der letzten 25 Jahre dar. Somit ist »Do To The Beast« ein passender, wilder Titel für die wohl intensivste, kathartischste Platte in der Karriere von Greg Dulli und sorgt für einen herrlich frischen Wind im Afghan-Whigs-Kanon: Dazu gehören die brutale Selbstprüfung von »Gentlemen« (1993), die Film-Noir-Erzählung von »Black Love« (1996) und der Überschwang von »1965« (1998). »Do To The Beast« versprüht eine faszinierende musikalische Energie und ein rhythmisches Gewicht, das inmitten des Aderlasses Transzendenz und Hoffnung suggeriert. Das Album wurde zwischen L.A., New Orleans, Cincinnati und Joshua Tree aufgenommen – die aktuellen und vergangenen Heimatstätten der Band. Zur aktuellen Besetzung gehören die beiden Gründungsmitglieder Greg Dulli und John Curley, sowie die Kernband, bestehend aus den Gitarristen Dave Rosser und Jon Skibic, dem Multiinstrumentalisten Rick Nelson und Schlagzeuger Cully Symington. Außerdem bei »Do To The Beast« mit dabei: Der Soul-Bilderstürmer Van Hunt, Marc McGuire (Emeralds), Johnny »Natural» Nagera (der Musical Director von Usher), Alain Johannes (Queens Of The Stone Age, Arctic Monkeys), Clay Tarver (Bullet Lavolta, Chavez), Dave Catching (Queens Of The Stone Age, Eagles Of Death Metal). Afghan Whigs bieten mit »Do To The Beast« ein modernes und vielschichtiges Album. Einfach grandios, es gibt viel zu entdecken!

Auf »Congregation« aus dem Jahr 1992, dem dritten Album der Afghan Whigs, kommen die Soul- und Psychedelic-Einflüsse der Band besonders gut zur Geltung; das Album trug maßgeblich dazu bei, den Sound der Band für die folgenden Jahre zu prägen. »Congregation« ist auf Vinyl bereits seit vielen Jahren vergriffen, da die ursprüngliche Auflage längst ausverkauft ist. 2xLP im Gatefold-Cover und mit maßgefertigter Schutzhülle Gepresst auf Pearl Flip / Horizon-Vinyl!

»Eure Gebete wurden erhört: weniger Songs über Bush und mehr Songs über Jesus!« Neuauflage zum 20-jährigen Jubiläum von »Wolves In Wolves' Clothing«. Das 2006 erschienene zehnte Studioalbum von NOFX ist eine mitreißende Mischung aus aggressiver politischer Satire und melodischem Skate-Punk. Frontmann Fat Mike fängt die gesellschaftspolitische Unruhe während der zweiten Amtszeit von Präsident Bush ein und nimmt mit scharfer Feder organisierte Religion, Unternehmensgier und blinden Patriotismus ins Visier. Fan-Favoriten wie »Seeing Double at the Triple Rock« und »Leaving Jesusland« zeigen das typische schnelle Tempo, die präzisen Harmonien und den schwarzen Humor der Band. 2026 endgültig zurück auf gelbem Vinyl! · Produziert von Bill Stevenson im Blasting Room · NOFX' von der Kritik gefeiertes zehntes Studioalbum – Songs, die gut zu einem Drink passen! · Erreichte ursprünglich Platz 46 der Billboard 200 und die Top 40 in mehr als acht Ländern weltweit · Enthält die Hit-Singles »Seeing Double At The Triple Rock«, »USA-Holes« und »Leaving Jesusland«

