Es ist in vier Gänge unterteilt – Vorspeisen, Hauptgerichte, Zweiter Gang und Desserts – und das kulinarische Thema zieht sich durch das Albumcover, auf dem Zappa in einem Diner zu sehen ist, sowie durch die Trackliste, die einem Speiseplan ähnelt. „Dies ist kein Greatest-Hits-Album, da Frank streng genommen keine ‚Hits‘ hatte, und es ist auch kein ‚Best of‘, da es unmöglich wäre, so viel Großartiges auf eine einzige CD zu packen“, sagt Ahmet Zappa. „Es ist ein wahres Smorgasbord an Musikalität für Neugierige und ein Buffet mit Favoriten für die Fans. ZAPPAtite versammelt einen Querschnitt meiner Lieblingssongs, die mein Vater komponiert hat. Ich hoffe, ihr habt Appetit, denn dieses Festmahl für eure Ohren rockt!“

Seit über zwei Jahrzehnten zählen Psycroptic zur absoluten Speerspitze des Technical Death Metal – geprägt von rhythmischer Komplexität, höchster Musikalität und einem kompromisslosen kreativen Anspruch. Nun läuten die Tasmanier mit »The Pulse of Annihilation« ein entscheidendes neues Kapitel ein: ihr erstes Album für Metal Blade Records. Produziert von Gitarrist und Hauptkomponist Joe Haley in den Crawlspace Productions, vereint das Album den einzigartigen Dual-Vocal-Angriff von Jason Peppiatt und Jason Keyser (Origin) sowie Coverartwork von Belial Necroarts (Gaerea). Fokussierter, präziser und vernichtender denn je – »The Pulse of Annihilation« ist der Beweis, dass wahre Klasse mit der Zeit nur gefährlicher wird.

Diese neu veröffentlichte Aufnahme, die am 17. Juni 1976 im Roosevelt Stadium in Jersey City entstand, dokumentiert Yes auf dem Höhepunkt ihrer Schaffenskraft Mitte der 70er Jahre – kühn, experimentierfreudig und in absoluter Bestform. Vor einem riesigen Open-Air-Publikum im Rahmen ihrer Nordamerika-Tournee 1976 präsentierte die Band ausladende Arrangements, virtuoses Zusammenspiel und jenes unverwechselbare Gefühl für musikalische Größe, das Yes als einen der bedeutendsten Live-Acts des Progressive Rock auszeichnete.

»Complete Body Talk« ist die definitive Vinyl-Kompilation von Robyns bahnbrechender »Body Talk«-Trilogie. Persönlich von Robyn kuratiert, vereint dieses 2LP-Set »Body Talk Parts 1, 2 & 3« zu einer durchgehenden Sammlung und enthält Fan-Favoriten wie »Dancing On My Own«, »Call Your Girlfriend«, »Hang With Me« und mehr. Gepresst auf Coke Bottle Vinyl, befindet sich das Set in einer hochwertigen Hülle mit silbermetallischem, reflektierendem Frontcover. Ein komplettes und ikonisches Package, das eines der einflussreichsten Pop-Albumprojekte der modernen Musik feiert.

Mit »Adonia« erscheint ein außergewöhnliches Werk zwischen elektronischer Avantgarde, Progressive Rock und kosmischer Klangforschung. Entstanden 1978 in Paris, vereint das Projekt um Hervé Picart musikalische Vision, literarischen Anspruch und technische Innovation zu einem beeindruckenden Gesamtkonzept. Gemeinsam mit Richard Pinhas (Heldon) und Schlagzeuger François Auger entwickelt Ose einen Sound, der sich zwischen Berlin School, Kraut-Elektronik und klassischem Prog bewegt. Analoge Synthesizer wie das Moog-System treffen auf dynamische Gitarren und präzise Rhythmik. Inhaltlich verbindet das Album Mythologie und Science-Fiction: Der imaginäre Planet »Adonia« wird zur Projektionsfläche für eine Klangwelt zwischen organischer Wärme und elektronischer Weite. Erstmals 1978 veröffentlicht und bis 1979 international auf Vinyl erschienen, blieb das Album über Jahrzehnte hinweg ohne offizielle CD-Veröffentlichung zugänglich. Adonia entwickelte sich so zu einem faszinierenden Dokument einer kreativen Übergangsphase - visionär, atmosphärisch und stilistisch einzigartig.

Invada Records präsentiert »Stranger Things 5 - Original Score from the Netflix Series« mit Musik der zweimal für den Grammy nominierten und mit dem Emmy ausgezeichneten Komponisten Kyle Dixon und Michael Stein. »Stranger Things 5« erscheint in zwei Teilen, die den Original-Soundtrack zur 5. Staffel sowie die Originalmusik aus dem Finale enthalten. »Volume 1« umfasst 47 Titel, gepresst als 2LP auf »Metallic Bronze«-Vinyl. »Volume 2« umfasst 48 Titel, gepresst als 2LP auf »Metallic Silver«-Vinyl. Musik ist seit der ersten Staffel ein fester Bestandteil der Serie, in der sie einen perfekt passenden Vintage- und unheimlichen Ton angab. In jeder Staffel hat sich die Musik von Dixon und Stein mit der Serie weiterentwickelt und spiegelt eine tiefe Verbindung zum Leben der Charaktere und den immer intensiveren Handlungssträngen wider. In den Annalen von Film und Fernsehen schaffen es bestimmte musikalische Themen, über das bewegte Bild hinauszuwachsen; unvergessliche Soundtracks besitzen die unheimliche Fähigkeit, eine Epoche, eine ganze Ästhetik zusammenzufassen. Die produktiven texanischen Musiker Kyle Dixon & Michael Stein sind verantwortlich für ein Werk, das gleichbedeutend ist mit der fiktiven Stadt Hawkins, Indiana - der übernatürlichen Kleinstadt im Zentrum des Netflix-Hits »Stranger Things«. Doch während die Kleinstadt im Laufe der Erfolgsserie zum unwahrscheinlichen Schauplatz einer übernatürlichen Schlacht wird, haben sich auch die Klangwelten von Dixon und Stein im Gleichschritt erweitert. Mittlerweile komponieren Stein und Dixon Musik für Spielfilme, Dokumentarserien und groß angelegte Installationen und spielen in der Band S U R V I V E. In der Tradition von Vorgängern wie John Carpenter und Zeitgenossen wie Oneohtrix Point Never nutzen Kyle Dixon & Michael Stein ihre lebenslange Leidenschaft für Synthesizer und elektronische Musik als Vehikel für überlebensgroße Visionen.

Invada Records präsentiert »Stranger Things 5 - Original Score from the Netflix Series« mit Musik der zweimal für den Grammy nominierten und mit dem Emmy ausgezeichneten Komponisten Kyle Dixon und Michael Stein. »Stranger Things 5« erscheint in zwei Teilen, die den Original-Soundtrack zur 5. Staffel sowie die Originalmusik aus dem Finale enthalten. »Volume 1« umfasst 47 Titel, gepresst als 2LP auf »Metallic Bronze«-Vinyl. »Volume 2« umfasst 48 Titel, gepresst als 2LP auf »Metallic Silver«-Vinyl. Musik ist seit der ersten Staffel ein fester Bestandteil der Serie, in der sie einen perfekt passenden Vintage- und unheimlichen Ton angab. In jeder Staffel hat sich die Musik von Dixon und Stein mit der Serie weiterentwickelt und spiegelt eine tiefe Verbindung zum Leben der Charaktere und den immer intensiveren Handlungssträngen wider. In den Annalen von Film und Fernsehen schaffen es bestimmte musikalische Themen, über das bewegte Bild hinauszuwachsen; unvergessliche Soundtracks besitzen die unheimliche Fähigkeit, eine Epoche, eine ganze Ästhetik zusammenzufassen. Die produktiven texanischen Musiker Kyle Dixon & Michael Stein sind verantwortlich für ein Werk, das gleichbedeutend ist mit der fiktiven Stadt Hawkins, Indiana - der übernatürlichen Kleinstadt im Zentrum des Netflix-Hits »Stranger Things«. Doch während die Kleinstadt im Laufe der Erfolgsserie zum unwahrscheinlichen Schauplatz einer übernatürlichen Schlacht wird, haben sich auch die Klangwelten von Dixon und Stein im Gleichschritt erweitert. Mittlerweile komponieren Stein und Dixon Musik für Spielfilme, Dokumentarserien und groß angelegte Installationen und spielen in der Band S U R V I V E. In der Tradition von Vorgängern wie John Carpenter und Zeitgenossen wie Oneohtrix Point Never nutzen Kyle Dixon & Michael Stein ihre lebenslange Leidenschaft für Synthesizer und elektronische Musik als Vehikel für überlebensgroße Visionen.