»Creole Culture ist meine Art zu sagen, dass die Kultur von New Orleans nicht in der Vergangenheit verharren muss, um authentisch zu sein. Sie kann fortschrittlich sein. Sie kann global sein. Sie kann Popkultur sein. Sie kann so aussehen wie ich.« (Dawn Richard) Dawn Richard, die »sich ständig weiterentwickelnde, in keine Schublade zu steckende« (New York Times) multidisziplinäre Künstlerin, kündigt ihr neues Album »Creole Culture« an, das über Merge Records erscheint.Nach der frühen Album-Vorschau »baby, can we? (feat. durand bernarr)«, die von Out als »eine perfekte Verbindung im R&B-Himmel« gelobt wurde, veröffentlicht sie mit »enough« einen weiteren Albumvorboten. Geschichtsträchtig, aber mit festem Blick in die Zukunft, greift »Creole Culture« Elemente aus Richards Herkunft als schwarze und indianische Frau auf, die ihr ganzes Leben lang Musik gemacht hat.Nach New Breed (2019) und Second Line (2021) gleicht Creole Culture einem Teil eines Triptychons: einem vollendeten klanglichen und erzählerischen Universum, in dem Richard als King Creole ihre Heimatstadt New Orleans nach ihrem eigenen Bild neu erschafft. Sie ehrt ihre Stadt nicht nur für das, was sie einmal war oder was sie ihr gegeben hat, sondern beansprucht sie als Wiege der globalen Kultur – jetzt und für alle Zeiten.»Creole Culture« ist triumphierend und tragisch, sexy und melancholisch, prahlerisch und nachdenklich. Das Album präsentiert Richards New Orleans als utopische Klanglandschaft – eine berauschende Mischung aus R&B, Soul, Hip-Hop, Pop und Jazz –, die trotz der dystopischen Umstände, die über die Stadt hereingebrochen sind, überlebt und gediehen ist. Für »Creole Culture« arbeitete Richard mit dem Co-Executive-Produzenten Katalyst zusammen, dem in Inglewood ansässigen Kollektiv, das vom Schlagzeuger und Produzenten Greg Paul gegründet wurde. Katalyst besteht aus Komponisten, Produzenten und Instrumentalisten von Weltklasse, die bereits mit Künstlern wie Beyoncé, Kendrick Lamar, Solange, Jay-Z, Lizzo, Usher und Anderson .Paak zusammengearbeitet haben, und verleiht Creole Culture eine unverwechselbare musikalische Tiefe, die die Vision des Albums über Genregrenzen hinaus erweitert. »Die Zusammenarbeit mit Katalyst an diesem Album war eine natürliche Fortsetzung meiner künstlerischen Reise«, sagt Richard. »Gemeinsam schaffen wir Musik, die verschiedene Genres würdigt und gleichzeitig darauf abzielt, die Kultur voranzubringen.« Unterstützt von Gästen wie Big Freedia, Anjelika »Jelly« Joseph, Tank Ball und Durand Bernarr erschafft Richard eine klangliche Welt, die Tradition und Zukunft miteinander verbindet.Das Album feiert die Widerstandskraft von New Orleans und seiner Kultur und vermittelt eine Botschaft von Hoffnung, Freiheit und Gestaltungskraft.

Mit »All Over You« melden sich Imperial Teen eindrucksvoll zurück. Das neue Album verbindet die charakteristischen Stärken der Band aus eingängigen Popmelodien, Boy-Girl-Harmonien, Punk-Energie, elektronischen Elementen und verzerrten Gitarren zu ihrem bislang vielseitigsten Werk. Trotz der räumlichen Distanz zwischen den Mitgliedern Roddy Bottum, Will Schwartz, Jone Stebbins und Lynn Truell entstand ein Album, das von Gemeinschaft, kreativer Sehnsucht und der Freude am Wiederzusammenkommen geprägt ist. Songs wie die Single »Overdrive« und der Titelsong »All Over You« vereinen Sexyness, Humor, Rebellion und emotionale Dringlichkeit. Inhaltlich beschäftigt sich die Band unter anderem mit den Widersprüchen der Musikindustrie und dem Einfluss des Kapitalismus auf Kunst, ohne dabei ihren Sinn für eingängigen Pop zu verlieren. Das Ergebnis ist ein energiegeladenes, kluges und mitreißendes Album, das zum Tanzen, Nachdenken und Fühlen gleichermaßen anregt und die besondere Chemie einer Band zeigt, die seit über drei Jahrzehnten gemeinsam Musik macht.

»Creole Culture ist meine Art zu sagen, dass die Kultur von New Orleans nicht in der Vergangenheit verharren muss, um authentisch zu sein. Sie kann fortschrittlich sein. Sie kann global sein. Sie kann Popkultur sein. Sie kann so aussehen wie ich.« (Dawn Richard) Dawn Richard, die »sich ständig weiterentwickelnde, in keine Schublade zu steckende« (New York Times) multidisziplinäre Künstlerin, kündigt ihr neues Album »Creole Culture« an, das über Merge Records erscheint.Nach der frühen Album-Vorschau »baby, can we? (feat. durand bernarr)«, die von Out als »eine perfekte Verbindung im R&B-Himmel« gelobt wurde, veröffentlicht sie mit »enough« einen weiteren Albumvorboten. Geschichtsträchtig, aber mit festem Blick in die Zukunft, greift »Creole Culture« Elemente aus Richards Herkunft als schwarze und indianische Frau auf, die ihr ganzes Leben lang Musik gemacht hat.Nach New Breed (2019) und Second Line (2021) gleicht Creole Culture einem Teil eines Triptychons: einem vollendeten klanglichen und erzählerischen Universum, in dem Richard als King Creole ihre Heimatstadt New Orleans nach ihrem eigenen Bild neu erschafft. Sie ehrt ihre Stadt nicht nur für das, was sie einmal war oder was sie ihr gegeben hat, sondern beansprucht sie als Wiege der globalen Kultur – jetzt und für alle Zeiten.»Creole Culture« ist triumphierend und tragisch, sexy und melancholisch, prahlerisch und nachdenklich. Das Album präsentiert Richards New Orleans als utopische Klanglandschaft – eine berauschende Mischung aus R&B, Soul, Hip-Hop, Pop und Jazz –, die trotz der dystopischen Umstände, die über die Stadt hereingebrochen sind, überlebt und gediehen ist. Für »Creole Culture« arbeitete Richard mit dem Co-Executive-Produzenten Katalyst zusammen, dem in Inglewood ansässigen Kollektiv, das vom Schlagzeuger und Produzenten Greg Paul gegründet wurde. Katalyst besteht aus Komponisten, Produzenten und Instrumentalisten von Weltklasse, die bereits mit Künstlern wie Beyoncé, Kendrick Lamar, Solange, Jay-Z, Lizzo, Usher und Anderson .Paak zusammengearbeitet haben, und verleiht Creole Culture eine unverwechselbare musikalische Tiefe, die die Vision des Albums über Genregrenzen hinaus erweitert. »Die Zusammenarbeit mit Katalyst an diesem Album war eine natürliche Fortsetzung meiner künstlerischen Reise«, sagt Richard. »Gemeinsam schaffen wir Musik, die verschiedene Genres würdigt und gleichzeitig darauf abzielt, die Kultur voranzubringen.« Unterstützt von Gästen wie Big Freedia, Anjelika »Jelly« Joseph, Tank Ball und Durand Bernarr erschafft Richard eine klangliche Welt, die Tradition und Zukunft miteinander verbindet.Das Album feiert die Widerstandskraft von New Orleans und seiner Kultur und vermittelt eine Botschaft von Hoffnung, Freiheit und Gestaltungskraft.

»I Don't Know How But They Found Me...Again! (Deluxe)« ist die Deluxe-Version von Jensen McRaes von der Kritik gefeiertem Album »I Don't Know How But They Found Me!« aus dem Jahr 2025 (»Das atemberaubende zweite Album der jungen Singer-Songwriterin McRae markiert den Durchbruch eines großen Talents.« - Esquire), das am 18. September auf pinkem Vinyl erscheint. Neben der Trackliste des Originalalbums enthält die Deluxe-Ausgabe zwölf neue Songs, die zum ersten Mal in großem Umfang erhältlich sind: reduzierte Versionen von Songs, die vor den Aufnahmen zu »I Don't Know How But They Found Me!« fertiggestellt waren, Live-Favoriten, die bei McRaes jüngsten Headliner-Tourneen und Festivalauftritten zu hören waren, eine neue Version von »Mother Wound« mit Maisie Peters sowie weitere neue Titel, an denen Brandi Carlile und Brittany Spencer mitgewirkt haben. »I Don't Know How But They Found Me...Again! (Deluxe)« ist eine pulsierende, eindringliche Sammlung von Songs, getragen von messerscharfer lyrischer Präzision und zeitlosen Pop-Melodien.

Irgendwo zwischen Dream Pop, Electronica, IDM und spektralem Songwriting liefert viragezero ein dichtes und instinktives Debütalbum bei Bongo Joe Records ab. Ein nächtliches und hypnotisches Album, das Fragmente der Realität in sich ständig wandelnde Klangmaterie verwandelt.