Primus melden sich mit einem brandneuen Song zurück: »The Ol' Grizz«. Der Song bewegt sich zwischen rasanten Bassriffs, spacigen Arpeggios und Double-Bass-Drum-Beats und schafft so einen einzigartigen Sound, den man nur als »Primus« bezeichnen kann. Auf dieser limitierten 12"-Ausgabe sind außerdem ein neues Cover von »Holy Diver« sowie zwei Songs enthalten, die letzten Sommer als 7"-Single erschienen sind: »Little Lord Fentanyl« und eine Live-Aufnahme von »Duchess (and the Proverbial Mind Spread)«.

Omniversal Earkestra - Le Mali 70 Vol. II ist eine faszinierende musikalische Reise, die die kraftvolle Energie westafrikanischer Sounds mit moderner Jazz- und World-Music-Ästhetik verbindet. Inspiriert von den legendären Klangtraditionen Malis der 1970er Jahre, entfaltet dieses Album eine vibrierende Mischung aus hypnotischen Grooves, Bläserarrangements und spiritueller Tiefe. Die Omniversal Earkestra erschafft dabei ein dichtes, organisches Klangbild, das Tradition und Gegenwart souveränvereint. Mit großer musikalischer Offenheit und improvisatorischer Freiheit entsteht ein zeitloser Sound, der sowohl kulturelle Wurzeln respektiert als auch neue Perspektiven eröffnet - ein mitreißendes Hörerlebnis für anspruchsvolle Musikliebhaber.

Als ihr mit Lorbeeren behängtes Debüt »Strange Cacti« in den Händen der Hörer landete, wurde schnell deutlich, über was für eine besondere Präsenz Angel Olsen verfügt. Ihr Sound hatte etwas Frisches, eine warme und wunderschöne Spannweite und ein Können vermischt mit Charme, das fast nicht von dieser Welt war. »Half Way Home« ist die Fortsetzung der Eleganz, über die »Strange Cacti« verfügte; eine Sammlung neuer und alter Musik, poliert und ausgereift; Gedanken, die noch einmal durchdacht werden. Hier schwingt sich ein wunderschönes Mädchen mit einer wunderschönen Stimme auf die nächste Ebene, was sich ohne Zweifel auf verschiedene Roadtrips mit Bonnie »Prince« Billy und seiner Crew zurückführen lässt. Das Material von Angel Olsen gehört nur ihr allein: ein roher, leuchtender Sound, der heute noch genauso besonders ist wie 2010. Es ist ein emotionaler Eintopf, angeführt von der robusten Stimme Angels, unverfroren und fesselnd, sich danach sehnend, gehört zu werden. Mit der Hilfe von Emmett Kelly (The Cairo Gang) ist »Half Way Home« eine natürliche Weiterentwicklung, die den wunderbaren Sound einer Songwriterin mit einer raren Stimme in den Mittelpunkt stellt.

Chrystabell & David Lynch veröffentlichen ihre erste Single »Sublime Eternal Love« aus dem kommenden Album »Cellophane Memories«, das über Sacred Bones Records erscheint. Die Single wird von einem beeindruckenden Video begleitet, bei dem David Lynch Regie führte. Fast schon spirituell in Ton und Stimmung, hüllen üppige Synthie-Orgeln den Hörer in eine emotionale und himmlische, aufsteigende musikalische Atmosphäre ein. Chrystabells Gesangslinien überlagern und verflechten sich und erschaffen eine klangliche Fata Morgana aus sanftem, warmem Gesang. Das Gefühl des Liedes zieht einen in seinen Bann und trägt einen, beständig in seinem einfachen und doch tief bewegenden Tonfall. Das künstlerisch minimalistische und hypnotisch fesselnde Video zu »Sublime Eternal Love« spiegelt fast eine Befreiung von einer gütigen höheren Macht und eine Ehrfurcht vor der Botschaft der Liebe und Hoffnung wider, die es bringt. In einem dunklen Raum erhellen Stroboskoplichter Chrystabells Konterfei, das den Betrachter anlächelt. Sie wird als drei verschiedene Versionen ihrer selbst im selben Bild projiziert, wobei jede eine andere Zeile singt und mit den beiden anderen harmoniert. Gegen Ende des Videos ziehen graue Wolken schnell vorbei und spiegeln die tranceartige Qualität der Bilder und der Musik wider. Der Ursprung des Albums »Cellophane Memories« von Chrystabell und David Lynch geht auf eine Vision zurück, die David bei einem nächtlichen Spaziergang durch einen Wald mit hohen Bäumen hatte, über deren Wipfeln er ein helles Licht sah. Wie er sich erinnert, verwandelte sich das Licht in den Klang von Chrystabells Stimme und offenbarte ihm ein Geheimnis. Aus diesen geheimnisvollen Konvergenzen von Licht und Klang, Tag und Nacht, Sternenhimmel und schwarzem Wald hat sich die Zusammenarbeit von Chrystabell und David entwickelt. Für »Cellophane Memories« sind die beiden durch verschiedene Portale gereist. Passend dazu spielen viele der Songs in Märchenwäldern, auf Berggipfeln, in Schwimmlöchern, auf dämmrigen Autobahnen und in dunklen Schlafzimmern. Dies sind die Orte der Einsamkeit und der Romantik, die Art von erhabenen Landschaften, in denen Menschen oft allein auf der Suche nach einem verirrten Liebhaber unterwegs sind. Aber es sind auch gestaltlose Atmosphären von Farben, Wetter und Atem: blauer und weißer Himmel, rote Rosen, sich verdunkelnde Gewitterwolken, wirbelnde Winde und Sommerdüfte, die den Reisenden schnell in die übernatürlichen Empfindungen anderer Welten eintauchen lassen. Die Zeit ist in den Liedern von Chrystabell und David Lynch ein wankelmütiges Geschöpf. Die Figuren sind kaum mehr als schräge Skizzen der alltäglichen Melodramen der Zeit: Menschen kommen und gehen als Fremde, Fremde stürzen in Verzweiflung und Liebe, Liebende trennen sich an der Kreuzung und finden im Traum wieder zusammen. In dieser Quantenmatinee des täglichen Lebens ist jede Figur sowohl Star als auch Statist im Hintergrund. Zeitliche Irrungen und Wirrungen tauchen immer wieder in Chrystabells Gesang auf, der in Harmonie-Schichten auftaucht, sich auflöst und zurückschleift. Überlagert werden sie von Davids und des verstorbenen Komponisten Angelo Badalamenti Orchester aus von Waldeinsamkeit inspirierten Streichern, eigenwilligen Gitarrenglissandi und Hallwolken, deren Melodien das Gefühl vermitteln, als würde die Zeit für einen ersten Kuss innehalten.

»Impala«, das sagenumwobene zweite, ursprünglich 1998 erschienene und längst vergriffene Songs:Ohia Album wird im August von Secret Canadian auf Vinyl neu aufgelegt. Diese Veröffentlichung enthält ein neu gemastertes Demo von »Tess«, ursprünglich während der Aufnahmesessions für »Impala« aufgenommen. ,Lorain, Ohio; es ist ein schwieriger Ort zum Aufwachsen. Entweder man entkommt oder nicht. Angesichts der Industrie, die es dort gibt (oder gab) - das Stahlwerk, das Ford-Werk und die Werft - ist die Mischung der Menschen wie keine andere. Eines ist jedoch sicher, es ist eine Arbeiterstadt durch und durch. Was hat das mit einer neuen Veröffentlichung von Songs: Ohia zu tun? Nun, Jason - der Hauptverantwortliche für Songs, wuchs wie ich in diesem gottverlassenen Loch einer Stadt auf und so sehr man die Stadt auch verlassen kann, sie verlässt dich nie. »Impala« ist ein weiterer Beweis für das Songwriting-Talent von Jason Molina. Die hier enthaltenen Tracks bieten einen Einblick in die die Seele eines Mannes, der versucht die Dämonen des Lebens und des Verlusts auszutreiben. Das ist nichts, was man vortäuschen kann. Das kommt davon, wenn man mit dem Wissen aufwächst, dass die Fabriken, in denen deine Eltern gearbeitet haben, keine Option für dich sind und dass deine einzige wirkliche Option ist, zu versuchen, auszusteigen (leichter gesagt als getan). Die auf Jason und Geof Comings reduzierten Tracks auf »Impala« sind die spärlichsten und strukturiertesten Stücke, die die Band bisher veröffentlicht hat. Eine der ehrlichsten und stärksten Veröffentlichungen von Songs:Ohia.

Aaron Frazer von Durand Jones & The Indications steht 2021 mit seinem mit Spannung erwarteten Debütalbum »Introducing…« in den Startlöchern. Die erste Soloplatte des Sängers produzierte kein Geringerer als Dan Auerbach von den Black Keys. Für die Aufnahmen ging es in Auerbachs Studio in Nashville, wo das Album nach einer schnellen und produktiven Songwriting-Session in nur einer Woche aufgenommen wurde. Insgesamt zwölf Songs haben es auf »Introducing…« geschafft. Und die ergeben zusammen eine absolut spannende Mischung aus 70er-Jahre-Soul, Disco, Gospel und Doo-Wop. Wie das Ganze klingt, verriet Aaron Frazer bereits mit der Leadsingle »Over You«.

»In einem langen und emotional anstrengenden Jahr, in dem ich drinnen war (allein, in meinem Fall), habe ich mich dabei ertappt, über Spiegel nachzudenken. Wie man es vermeidet, an den meisten Tagen zu viel Zeit vor ihnen zu verbringen. Eine Bestandsaufnahme des echten, physischen Selbst ist harte Arbeit, Arbeit, gegen die ich nicht gänzlich etwas einzuwenden habe, die für mich aber sofort gefährlicher wurde, als ich mit ansehen musste, welchen sehr realen Tribut Zeit, moderne Ängste, Isolation und Langeweile von mir forderten. Es schien einfacher, mich in eine nicht allzu ferne glorreiche Vergangenheit zu versetzen, die Erinnerung als Mittel sowohl zur Begeisterung als auch zur Heilung zu nutzen. Aber wo wir gerade von Aufregung sprechen: Ich stolpere gerne auf eine Band zu, die keine Agenda und keinen Zweck hat und deren Sound fast zufällig entdeckt wird. So habe ich Wednesday zum ersten Mal gehört. Die Band kam zu mir und ich weiß nicht mehr, wie oder warum. Sie tauchten einfach auf, als wären wir unser ganzes Leben lang aufeinander zugegangen. ›I Was Trying To Describe You To Someone‹ prägte meinen Sommer 2020, und in Klang, in Geist, in den zentralen Themen und deren Umsetzung versetzte es mich zurück in eine Zeit vor der heutigen, was ich damals gebraucht hatte. Die Vergangenheit kann sich weniger höllisch anfühlen als die Gegenwart, wenn wir manchmal nicht ganz ehrlich zu uns selbst sind. Da ist dieser Trick der Nostalgie, mit dem ich in meinem eigenen Schreiben viel Zeit verbringe und der mich in meinem eigenen Leben etwas quält. Die sehr reale Vorstellung, dass Nostalgie sowohl ein nützliches Werkzeug als auch eine Waffe ist, wenn sie nicht mit etwas gepaart ist, das einer Art rigoroser Ehrlichkeit nahekommt. Aber wenn ich noch einmal auf all diese Ideen von Nostalgie und unseren alten, kniffligen, vergangenen Ichs zurückkommen darf, die tatsächlich Teil des Backsteinhauses sind, das unser gegenwärtiges Selbst ausmacht, dann hoffe ich, dass du, lieber Hörer, an diesem Album genau den Moment am Anfang von ›The Burned Down Dairy Queen‹, in dem Karly singt: ›I was hiding in a room in my mind / and I made me take a look at myself.‹ Denn wenn du, so wie ich, Spiegel gemieden hast sowohl metaphorische als auch echte, dann wird das Album hier zu einem Leuchtturm, der hell durch die Dunkelheit meiner ansonsten dunklen und leeren Kammern hallt. So viele dieser Songs beschäftigen sich mit der Vergangenheit auf weit weniger romantische Weise, als ich es bisher getan habe, und ich sehnte mich verzweifelt nach der Neuausrichtung, die dieses Album bot. Also, ja, die Songs sind gut. Vielleicht kurbelst du an einem angenehmen Tag auf der richtigen Strecke in der warmen Jahreszeit die Fenster herunter und drehst die Lautstärke auf, wenn ›Birthday Song‹ richtig laut und zum Mitsingen wird. Vielleicht sitzt du nachts auf einem Dach, näher am Mond als du es auf dem Boden warst, und lässt dich von ›Ghost Of A Dog‹ durchschütteln und zu einer nächtlichen Erkenntnis treiben, die du in der Stille nicht hättest haben können. Aber selbst über all dem, über all den Freuden und der Gnade, die die Klänge dieses Albums bieten mögen, hoffe und glaube ich auch, dass es jeden, der zuhört, daran erinnern wird, dass wir eine Ansammlung vieler Reflexionen sind. Die alle Geduld verdienen.« Hanif Abdurraqib

Earth, Wind & Fire, die R&B-Pop-Soul-Band aus Chicago, hat in den 1970er und frühen 1980er Jahren eine ganze Reihe von Hits hervorgebracht. Zu den größten Hits zählen »September«, »Boogie Wonderland«, »After the Love Has Gone«, »Let's Groove« und »Fantasy«. »I Am«, ursprünglich 1979 veröffentlicht, enthält »Boogie Wonderland« (mit Gesang von The Emotions), das zu einem der beliebtesten Disco- und Crossover-Hits jener Zeit wurde, sowie die Ballade »After the Love Has Gone«. Aus Angst, als Disco-Band abgestempelt zu werden, erklärte Verdine White: »Wir haben vielleicht gefeiert, aber wir haben nicht getanzt!«Mit weltweit über 90 Millionen verkauften Alben und 6 Grammy Awards zählt die Band zu den meistverkauften Musikern aller Zeiten. Die musikalischen Hauptelemente von Earth, Wind & Fire unter der Leitung ihres Gründers Maurice White sind afrikanische und lateinamerikanische Einflüsse, gemischt mit Funk, Soul und Pop sowie Anklängen von Rock und Jazz. »I Am« ist ein gutes Beispiel für die gelungene Kombination aus der stimmlichen Stärke der Band und der instrumentalen Begleitung.

Heavenly Recordings freut sich, limitierte Vinyl-Wiederveröffentlichungen klassischer Alben von King Gizzard and the Lizard Wizard anzukündigen. Gepresst auf schwarzem Bio-Vinyl – einer umweltfreundlichen Alternative zum herkömmlichen Vinylpressmaterial – und verpackt in Papierhüllen ohne Kleber oder Plastik, sind diese Editionen vollständig recycelbar, sollte man sich eines Tages doch von ihnen trennen wollen.

Nach dem Erfolg der »Joy In Repetition« Best Of-Kampagne im letzten Jahr wird der Klassiker »The Warning« von Hot Chip zum ersten Mal seit über 15 Jahren wieder auf physischen Tonträgern veröffentlicht!Die Doppel-LP erscheint mit brandneuen Liner-Notes und zum ersten Mal mit ihrem klassischen farbigen Cover.

  Das 2-LP-Set »Danger Days: The True Lives of the Fabulous Killjoys« von My Chemical Romance in der Deluxe Edition enthält das remasterte Album sowie neun unveröffentlichte und seltene Bonustracks, darunter die EP »Mad Gear & Missile Kid«, »Zero Percent« und die Coverversion des Songs »Common People« durch die Band.

Mit diesem letzten Album schließt die Metal-/Hard Rock-Ikone Mat Sinner (Bass, Gesang) ein ereignisreiches Kapitel ab, das sich über mehr als 40 Jahre und 19 Alben erstreckt. "Boom Bang Goodbye" versammelt eine Riege hochkarätiger Musiker, darunter Ronnie Romero (RAINBOW), Michael Sadler (SAGA), Björn "Speed" Strid (SOILWORK), Jim Müller (KISSIN' DYNAMITE) und Erik Mårtensson (ECLIPSE) - um nur einige zu nennen - die ein brillantes letztes Feuerwerk aus 11 Songs entzünden!