»Euphorie & Alltag« ist das achte Studioalbum von MiA. und die erste Veröffentlichung auf dem bandeigenen Label EENEMEENE Records. Produziert von Olaf Opal findet sich auf diesem Album alles, wofür diese Band seit über 20 Jahren steht - die großen Gefühle, die kleinen Momente, die Zweifel und der Übermut. Der perfekte Soundtrack für die alltägliche Dosis Euphorie.

»CODE«, das kommerziell erfolgreichste Album der elektronischen Pioniere Cabaret Voltaire aus Sheffield, ist endlich wieder erhältlich – nach jahrelanger Vergriffenheit. Das ursprünglich 1987 veröffentlichte achte Studioalbum der Band wurde von den Originalbändern durch Denis Blackham neu remastert, der seit über 20 Jahren sämtliche Alben von Cabaret Voltaire gemastert oder remastert hat. Die Neuauflage erscheint bei Mute und präsentiert das originale Artwork in restaurierter Form. Gemeinsam produziert mit Dub-Ikone Adrian Sherwood, markiert CODE einen mutigen Schritt in Richtung Synth-Pop und mechanischem Funk. Es war das letzte Album von Cabaret Voltaire, das mit einem großen Produktionsbudget entstand und dabei dennoch kompromisslos glaubwürdig blieb. Mit den Singles »Don't Argue« und »Here to Go«, die beide Charterfolge feierten, zählt es zu den Höhepunkten im Schaffen der Band. Diese Wiederveröffentlichung wurde 2019 gemeinsam mit Richard H. Kirk begonnen. Nach seinem viel zu frühen Tod wurde das Projekt anhand seiner Notizen und in enger Abstimmung mit Stephen Malinder sowie dem Nachlass von Richard H. Kirk vollendet – eine würdige Hommage an sein außergewöhnliches Vermächtnis.

Cameron Winter kündigt sein erstes Live-Album »Live at Carnegie Hall« an. Das Album dokumentiert Winters historischen Auftritt im Dezember 2025, bei dem er als einer der jüngsten Solokünstler überhaupt als Headliner im Hauptsaal der legendären Konzerthalle auftrat. Ganz allein, über sein Klavier gebeugt und mit dem Rücken zu einem ehrfürchtigen, ausverkauften Publikum, interpretierte der Frontmann der Band »Geese« Songs aus seinem gefeierten Debütalbum »Heavy Metal« neu. Ein Album, das von GQ in ihrem ausführlichen Bericht über diesen Abend in der Carnegie Hall als »eine der kühnsten und selbstbewusstesten Singer-Songwriter-Platten dieses Jahrhunderts bisher, ein Fiebertraum voller Gefühle von jemandem, der die Regeln gut genug verstand, um zu wissen, dass sie ihm kaum etwas bedeuteten« beschrieben wurde.   Auf dieser berühmten Bühne präsentierte er zudem drei bisher unveröffentlichte Kompositionen, von denen jede einen Einblick in seinen Fundus an Material bot. Die gesamte Darbietung war von einem unbestreitbaren Gefühl der Einmaligkeit geprägt, das die Bedeutung des Augenblicks einfing: Zeuge zu sein, wie ein Künstler, wie er nur einmal in einer Generation vorkommt, die Bühne eines der ehrwürdigsten Veranstaltungsorte der amerikanischen Musikszene beherrscht.  

Die norwegische Punkband Aktiv Dödshjelp aus Oslo hat sich in den vergangenen Jahren in Ihrer Heimat durch ihre explosiven Liveshows und nicht zuletzt durch ihre supermelodiösen Songs mit witzigen und ironischen Texten einen hervorragenden Ruf erspielt. In den 17 Jahren seit ihrer Gründung im Jahre 2007 ist die Band pausenlos im Inland und Ausland getourt und präsentiert nun ihr zweites Album! Aktiv Dödshjelp haben ihren Sound seit ihrem letzten Album ”Send Dudes” (das in 2025 für den norwegischen Grammy als bestes Rockalbum nominiert war) perfektioniert und liefern auf dem neuen Album ”The Nasty Piece” den perfekten Mix aus Punk und Rock. Wer auf norwegische Bands wie Turbonegro, The Good The Bad and The Zugly und Kvelertak steht, wird Aktiv Dödshjelp lieben!Für die neue Platte holte sich die Band diesmal Produzent Bendik Markovic Toming-Weston (brenn, TØFL, Fred again.…) ins Boot, der laut der Band ”eine echte Pop-Hure” ist.Natürlich haben es nur die stärksten Songs auf The Nasty Piece geschafft. Das Album enthält außerdem die bereits veröffentlichten Singles „Jakter en Løve“, „Kjøttkverna“ und „Hun som sitter fast“ und mit ”Lazer Tag” den besten Turbonegro-Song, den Turbonegro nie geschrieben haben.