»Seventh Star« wurde 1986 veröffentlicht und war die erste von drei Kollaborationen zwischen Tony Iommi und dem ehemaligen Deep Purple- und Trapeze-Sänger Glenn Hughes. Es enthielt die Single »No Stranger To Love«. »Seventh Star« ist das zwölfte Studioalbum der Heavy-Metal-Ikonen Black Sabbath. Das ursprünglich am 28. Januar 1986 in den Vereinigten Staaten und am 21. Februar 1986 im Vereinigten Königreich veröffentlichte »Seventh Star« präsentiert Gründungs-Gitarrist Tony Iommi gemeinsam mit einer Besetzung, die aus Geoff Nicholls, Eric Singer, Dave Spitz und Glenn Hughes (ex-Deep Purple) als Leadsänger besteht. Diese Neuauflage enthält ein brandneues Remaster aus dem Jahr 2026 sowie nun auch die Single-Remix-Version von »No Stranger To Love«.

In Ensenada, Mexiko, wo der Horizont des Pazifiks eine klare, unveränderliche Linie zieht, nahmen HOLY WAVE ihr neues Album »i'm DADA« auf - ein Werk, das für die Band weitläufig und neu fokussiert wirkt. Der Schritt außerhalb ihrer Heimat USA war weniger ein Rückzug als vielmehr ein Perspektivwechsel, der Abstand schuf, um einen neuen Sound zu erkennen, der sich langsam unter ihnen herausgebildet hatte. »i'm DADA« offenbarte schnell seinen Charakter: treibender, offener Underground-Lofi-Rock und ihr bisher strukturell durchdachtestes Werk. Durch die Zusammenarbeit mit dem experimentellen Duo Lorelle Meets the Obsolete in deren Studio floss das Gemeinschaftsgefühl in das Album ein, obwohl dessen emotionaler Kern bereits in den monatelangen Vorbereitungen entstanden war. Die Hälfte von HOLY WAVE ist mexikanischer Herkunft und hat ihre Wurzeln in der Grenzregion um El Paso, sodass sich die Aufnahmen in Ensenada intuitiv und entspannt anfühlten. Die Songs spiegelten Gespräche über Vaterschaft und Partnerschaft, Trennungen und Entfremdung, die beunruhigende Beschleunigung der KI und darüber wider, was es bedeutet, präsent und prinzipientreu zu bleiben, während die Welt unvorhersehbar voranschreitet. Diese Spannung wird nicht explizit hervorgehoben, sondern geht in der Musik auf. Die Band dehnt ihr bekanntes Gespür für eine schwindelerregende Atmosphäre zu etwas Schlankerem und Direkterem aus. Es sind mehr Loops und Samples eingewoben als zuvor, Grooves, die konstruiert, zyklisch und hypnotisch wirken. Manche Tracks driften in Richtung der elastischen Weite des Dub; andere pulsieren mit filmischer Downtempo-Schwere. Das gesamte Album ist von einem frischen Schwung geprägt, von Rhythmen, die vorantreiben, von traumgetränkten Texturen, Fuzz-Gitarren und sanft schwebenden Vocals. »dewey's dirge« entfaltet sich geduldig: Verschwommene Gitarrenklänge erblühen, während darunter ein gmotorischer Puls stetig voranschreitet. Der Gesang bleibt im Hintergrund, breitet sich eher aus, als dass er explodiert. Es wirkt weitläufig und nachdenklich, eine Hymne des Abklingens, die Drama gegen Eintauchen eintauscht. »i'm DADA« hingegen findet seinen Rhythmus in einem schlanken, kreisenden Groove. Eine straffe Drum-Figur, eine Basslinie und eine abgehackte Gitarrenphrase wiederholen sich, bis sie lebendig wirken. Textlich kreist der Song um die komplizierte Hingabe ein Eltern-Teil zu sein. »s33.u.in/HAL« klingt wie eine Übertragung, die mitten in der Luft abgefangen wurde, leicht mechanisch, immersiv, ohne sich jemals vollständig aufzulösen, und fängt das zentrale Gefühl des Albums ein: den Versuch, trotz Störgeräuschen klar zu kommunizieren. Während frühere Alben von HOLY WAVE oft durch ein Gefühl des Dahintreibens geprägt waren, wirkt diese Platte nun neu geerdet. Das Album verzichtet nicht auf das Eintauchen in die Musik, sondern zügelt es. Die Grooves setzen sich fest, Wiederholungen gewinnen an Gewicht, und die Musik bleibt trotz ihrer schwereren Themen gefasst und unerschütterlich. Was dabei entsteht, ist keine Neuerfindung, sondern eine Schärfung: Holy Wave klingen weniger wie eine Band, die durch die Atmosphäre treibt, sondern eher wie eine, die diese inmitten des Chaos bewusst gestaltet.

Es gibt ein altes Klischee über den letzten Tag der Sommerferien: dass er den Zugang zu endloser, müheloser Freude symbolisiere. Aber so ist es in Wirklichkeit gar nicht. Frag einfach Payson Power, den Gitarristen und kreativen Kopf hinter der Torontoner Band Daydream Plus. »Als ich aufwuchs und einen Film sah, der am letzten Tag des Sommers spielt, dachte ich immer: ›Du bist schon beim deprimierenden Teil angelangt!‹ Der schöne Teil ist der vorletzte Tag des Sommers, denn das ist der letzte Tag, an dem man noch ohne Konsequenzen leben kann.« Dieser Moment, in dem man noch Filme schauen und Videospiele spielen kann, bis die Sonne aufgeht, inspirierte Power dazu, das erste Album von Daydream Plus mit dem Titel »Second Last Day of Summer« zu schreiben. Was diesen Tag so schön macht, ist, dass man unbewusst weiß, dass alles bald zu Ende sein wird. Nachdem er sein Leben lang Heavy Metal gespielt hatte, gründete Power 2020 Daydream Plus, um melodische, eingängige Kompositionen zu erkunden und Einflüssen nachzugehen, zu denen er zuvor nur in kurzen Momenten Zugang gehabt hatte. Nach zwei EPs, auf denen sich das Trio aus Toronto in der schmalen Schnittmenge zwischen komplexem Math-Rock und urbanem City-Pop bewegte, erweiterte Power langsam seinen Horizont. Mit Elementen aus Videospiel-Soundtracks, energiegeladenen Anime-Melodien und Akkorden, die direkt aus dem Songbuch von Steely Dan stammen, erschafft Daydream Plus auf »Second Last Day of Summer« eine detailreichere Welt. Unterstützt von Powers Bandkollegen von Tomb Mold, dem Schlagzeuger Max Klebanoff und dem Bassisten Kevin Sia, arbeitet das Trio daran, den Geist von Don Caballero aufzunehmen und ihn mit einem Hauch von Smooth Jazz zu überziehen.

Aufgenommen während ihrer gefeierten »Works«-Tournee im Jahr 1977, fängt dieses Live-Album von Emerson, Lake & Palmer die Band auf dem Höhepunkt ihrer Kreativität ein, während sie Songs aus ihrem legendären Repertoire darbietet. Ein besonderes Highlight des Albums sind die Aufnahmen ihres legendären Konzerts vom 26. August 1977 im Olympiastadion von Montreal, bei dem die Band vor einem ausverkauften Publikum von 78.000 Zuschauern und gemeinsam mit einem 64-köpfigen Orchester auftrat. Nun erstmals seit fast 30 Jahren wieder als eigenständige Veröffentlichung erhältlich, präsentiert »Works Live« eine Band, die die Grenzen ihres Genres und der Live-Performance auf ein neues Niveau hob und damit eine ganze Generation von Künstlern auf Jahre hinaus prägte.

Panic Shack gründeten sich 2018 als Mittelfinger an die "Members-Only-Club"-Atmosphäre der Indie/Punk-Szene, nicht nur wegen ihrer Männerdominanz, sondern weil sie das Musizieren unerreichbar und - schlimmer - langweilig erscheinen lässt. Die unbeschwerte Herangehensweise verleiht der Musik der vier Frauen und ihres Drummers die gleiche Wirkung wie das Öffnen einer Flasche Prosecco – explosiv, berauschend und herrlich chaotisch. Schnell machte sich das Quintett live einen Namen (Glastonbury, Reading & Leeds, Green Man, End Of The Road, SXSW, Support für Bob Vylan & Soft Play) und das Pink Vinyl einer 2022er EP war im Nu vergriffen. In Zusammenarbeit mit Produzent Ali Chant (PJ Harvey, Perfume Genius, Yard Act) erweitern Panic Shack auf der selbstbetitelten Debüt-LP ihren mutigen Punksound in sattere Gefilde, voller Vocalharmonien, Synths, elektronischen Experimenten und sogar einer Trompete. Unwiderstehlich durch ihre Einfachheit und charmant durch ihre Vertrautheit, sind Panic Shack das Soundäquivalent eines Coming-of-Age-Films in einer einzigen Nacht. Es nimmt die Form eines Saufgelages an, das mit dem Annähern an eine Bar beginnt und mit einer leidenschaftlichen Rede bei Sonnenaufgang darüber endet, wie sehr man seine Freunde liebt. Abseits der üblichen Themen Sex und Romantik dreht sich das gesamte Album um die ionische Verbindung zwischen den vier Frauen.