»Confessions of a Lonely Heart« ist das vierte englischsprachige Studioalbum von Eric Nam. Es erscheint im Oktober 2026. »Miss Me More« und »Someday« wurden bereits am 6. Mai bzw. am 7. August 2026 vorab veröffentlicht.

Dass da mit diesem jungen, mysteriösen Mann aus Pomona, Kalifornien ein außergewöhnlicher Sänger und Songschreiber die Szene betreten hatte, war schon nach »Closing Time« klar. Und dann: »The Heart Of Saturday Night«: Ruhige Klavier- und Saxophonklänge begleitet von Waits' markanter Stimme begleiten einen durch den Samstagabend. Einerseits sind da noch ein bisschen die Erinnerungen an den Babyspeck des Debüts, z.B. »San Diego Serenade« ist noch ganz dem Geist des Erstlingswerks verbunden. Mit dem Titelstück und vor allem dem zum Sterben schönen »Shiver Me Timbers« finden sich auf der A-Seite zwei der wunderbarsten Schmachtfetzen seines reichen Repertoirs. Aber da ist auch der Jazz, die Barmusik. Der Kontrabass hüpft immer beschwingter im Bodensatz der Stücke herum. Finger schnipsen. Ein Saxophon stänkert. Und Tom fängt damit an, seinen typischen erzählenden Sprechgesang zu entwickeln, in den sich bereits erste frühe Proben seiner später zur Meisterschaft entwickelten Metaphern-Sprache einflechten. Auf der A-Seite gehts schon los mit dem tollen »Diamonds On My Windshield«. Die B-Seite ist dann reines Bar-Gecroone. Was kostet die Welt? »Drunk On The Moon« ist großartig. Und als Rausschmeisser »The Ghosts Of Saturday Night«, das so atmosphärisch ist, dass man sich sofort neben den Jungs auf der regennassen Straße im Lampenschein des Zeitungskiosk sieht, tief in der Nacht, wo der Beginn des Abends weit zurück liegt und an den Morgen noch gar nicht zu denken ist. Eine Passage tiefer in die Nacht hinein. Tom stolpert voran. Und wir hinterdrein. Wie außergewöhnlich dieser Tom Waits war, das fing 1975 erst Album No.3 umfassend ein. Der gut 70-minütige Live-Mitschnitt »Nighthawks At The Diner«, betitelt nach einem Edward Hopper-Gemälde von 1942, bleibt bis heute in vielerlei Hinsicht unerhört. Um Waits' Performer-Potenzial jenseits des üblichen Bühnen-Betriebs auszureizen, wurden die Record Plant Studios in L.A. für jeweils zwei Shows an zwei Juli-Abenden vor einem Publikum aus ersten Fans und alten Freunden in einen Nachtclub verwandelt – samt Bar, Kartoffelchips auf den Tischen und einer echten Stripperin namens Dewana im Vorprogramm. Stilecht aufgewärmt legt Tom Waits mit »Emotional Weather Report« gleich noch ungewohnt komisch los, begleitet von einer vierköpfigen Jazz-Band um Saxophonist Pete Christlieb und Pianist Michael Melvoin. Das inspirierte Zusammenspiel aus freier Beat-Prosa und swingenden Mitternachtsspitzen erlebt mit dem gut 11-minütigen »Nighthawk Postcards« seinen Höhepunkt, doch auch »Spare Parts«, »Better Off Without A Wife« oder »Nobody« gelten als ewige Meilensteine eines begnadeten Late Night-Loners – zu schweigen von den Interludes und Überleitungen, in denen Tom Waits sein ganzes, komödiantisches Talent auskostet.