Feeble Little Horse stellen ihr drittes Album vor - geschrieben, arrangiert, produziert und aufgenommen in ihren jeweiligen Homestudios in Pittsburgh, Pennsylvania. Als Erkundung des unnatürlichen Raums zwischen der menschlichen Natur und einer Kultur der Bequemlichkeit - eine Synthese aus Dreck & Digitalem - erschafft »bitknot« eine eigene Sprache, in der sich die Heiligkeit der gegenseitigen Abhängigkeit neu beleben lässt, fernab von konsumorientierter Selbstgenügsamkeit und Materialismus. Mäandernde Introspektion harmoniert auf spielerische Weise mit Hooks, Noise-Wänden und einer Fülle an Synths & Samples, aufgeladen wie eine Autobatterie, die in den Ozean des gitarrenlastigen Songwriting-Gerüsts eingetaucht werden. Mit einigen der bislang präzisesten, laserfokussierten Drum-Parts wird eine klangliche Chimäre erschaffen: ein Gebilde, das ebenso gut in den frühen 2000ern entstanden sein könnte wie in einer unbekannten, chromatischen Zukunft.

Auf seinem dritten Album »Why Would I Watch« präsentiert das US-Quartett Hot Mulligan die neueste Welle aus Pop-Punk und Post-Emo und zementiert damit seine Entwicklung als eine der vielseitigsten und zutiefst bewegenden Bands des Emo-Undergrounds. Neue Auflage 2023 auf purple-weißem Vinyl im Gatefold.

Fabienne Delsol ist 2026 mit ihrem fünften Soloalbum »Indigo Red« zurück! Seit der Veröffentlichung ihres ersten Soloalbums »No Time For Sorrows« im Jahr 2004 hat Fabienne ihren einzigartigen Mix aus Neo- und klassischem Psych, Ye-Ye und vom 60er-Jahre-Beat inspiriertem Pop immer weiter verfeinert. Fabiennes Aufnahme von »I'm Gonna Haunt You« (aus dem 2004er Album No Time For Sorrows) war in der zweiten Staffel der erfolgreichen BBC-Serie Killing Eve zu hören und machte ihre Musik einem breiteren Publikum zugänglich. Seit ihrem 2019er Album »Four« hat Fabienne an Tracks für ihr neues Album »Indigo Red« gearbeitet. Dies ist ihr erstes Album, das in den Gizzard Studios unter der Leitung von Ed Deegan (ehemals Toe Rag Studios) aufgenommen und von Delsol und Deegan gemeinsam produziert wurde. Mit dabei ist ein erstklassiges Team von Musikern, darunter Thomas Gardner, Carwyn Ellis, Bradley Burgess und Rupert Brown. Das Album vereint neue Originalsongs mit Coverversionen von Künstlern wie Silver Apples, The Count Five, Sharon Tandy und Francoise Hardy.

Der Erfinder der »Infinite Guitar«, der kanadische Musiker Michael Brook, schuf mit seinem 1992 bei 4AD erschienenen Album »Cobalt Blue« eine zeitlose und leise überwältigende Sammlung instrumentaler Stücke und schimmernder Klanglandschaften. Mit Beiträgen des Ambient-Pioniers Brian Eno, des Komponisten und Multiinstrumentalisten Roger Eno sowie des Grammy-prämierten Produzenten Daniel Lanois. »Live at the Aquarium«, später im selben Jahr aufgenommen, dokumentiert einen seltenen Soloauftritt Brooks in London und hebt das hypnotische Sustain und die atmosphärische Tiefe hervor, die sein Werk prägen. Über seine Alben hinaus komponierte Brook Filmmusiken für gefeierte Filme wie »Into the Wild«, »Brooklyn« und »An Inconvenient Truth«. Neu remastert von Rashad Becker und präsentiert als kristallklares Set mit Artwork von Alison Fielding auf Basis der originalen v23-Designs, markiert diese Veröffentlichung die erste Vinyl-Wiederauflage von Cobalt Blue sowie das Vinyl-Debüt von Live at the Aquarium - eine längst überfällige Würdigung eines unterschätzten Juwels im 4AD-Katalog.

Kassel Jaeger (alias François J. Bonnet) kehrt nach »Swamps / Things« (SP119), »Shifted in Dreams« (SP144) und der jüngsten Neuauflage des Klassikers »Zauberberg« (SP068) - einem gemeinsam mit Akira Rabelais und Stephan Mathieu komponierten Werk - zu Shelter Press zurück. Mit diesem bedeutenden neuen Album mit dem Titel »Sub Re« setzt Bonnet seine langjährige Erforschung der musikalischen Möglichkeiten von Klang fort. Dabei erweitert er den konkreten Ansatz, den er bei der Groupe de Recherches Musicales (dem historischen und bedeutenden Pariser Studio, das Bonnet seit 2018 leitet) entwickelt hat, und belebt ihn neu durch eine Herangehensweise, die sich weniger auf die klare Manifestation von Klangmaterial als vielmehr auf dessen mehrdeutige Evokation konzentriert. »Sub re« kann im Lateinischen »unter dem Ding, unter der Substanz, unter der Materie« bedeuten. Genau dieser direkte Zugang zur Musik, der sich auf die Gewinnung von rohem Klangmaterial stützt, bildet die Grundlage dieses Albums. »Under the matter« verweist somit auf den konkreten Aspekt der Musik, jedoch nicht auf das Konkrete, das verklärt wird und zu Dampf und Form wird, zum Substrat einer Idee. Vielmehr verweist es auf das Konkrete unter dem Konkreten, in der Immanenz der Klänge, in ihrem Werden, als treibende Kraft, wie eine Flut, wie ein Gewölbe aus gebieterischer und mächtiger Materie. Um dies zu erreichen, greift Bonnet auf eine Vielzahl von Klangquellen (akustisch, elektronisch, natürlich oder künstlich, absichtlich geschaffen oder zufällig gefunden) und eine Vielzahl von Kontexten und Anlässen zurück, um ihnen Gestalt zu verleihen. Der Satz »a shell, a bell, a spell« (etwa: eine Muschel, eine Glocke, ein Zauber) war beispielsweise erstmals während eines Konzerts in Venedig zu hören, das im Zusammenhang mit Latifa Echakhchs Beitrag zum Schweizer Pavillon auf der Kunstbiennale 2022 organisiert wurde, während der letzte Satz auf der Platte, »signalmirror», ein Stück abschloss, das 2023 auf der ersten Sound-Biennale in Sion (Schweiz) präsentiert wurde. Diese Elemente, geformt und losgelöst von ihrem ursprünglichen Kontext des Erscheinens, von den Orten und Menschen, die sie ermöglichten und ihnen lauschten, tragen zu einer komplexen Schichtung von Stimmungen und Klangwelten bei und helfen, ein kontrastreiches Album zu schaffen, in dem Dichte und Zartheit in einer Abfolge bewegter Wellen koexistieren, mal voller Erinnerungen, mal voller Bedauern, stets in Bewegung gesetzt durch ihre eigene Morphologie. Sub Re bezieht sich auch auf ein Kapitel in Victor Hugos »Die Arbeiter des Meeres«, eine Schlüsselstelle, in der sich die Hauptfigur angesichts einer kolossalen Aufgabe allein mitten auf dem Meer wiederfindet, unter einem gigantischen Schiffswrack, das in den Klauen eines isolierten Riffs gefangen ist, umgeben von Wasser, Strömungen und Winden, allein, um sich dem Unmöglichen zu stellen. Denn tatsächlich ist es unter der Oberfläche, wo Handlungen entstehen, Entscheidungen getroffen werden und die Intuition uns leitet.