Es handelt sich um einen Vermerk, den der Dark-Ambient-/Industrial-Titan Lustmord beinahe in die Liner Notes seiner neuen Zusammenarbeit mit der Schlagzeuglegende Dave Lombardo aufgenommen hätte. Bei ihrer ersten Zusammenarbeit loten sie die Tiefen des ursprünglichen Industrial und Dark Ambient aus und schaffen dabei etwas, das über die reine Musik hinausgeht. Dave Lombardo bedarf keiner Vorstellung. Sein Ruf als innovativer Schlagzeuger und musikalischer Vorreiter ist unübertroffen. Ob es nun seine jahrzehntelange Tätigkeit bei den Thrash-Metal-Giganten Slayer, seine vier Alben umfassende Zusammenarbeit mit den einflussreichen Experimentalisten Fantômas oder seine Arbeit mit dem renommierten Komponisten und Saxophonisten John Zorn war - Lombardos Leidenschaft für den Klang und seine spirituelle Verbindung dazu überschreiten alle Grenzen Lustmord ist der walisische Musiker, der weithin als Begründer der Dark-Ambient-Musik gilt. Er war zunächst in den frühen 80er Jahren als Mitglied von SPK mit der Industrial-Szene verbunden, bevor er seinen charakteristischen Sound mit Veröffentlichungen wie »Paradise Disowned« aus dem Jahr 1986 etablierte. Über sein Solowerk hinaus hat Lustmord eine umfangreiche Karriere als Kooperationspartner und Film- sowie Spielekomponist aufgebaut, wobei er mit Bands wie den Melvins, Tool, Nurse With Wound und Wes Borland zusammengearbeitet hat; zudem hat er zu über vierzig Kinofilmen beigetragen, darunter »First Reformed«, »The Crow« und »Underworld«.

  »I Against I« ist das dritte Studioalbum der amerikanischen Rockband Bad Brains. Es wurde am 21. November 1986 durch SST Records veröffentlicht. Es ist das meistverkaufte Album der Band und zeigt, wie sich die Band von ihrem frühen Hardcore-Punk-Stil entfernt und Funk, Soul, Reggae und Heavy Metal einfließen lässt. Es ist auch in dem Buch »1001 Albums You Must Hear Before You Die« enthalten. Zum Titeltrack wurde ein Video unter der Regie von Paul Rachman gedreht (Rachman führte später auch Regie beim Dokumentarfilm »American Hardcore«).

»The Age Of Everything« ist Johnny Marrs fünftes Studioalbum. Geschrieben in London, live auf Tour an der Ostküste Nordamerikas weiterentwickelt und in Manchester aufgenommen, fängt das Album die Energie und die Spannungen der Stadt ein. Es ist scharf, schnell und dynamisch – voller Ideen und Möglichkeiten. »Dies ist das Album, das am stärksten befreiend gewirkt hat. Der Titel kam mir schon früh in den Sinn und entwickelte sich zu einer Idee, der ich mich nicht entziehen konnte. Er schien genau das Gefühl auf den Punkt zu bringen, das meiner Meinung nach viele Menschen haben. Er umfasst alles, ist aber nicht zwangsläufig eine negative Aussage. Die Technologie löst in unserer Kultur ein Gefühl der Überforderung aus, doch betrachtet man die Dinge aus einem anderen Blickwinkel, eröffnet sich auch ein Gefühl von Möglichkeiten.« – Johnny Marr

  Eine mitreißende Zusammenstellung der Hits von Godsmack, darunter »Awake«, »I Stand Alone«, »Straight Out Of Line«, »1, 000hp« und viele mehr!

»Better Living Through Chemistry« war nicht nur der Durchbruch für Fatboy Slim – das Album trug auch dazu bei, neu zu definieren, was elektronische Musik im Mainstream sein konnte. Das 1996 veröffentlichte Werk erschien zu einem entscheidenden Zeitpunkt der britischen Clubkultur und verschmolz Big Beat, die Energie des Acid House sowie experimentelle, sample-lastige Klänge zu etwas Unkonventionellem, Zugänglichem und unverkennbar Britischem. Titel wie »Everybody Needs a 303«, »Going Out of My Head« und »The Weekend Starts Here« fingen den anarchischen Geist jener Ära ein und legten zugleich den Grundstein für einen Sound, der die Popkultur der späten 90er Jahre prägen sollte. Anlässlich des 30-jährigen Jubiläums von Norman Cooks Karriere als Fatboy Slim veröffentlicht BMG sein Debütalbum »Better Living Through Chemistry« neu, das im September ebenfalls sein 30-jähriges Bestehen feiert. Die Doppel-LP wird – wie schon frühere Neuauflagen von Fatboy-Slim-Klassikern – im Half-Speed-Mastering-Verfahren neu gemastert und enthält Begleittexte des Journalisten Alexis Petridis.