1997 erschien „The Great Milenko“ von Insane Clown Posse nicht einfach nur – es schlug ein wie eine Bombe. Streit um Zensur, Gegenreaktionen der Branche. Trotz allem Platin. Nun reiht sich die „Joker’s Card“, die eine ganze Generation von Juggalos und Juggalettes geprägt hat, in die „Record Store Day Essentials“-Reihe ein – mit einer exklusiven, cremefarbenen, durchsichtigen Vinylpressung des mit Platin ausgezeichneten Klassikers. Diese Ausgabe von „The Great Milenko“ enthält zudem erstmals in einer Vinylveröffentlichung das vollständige Booklet und ist damit ein Muss für alle eingefleischten Sammler und neuen Fans des schrägen „Dark Carnival“. Enthält „Hokus Pokus“, „Halls of Illusions“ und „What Is A Juggalo?“  Oft missverstanden, aber unmöglich zu ignorieren: Insane Clown Posse baute eine der engagiertesten Fanbewegungen auf, zu einer Zeit, als nur wenige Künstler außerhalb der Orthodoxie der Major-Labels überleben konnten. The Great Milenko wurde zum Blitzableiter für kulturelle Debatten – und trug dabei dazu bei, neu zu definieren, wie unabhängiger Erfolg im Hip-Hop aussehen kann.

Black Screen Records und Kaizen Game Works haben sich zusammengetan, um zwei neue Vinyl-Editionen von Barry »Epoch« Toppings pulsierendem, funky City-Pop/Vaporwave-Soundtrack zum Open-World-Abenteuerspiel Paradise Killer herauszubringen. Toppings unglaublicher Soundtrack wird auf brandneuen Picture Discs sowie auf roséfarbenem und kristallklarem mit weiß marmoriertem Vinyl erhältlich sein. Die LPs sind in einer Klapphülle mit wunderschönem 80er Jahre Anime- & City Pop-inspiriertem Artwork von Mizucat untergebracht - zusätzliche Kunst und Layout von Kaizen Game Works, Barry Topping und Dane Baudoin. Das Artwork der Picture Disc stammt von C. Bedford, ebenso wie das des beiliegenden gefalteten A2-Posters von Crimson Acid. Die Klänge des Paradieses. Die Musik eines kosmischen Traums. Melodien aus einer anderen Realität. Das Tempo des Verbrechens, das alle Verbrechen beendet. Der Beat längst verstorbener außerirdischer Götter. Die Playlist des Ermittlungsfreaks. Lass dich von der Musik ins Paradies entführen. Spüre, wie die Sonne deine Haut versengt. Riechen Sie den unerträglich heißen Beton. Genieße den süßen Geschmack von Verbrechen, die auf einer tropischen Insel in einer anderen Realität begangen wurden. Weißt du noch, wie wir am Strand getanzt haben? Auf den Straßen des Paradieses? Du hast mir dieses Mixtape auf dem Dach deines Wohnblocks gemacht. Wir starrten den Mond an. Du sagtest, du würdest den Mond töten. Ich habe dir nicht geglaubt. Ich habe mich getäuscht.

Black Screen Records und Kaizen Game Works haben sich zusammengetan, um zwei neue Vinyl-Editionen von Barry »Epoch« Toppings pulsierendem, funky City-Pop/Vaporwave-Soundtrack zum Open-World-Abenteuerspiel Paradise Killer herauszubringen. Toppings unglaublicher Soundtrack wird auf brandneuen Picture Discs sowie auf roséfarbenem und kristallklarem mit weiß marmoriertem Vinyl erhältlich sein. Die LPs sind in einer Klapphülle mit wunderschönem 80er Jahre Anime- & City Pop-inspiriertem Artwork von Mizucat untergebracht - zusätzliche Kunst und Layout von Kaizen Game Works, Barry Topping und Dane Baudoin. Das Artwork der Picture Disc stammt von C. Bedford, ebenso wie das des beiliegenden gefalteten A2-Posters von Crimson Acid. Die Klänge des Paradieses. Die Musik eines kosmischen Traums. Melodien aus einer anderen Realität. Das Tempo des Verbrechens, das alle Verbrechen beendet. Der Beat längst verstorbener außerirdischer Götter. Die Playlist des Ermittlungsfreaks. Lass dich von der Musik ins Paradies entführen. Spüre, wie die Sonne deine Haut versengt. Riechen Sie den unerträglich heißen Beton. Genieße den süßen Geschmack von Verbrechen, die auf einer tropischen Insel in einer anderen Realität begangen wurden. Weißt du noch, wie wir am Strand getanzt haben? Auf den Straßen des Paradieses? Du hast mir dieses Mixtape auf dem Dach deines Wohnblocks gemacht. Wir starrten den Mond an. Du sagtest, du würdest den Mond töten. Ich habe dir nicht geglaubt. Ich habe mich getäuscht.

Black Screen Records und Kaizen Game Works haben sich erneut zusammengetan, um die Vinyl-Neuauflage von »About That_ Paradise Killer B-Sides« zu veröffentlichen, der Nachfolgeveröffentlichung von Barry »Epoch« Toppings pulsierendem funky City-Pop / Vaporwave-Soundtrack zum Open-World-Abenteuerspiel Paradise Killer, der sich als wahres Essential erwiesen hat. Das Album enthält drei neue Songs, Gesangstracks, Instrumentalversionen, Remixe und Klavierarrangements sowie eine Reihe von fantastischen Gästen, darunter Fiona Lynch, Kyle Murray-Dickson, Fabian Hernandez, Ged Cartwright, Thomas Temple, MEEBEE und Okumura. Jetzt erhältlich auf zitronengelbem Vinyl mit wunderschönem Cover von José Salot. Die Klänge des Paradieses. Die Musik eines kosmischen Traums. Melodien aus einer anderen Realität. Das Tempo des Verbrechens, das alle Verbrechen beendet. Der Beat längst verstorbener außerirdischer Götter. Die Playlist des Ermittlungsfreaks. Lass dich von der Musik ins Paradies entführen. Spüre, wie die Sonne deine Haut versengt. Rieche den unerträglich heißen Beton. Genieße den süßen Geschmack von Verbrechen, die auf einer tropischen Insel in einer anderen Realität begangen wurden. Weißt du noch, wie wir am Strand getanzt haben? Auf den Straßen des Paradieses? Du hast mir dieses Mixtape auf dem Dach deines Wohnblocks gemacht. Wir starrten den Mond an. Du sagtest, du würdest den Mond töten. Ich habe dir nicht geglaubt. Ich habe mich getäuscht.

Die britische Band Makeshift Art Bar präsentiert auf Heist Or Hit ihre zweite EP "Marionette", die von Daniel Fox (Sprints, Melts, Psychotic Monks, Naked Lungs, Nerves, Ronan Group) produziert wurde und verspricht, ein wegweisendes Pflichtwerk für künftige Musiker zu werden, die nach Innovation streben. Inspiriert vom Liminal-Space-Horror und dem unheimlichen Grauen von "Silent Hill", dem existentialistischen Theater der "Twilight Zone" oder der Absurdität von "Twin Peaks", bewegen sich Makeshift Art Bar in einem Spannungsfeld zwischen Unbehagen und Impuls, wenn Gitarren mit metallischer Härte, knackige, elektronische Elemente und aggressive Drums zusammentreffen, als wäre Steve Albini persönlich der Dämon, der einen während einer Schlafparalyse heimsucht. Kühn. Eigenwillig. Essenziell. Eine junge Band, die Identität, Trotz und eine kompromisslose Vision mit sich trägt – als wäre dies keine seltene Fracht.

Limitierte, nur im Indiehandel erhältliche, neue Farbauflage des selbstbetitelten Albums der siebenköpfigen Indieband aus Michigan, mit dem sie im Herbst 2025 Geese auf deren Nordamerika-Tour begleiteten. Racing Mount Pleasant hießen früher Kingfisher und veröffentlichten 2023 die LP "Grip Your Fist, I'm Heaven Bound" auf Breakfast All Day Records. Nach der Umbennenung folgte im Herbst 2025 eben dieses Werk, benannt nach ihrem neuen Bandnamen. Emotionaler, transzendenter und üppiger Indie-Rock mit Elementen aus Art- und Post-Rock, der Props von Szenemagazinen wie Stereogum, Alt Press und Brooklyn Vegas bekam.