Mit ihrem im Sear Sound Studio,New York City eingespielten vierten Studioalbum blieb Beth Orton ihrem Stil größtenteils treu, obwohl der Folk-Anteil der Vorgänger etwas zurückgegangen war und auch der Anteil elektronischen Beats weniger geworden ist, doch dafür treten hier erstmals Jazz und Blues mehr in den Vordergrund. Man muss nach wie vor auf jeden Fall sagen, dass sich Beth Orton mit ihrer Musik schon immer von der grauen Masse abgehoben hat, und es hier auch auf ihre unnachahmliche Art weiterhin tut. Produziert wurde das Album von Jim O'Rourke, und es ist in der Besetzung Beth Orton an Gitarre und Piano, O'Rourke am Bass, Piano und Marimba und dem amerikanischen Percussionisten Tim Barnes an den Drums eingespielt worden. Jetzt wieder auf Vinyl zu haben!

Beth Orton ist eine sehr individuelle Künstlerin, die ihre Folksongs mit elektronischen Elementen angereichert hat, die ihrer Musik einen eigenen Charakter verleihen und so ihren Songs eine ganz eigenen Beseeltheit und Individualität geben. Wenn man so will, könnten einem alte Meister/innen in den Sinn kommen: Joni Mitchell, John Martyn, Emmylou Harris (die hier auch tatsächlich als Gast mitsingt) oder auch Suzanne Vega. Sie alle zählen sicher zu den Einflüssen, aber Beth Orton fährt jederzeit ihren ureigenen Stil und beherrscht ihren (eigenen) Kosmos vollkommen. Auf dem im Juli 2002 veröffentlichtem Album Daybreaker sind neben Emmylou Harris weitere illustre Gäste zu hören, die Chemical Brothers, Ryan Adams und Four Tet, eine Liste die sich sehen lassen kann. Das Album erreichte dann auch den achten Platz der englischen Charts, wurde ein kommerzieller Erfolg, nominiert für den Brit Award und ausgezeichnet mit dem Q Award für das beste Album des Jahres 2002. Jetzt wieder auf Vinyl zu haben!

Behemoth's ascent is a story that can be told in many ways and from many perspectives. When one writes about a band that has written and rewritten the book on extreme metal for over 30 years that much is inevitable. However, it would be difficult to really capture the story's essence without focusing on the ambition and power which drive the band. While both power and ambition, as terms, can be tied in some way and some meaning to every story - their interpretation here is exact and carefully chosen. Ambition is the charioteer, navigating ever forwards to new horizons and visions and power are the horses, without whose prowess those horizons would be but a distant dream.  

Auf dem Weg hinunter in den Kaninchenbau: Die deutsche Metalcore-Band Ghøstkid kehrt mit ihrem dritten Album »Follow The White Rabbit« zurück. Inspiriert von den Welten von »Alice im Wunderland« und »American McGee's Alice« taucht Mastermind Sushi tiefer denn je in persönliche Emotionen ein und nutzt Ghøstkid sowohl als Ventil als auch als Gefäß für seine inneren Stimmen und Gedanken: »Ohne Ghøstkid wäre der Druck unerträglich gewesen.« Da persönliche Kämpfe und Erfahrungen den Kern der fiktionalen Konzeptalben von Ghøstkid bilden, offenbart Sushi nun seine eigenen Erlebnisse und Emotionen so ungefiltert wie nie zuvor und macht »Follow The White Rabbit« damit zu seinem bisher persönlichsten Werk: »Es war eine Zeit mit Gefühlen, die zwischen völligem Burnout und ›alles ist unglaublich‹ schwankten.« Tracks wie »Mother Death« thematisieren Sushis Kampf mit Schlaflosigkeit, angeheizt von »irrationaler Angst und Panik vor dem, was kommen wird«, während »Give Your Kids A Gun To Play«, einer der umstrittensten Songs des Albums, liefert eine scharfe Kritik an der Gesellschaft und dem modernen Medienkonsum. Über die 11 Titel des Albums hinweg scheut Ghøstkid nicht davor zurück, in den Spiegel seiner selbst und der Welt um ihn herum zu blicken. Die Hörer werden vielleicht von Stücken wie »Lovely« und »Neon« (feat. Maz Univerze) überrascht sein, in denen Ghøstkid neue Wege beschreitet. Während »Lovely« eine sanftere, zärtliche Seite zeigt, enthält »NEON« Hip-Hop-Einflüsse, die durch den Gastauftritt von Maz Univerze noch unterstrichen werden.Insgesamt bieten die Songs Einblicke in dunkle innere Gedanken, jedoch stets verbunden mit einem Gefühl der Hoffnung und der Entschlossenheit, durchzuhalten – insbesondere sich selbst treu zu bleiben. Produziert von Sushis langjährigem Kollaborateur Sky van Hoff und gemastert von Jens Dreesen, fängt Ghøstkids »Follow The White Rabbit« auf seinen 11 Tracks düstere Klanglandschaften ein und erkundet dabei die menschliche Psyche und die Dunkelheit, die dahinter verborgen liegt.

The Gizz machen jetzt Thrash Metal. Auch das beherrschen sie wie aus dem Effeff. Wen wundert's. Das fünfzehnte Studioalbum der siebenköpfigen Band - und nach »Fishing For Fishies« das bereits zweite allein in diesem Jahr - ist mit Abstand das härteste Album von The Gizz. So bedient es sich an der goldenen Phase des Thrash Metal Mitte/Ende der Achziger Jahre: Metallica und Slayer natürlich, aber auch weniger zitierte Bands wie Exodus, Kreator und Overkill. Dass an den Albumaufnahmen nicht alle sieben Mitglieder, sondern tatsächlich nur drei beteiligt waren, ist dabei nur eine Randnotiz, verfolgt die Band doch seit Bestehen einen sagen wir mal flexiblen Ansatz, was diese Dinge betrifft. Expect the unexpected, das trifft wohl auf keine andere Band so zu wie auf The Gizz.

»12 Bar Bruise« ist das Debütalbum der australischen Psychedelic-Rocker aus Melbourne. Stu Mackenzie über die Entstehung des Albums: »Zunächst einmal vielen Dank, dass ihr diese Platte gekauft habt oder sie auf euren Plattenteller gelegt habt oder euch mein Geschwafel angehört habt. Für mich als 21-jährigen wäre es urkomisch und unvorstellbar gewesen, dass sich irgendjemand außerhalb unseres engeren Freundeskreises und einiger Garagenrock-Nerds auch nur im Geringsten dafür interessieren würde! Tatsächlich erinnere ich mich nicht wirklich an viel von der Entstehung dieser Platte. Ich glaube, wir wollten es einfach nur schräg machen. Und laut. Und irgendwie dumm. Wir waren zwischen 19 und 23 Jahre alt, nervös und verwirrt, hatten große Augen und lebten von Schlägertüten, Zigaretten, Doritos und der Arbeitslosigkeit. Paul Maybury hat uns bei diesem Projekt geleitet und geführt. Er überließ mir die Kontrolle über die Fader und experimentierte mit seinem scheinbar endlosen Arsenal an Aufnahmegeräten. Ich tat so, als ob ich wüsste, was ich tue. Wie dem auch sei, er hat das Ganze auf die Beine gestellt - ich möchte mir gar nicht ausmalen, wie es ohne seine roadtaugliche Weisheit geklungen hätte. Hier gab es viele Premieren - erste Kollaborationen und frühe erzählerische Musik mit Brod Smith, die ein paar Monate später zu Eyes like the Sky führen sollte. Weitere Premieren - wie die Zusammenarbeit mit Jason Galea. Ambrose kannte Jase aus Skateboard-Kreisen und wir fanden seine Zeichnung eines königlich aussehenden Echsenwesens, das ein teddybärähnliches Monster ersticht. Das schien perfekt zu sein. Er ist Teil der Einrichtung geworden und wir haben seitdem mit ihm an allem gearbeitet. Prägende Jahre? Ich glaube, es war die Zeit in deinem Leben, in der du zum ersten Mal dein Gehirn benutzt. Eidechsenhirn. Wer bin ich? Wer war ich? Viel Spaß!«

  »Oddments«, das vierte Studioalbum der Band, versammelt Songs und Outtakes aus verschiedenen früheren Sessions und zeigt King Gizzard bewusst ohne ein einheitliches stilistisches Konzept. Die Neuauflage wird nachhaltig aus PET-Kunststoff produziert.