»Frozen Charlotte« - das siebte Studioalbum von Jack White zeigt den Rock and Roll Hall of Famer in Bestform; unterstützt von einer unglaublichen Band (Patrick Keeler am Schlagzeug, Dominic Davis am Bass, Bobby Emmett am Keyboard), die nach einer Tournee mit allseits gefeierten Auftritten gerade erst richtig in Fahrt gekommen ist. Anstatt sich auf ihren Lorbeeren auszuruhen, machten sie sich direkt im Studio an die Arbeit und nahmen das auf, was schließlich zu »Frozen Charlotte« wurde. Aufgenommen in Whites Third Man Studio in Nashville, zeigt dieses Album, dass Jack die raue, rohe und frenetische Energie aus seinem gefeierten 2024er-Album »No Name« beibehält. Mit 13 Tracks von unterschiedlichem Gefühl und Klang ist »Frozen Charlotte« ein intensiver Rock-'n'-Roll-Kraftakt, bei dem die Blues-Wurzeln nie weit entfernt sind - perfekt für langjährige Fans und gleichzeitig eine weit offene Tür für Neulinge.

Die Musik von Panda Bear und Sonic Boom war schon immer ein Spielplatz: ein Ort, an dem Klangexperimente, Loops und unerwartete Ideen aufeinandertreffen. Während Sonic Boom einst mit Spacemen 3 die Balance zwischen Drone und Pop neu dachte und später mit modularen Synths experimentierte, erschafft Panda Bear, solo oder mit Animal Collective, schillernde Klangwelten zwischen Noise, Folk und Elektronik. Ihr gemeinsames Debüt Reset (2022) wirkte wie ein kreativer Befreiungsschlag im Pandemie-Nebel. Mit »A ? of When« setzen sie diese Spielfreude fort, gehen aber noch weiter. Harfen-Loops, Steel Drums, Pedal Steel, sogar Jodeln: Das Duo greift bewusst auf vermeintlich »uncooles« Material zurück und macht daraus etwas Eigenes. Songs wie »Something Like Dreaming« oder »Like a Moth to a Flame« verbinden verspielte Psychedelik mit eingängigen Melodien, als würde man von Station zu Station durch einen musikalischen Abenteuerspielplatz springen. Gleichzeitig wird der Ton ernster. Die zehn Stücke verhandeln digitale Erschöpfung, politische Verwerfungen und ökologische Fragen, ohne dabei die Leichtigkeit zu verlieren. Inspiriert von einer Welt aus »AI slop«, algorithmischem Dauerrauschen und permanenter Vernetzung, suchen Panda Bear und Sonic Boom bewusst nach anderen Formen der Verbindung: weniger Scrollen, mehr echtes Erleben, mehr Radio, Live-Shows, Listening-Partys und reale Begegnungen. Statt Zynismus setzen sie auf Empathie, Glück und gegenseitige Unterstützung. Im Kern bleibt das Album jedoch ein Akt der Aneignung: Klänge aus unterschiedlichen Kontexten werden neu zusammengesetzt, getragen von ungewöhnlicher Percussion wie Harfe und Steel Drums. So entsteht Musik, die zugleich verspielt und reflektiert ist. »A ? of When« blickt auf eine widersprüchliche Welt und verwandelt sie in etwas Verbindendes. Kein großes Heilsversprechen, sondern die Einladung, gemeinsam offline darin aufzugehen. Konsequenterweise wird das Album nicht auf Streaming-Plattformen verfügbar sein: Panda Bear und Sonic Boom setzen stattdessen auf reale Begegnungen, Listening Sessions und direkten Austausch jenseits algorithmischer Dauerbeschallung.

  hackedepicciotto kehren mit »Lichtung« zurück - einem elektronisch vielschichtigen und strukturell abenteuerlichen Album, das die deutsche Sprache würdigt.

2016 veröffentlichten Xiu Xiu – mit dem Segen von David Lynch & Angelo Badalamenti – das Album & Konzertprojekt »Plays The Music Of Twin Peaks«, mit dem sie auch auf Tour gingen. Nach dem viel zu frühen Tod von David Lynch erhielten sie viele Anfragen, die Interpretation dieser ikonischen Musik wiederaufleben zu lassen. Doch Xiu Xiu gehen stattdessen noch tiefer. »Eraserhead Xiu Xiu« ist ein neues Live-Konzert samt Film & Album. Mittels Field Recordings, eigens für das Konzert angefertigter Instrumente, Orgel, Modular-Synths, Gesang, Taschenlampen, elektrischen Störgeräuschen und Musique concrète drücken Xiu Xiu die bizarre Emotionalität, die widerstreitende Sexualität, die unerbittliche Düsternis und die trostlose Mondlandschaft dieses wohl unglaublichsten aller Mitternachts-Meisterwerke aus.

  Erste Neuauflage der britischen Compilation-Rarität »In Reggae Time«. Ursprünglich 1970 veröffentlicht, versammelt sie eine Reihe sehr seltener Titel, die um 1967 herum exklusiv auf 7»-Vinyl-Singles von Ember Records und dessen Sublabels herausgebracht wurden. Der Sound ist nicht bloß Reggae (er ist es nur am Rande), sondern bietet eine lebendige Mischung aus britischem Mod der 1960er-Jahre, R&B, Ska & Northern Soul. Limitierte Picture-Disc-Auflage.

Foreign Tongues, das neue Studioalbum der Rolling Stones, umfasst 14 Songs und folgt weniger als drei Jahre nach dem vielfach ausgezeichneten Vorgänger Hackney Diamonds, der weltweit Spitzenpositionen in den Charts erreichte und mehrfach mit Platin ausgezeichnet wurde. Eingeleitet wird das Album von der beschwingten und eingängigen Lead-Single „In The Stars“. Foreign Tongues entstand innerhalb eines Monats in den Metropolis Studios in West-London, wo Mick Jagger, Keith Richards und Ronnie Wood erneut mit dem Grammy-prämierten Produzenten Andrew Watt zusammenarbeiteten. Das Ergebnis ist ein dynamisches, zeitgemäßes Album, das den charakteristischen Sound der Band aufgreift und zugleich neue klangliche und inhaltliche Akzente setzt. Neben den zentralen Beiträgen von Jagger, Richards und Wood sind auch langjährige musikalische Wegbegleiter wie Darryl Jones, Matt Clifford und Steve Jordan auf dem Album vertreten. Darüber hinaus enthält das Album einen besonderen Beitrag von Charlie Watts, der während einer seiner letzten Aufnahmesessions vor seinem Tod im Jahr 2021 entstand. Ergänzt wird das Projekt durch Gastauftritte unter anderem von Steve Winwood, Paul McCartney, Robert Smith und Chad Smith.  

Ltd. Edition »Rabbit Hole« Vinyl. »A Tale« ist das fünfte Album des finnischen Kollektivs Onségen Ensemble. Das im Norden beheimatete und von seiner Umgebung geprägte Onségen Ensemble hat sich durch ständige Veränderung eine unverwechselbare Identität geschaffen. Anstelle einer festen Besetzung funktioniert die Band wie ein lebendiges Ensemble: ein stabiler Kern, umgeben von sich ständig verändernden Mitwirkenden. Mit jedem Album kommen neue Stimmen, Instrumente und Perspektiven hinzu, so dass sich die Musik frei entfalten kann und offen für Unerwartetes bleibt. Mit »A Tale« wird der Ausdruck der Band noch ätherischer und tiefgründiger als zuvor. Das Onségen Ensemble arbeitet mit einer progressiven Denkweise, vermeidet aber bewusst traditionelle Genregrenzen und schafft Musik, die sich vorwärts bewegt, indem sie Einflüsse intuitiv aufnimmt, frei von stilistischem Dogma. Wie bei ihren früheren Alben haben sie immer wieder neue Elemente eingeführt - sowohl Instrumente als auch Musiker - und dieses Album bildet da keine Ausnahme. »Das zentrale Thema des Albums ist Frieden. In vielerlei Hinsicht fühlt es sich wie der einzige Wert an, der in der heutigen Welt noch wirklich Bedeutung hat. Frieden ist vielfältig, was wir nicht zu sein wagen.«

Jagex und Laced Records laden Sie ein, mit diesem Sammler-Vinylset 25 Jahre RuneScape-Musik zu feiern. Dieses Boxset erinnert an ein Vierteljahrhundert Scaping und fängt die Atmosphäre, die Emotionen und den unverwechselbaren Charakter von RuneScape und Old School RuneScape ein. Die sorgfältig zusammengestellte Trackliste wirkt archivarisch und zeitlos und bietet eine akustische Reise durch Gielinor, die die vielen Abenteuer widerspiegelt, die Millionen von Spielern erlebt haben. Das war keine leichte Aufgabe, da RuneScape den Guinness-Weltrekord für die meisten Originalmusikstücke in einem Videospiel hält. Auf fünf LPs zeichnet die Sammlung die musikalische Entwicklung von RuneScape nach, von den ersten, unvergesslichen MIDI-basierten Themen bis hin zu den instrumentell reichhaltigeren, umfangreicheren Kompositionen der späteren Jahre. Von den ikonischen ersten Takten des RuneScape-Themas bis zum unverkennbaren Jubel von Sea Shanty 2 haben diese Titel die ersten Anmeldungen, frühen Quests, Reisen von Port Sarim nach Karamja und Siege über einige der härtesten Bosse des Spiels begleitet. Die Sammlung endet mit Musik, die über die verschiedenen Versionen des Spiels hinausgeht, die Verbindung zwischen den Epochen von RuneScape hervorhebt und eine kohärente, langjährige musikalische Identität verstärkt. Das Artwork des Sets basiert auf der ikonischen Bildsprache von RuneScape, einschließlich detaillierter kartografischer Elemente von Gielinor und Innenhüllen, die ikonische Bosse mit Original-Artwork des Community-Künstlers Enkoro feiern.

Doppel-LP gepresst auf Pearl Dawn Vinyl. Akupara Games, Videocult und Black Screen Records sind mehr als begeistert, den Soundtrack zu Rain World zu veröffentlichen: The Watcher, einem DLC des überaus erfolgreichen Spielehits Rain World, zu veröffentlichen. Die Musik wurde von den langjährigen Wegbegleitern des Spiels James Primate und Lydia Esrig komponiert, aber es sind auch Werke von Serpanoy, Pinpoint, snoodle, Intikus und Kaeporo enthalten. Diese Sammlung äußerst talentierter Künstler macht die Musik zu einer eklektischen Reise, die gleichzeitig einem kohärenten Konzept folgt, das die Atmosphäre des Spiels widerspiegelt. Die Wildnis, die uns erwartet, wird anders sein als alles, was bisher war. Die Doppel-LP auf atemberaubendem Pearl Dawn-Vinyl, die insgesamt 54 Tracks enthält, präsentiert ein exklusives Gatefold-Artwork von Kelocitta mit UV-Spot-Lackierung. Dieses Set ist nicht nur eine wahre Schönheit, sondern passt auch perfekt zu den Vinyl-Veröffentlichungen von Rain World und Rain World: Downpour - verpassen Sie es nicht, Ihre Sammlung zu vervollständigen! Rain World: »The Watcher« ist eine DLC-Erweiterung von Rain World. Begib dich auf eine Reise zu einem Ort, den du bisher nur flüchtig gesehen hast. Unbekannte Kreaturen pirschen und klettern, tauchen und jagen. Neue Rassen reißen und rupfen, graben und verstecken sich. Räuber und Beute neu definiert. Und mittendrin eine einsame, verlorene Schneckenkatze, die ihr Bestes gibt, um die Verwüstungen einer verzerrten Welt zu überleben. Wenn die Welt unter deinen Füßen Risse bekommt und zerbröckelt, wirst du dann an allem festhalten, was du einst kanntest? Oder in das Unbekannte eintauchen?

Als die Zeichentrickserie Heidi 1978 in Deutschland ausgestrahlt wird, erobert sie die Herzen von Millionen. Basierend auf dem Roman von Johanna Spyri, erzählt sie die Geschichte des Waisenmädchens Heidi, das in den Schweizer Alpen bei seinem Großvater aufwächst und später in Frankfurt eine neue Welt entdeckt. Die Serie gilt bis heute als Meilenstein des Kinderfernsehens - mit liebevoll gezeichneten Landschaften, tiefgründigen Charakteren und einer zeitlosen Botschaft von Verbundenheit, Freundschaft und Zugehörigkeit. Doch was wäre Heidi ohne ihre Musik? Der Soundtrack ist das emotionale Fundament der Serie. Das legendäre Titellied von Christian Bruhn, gesungen von Gitti & Erika, wird zum Ohrwurm einer ganzen Generation. Und die natürlich handgemachten Score-Musiken von Gert Wilden machen mit lebhaften Polka-Rhythmen, sanften Flöten und majestätischen Bläsern die Magie der Alpen lebendig.

Mit diesem außergewöhnlichen Doppel-Vinyl lässt sich die Musik aus den ikonischsten Filmen von Clint Eastwood neu entdecken. Als Schauspieler, Regisseur und Produzent zählt Eastwood zu den prägenden Figuren der internationalen Filmgeschichte - und hat über Jahrzehnte hinweg ein ebenso markantes musikalisches Universum geschaffen. Diese sorgfältig kuratierte Sammlung vereint Originalaufnahmen aus seinen Filmen und spiegelt die enorme stilistische Bandbreite wider: von Jazz-Legenden wie CharlieParker und Duke Ellington über Soul- und Pop-Klassiker bis hin zu Orchesterwerken und traditionellen Stücken. Die Auswahl zeigt eindrucksvoll, wie entscheidend Musik für die Atmosphäre von Eastwoods Filmen ist - mal subtil, mal prägend, immer charakteristisch. Gepresst als hochwertige Doppel-LP auf farbigem Vinyl, ist diese Edition zugleich Sammlerstück und klangstarke Hommage an eine einzigartige Film- und Musiktradition.

»Godzilla's / Eatin' Dust« ist die beliebteste Veröffentlichung in der 30-jährigen Diskografie von Fu Manchu. Es handelt sich um eine Zusammenstellung der ursprünglich zwei separaten 10-Zoll-Veröffentlichungen: »Godzilla« (1997) und »Eatin' Dust« (1999). Im Jahr 2018 fand Scott Hill (Gesang / Gitarre) die Originalbänder der von Josh Homme (Queens Of The Stone Age / Kyuss) produzierten »Godzilla«-Aufnahmesessions und deckte ein Geheimnis auf, das seit 1996 in seiner Garage schlummerte...Die Band hatte vier Songs aufgenommen, die nie veröffentlicht worden waren. Bei diesen zusätzlichen Songs handelt es sich um frühe Versionen von »Grendel, Snowman«, »Strolling Astronomer« und »Urethane« (deren endgültige Versionen 1997 auf »The Action Is Go« erschienen) sowie ein Cover von Thin Lizzys »Jailbreak« (das sich von der 1998 auf 7" veröffentlichten Version unterscheidet). Die Songs fügen sich nahtlos in die ursprüngliche Trackliste ein, zu der auch das publikumswirksame Cover von Blue Oyster Cults »Godzilla« sowie die Fan-Favoriten »Eatin' Dust« und »Mongoose« (der in einem Super-Bowl-Werbespot für Toyota zu hören war und in der Fernsehserie »Sons of Anarchy« sowie in den Filmen »Boondock Saints II« und »The Hot Chick« verwendet wurde). Im Jahr 2019 veröffentlichte die Band eine auf 2.000 Exemplare limitierte Auflage dieser neuen Version in einer Dreifach-10"-Verpackung. Aufgrund der anhaltenden Nachfrage, nachdem diese Version ausverkauft war, brachte die Band 2020 eine neue limitierte Auflage von 1.500 Exemplaren in einem neongrünen und weiß gespritzten Doppel-12-Zoll-Gatefold-Paket mit beidseitigem Einleger heraus, das die bisher unveröffentlichten Titel bei 45 U/min für den bestmöglichen Klang enthält. Fünf Jahre später erscheint nun endlich eine Neuauflage dieser 45-RPM-Doppel-12"-Version auf weißem Vinyl mit braunen Sprenkeln in einer limitierten Auflage von 2.000 Exemplaren. Im Jahr 2026 erscheint diese äußerst limitierte (weltweit nur 500 Exemplare) »Glow-in-the-Dark«-2-x-45-RPM-12"-Vinyl!

Erstmals auf Vinyl erhältlich - das dritte Album der deutschen Metalcore Band, ursprünglich im Jahr 2010 veröffentlicht.

Erstmals auf Vinyl erhältlich - das zweite Album der deutschen Metalcore Band.