Das 2-LP-Set »Danger Days: The True Lives of the Fabulous Killjoys« von My Chemical Romance in der Deluxe Edition enthält das remasterte Album sowie neun unveröffentlichte und seltene Bonustracks, darunter die EP »Mad Gear & Missile Kid«, »Zero Percent« und die Coverversion des Songs »Common People« durch die Band.

Mit diesem letzten Album schließt die Metal-/Hard Rock-Ikone Mat Sinner (Bass, Gesang) ein ereignisreiches Kapitel ab, das sich über mehr als 40 Jahre und 19 Alben erstreckt. "Boom Bang Goodbye" versammelt eine Riege hochkarätiger Musiker, darunter Ronnie Romero (RAINBOW), Michael Sadler (SAGA), Björn "Speed" Strid (SOILWORK), Jim Müller (KISSIN' DYNAMITE) und Erik Mårtensson (ECLIPSE) - um nur einige zu nennen - die ein brillantes letztes Feuerwerk aus 11 Songs entzünden!

»Seventh Star« wurde 1986 veröffentlicht und war die erste von drei Kollaborationen zwischen Tony Iommi und dem ehemaligen Deep Purple- und Trapeze-Sänger Glenn Hughes. Es enthielt die Single »No Stranger To Love«. »Seventh Star« ist das zwölfte Studioalbum der Heavy-Metal-Ikonen Black Sabbath. Das ursprünglich am 28. Januar 1986 in den Vereinigten Staaten und am 21. Februar 1986 im Vereinigten Königreich veröffentlichte »Seventh Star« präsentiert Gründungs-Gitarrist Tony Iommi gemeinsam mit einer Besetzung, die aus Geoff Nicholls, Eric Singer, Dave Spitz und Glenn Hughes (ex-Deep Purple) als Leadsänger besteht. Diese Neuauflage enthält ein brandneues Remaster aus dem Jahr 2026 sowie nun auch die Single-Remix-Version von »No Stranger To Love«.

In Ensenada, Mexiko, wo der Horizont des Pazifiks eine klare, unveränderliche Linie zieht, nahmen HOLY WAVE ihr neues Album »i'm DADA« auf - ein Werk, das für die Band weitläufig und neu fokussiert wirkt. Der Schritt außerhalb ihrer Heimat USA war weniger ein Rückzug als vielmehr ein Perspektivwechsel, der Abstand schuf, um einen neuen Sound zu erkennen, der sich langsam unter ihnen herausgebildet hatte. »i'm DADA« offenbarte schnell seinen Charakter: treibender, offener Underground-Lofi-Rock und ihr bisher strukturell durchdachtestes Werk. Durch die Zusammenarbeit mit dem experimentellen Duo Lorelle Meets the Obsolete in deren Studio floss das Gemeinschaftsgefühl in das Album ein, obwohl dessen emotionaler Kern bereits in den monatelangen Vorbereitungen entstanden war. Die Hälfte von HOLY WAVE ist mexikanischer Herkunft und hat ihre Wurzeln in der Grenzregion um El Paso, sodass sich die Aufnahmen in Ensenada intuitiv und entspannt anfühlten. Die Songs spiegelten Gespräche über Vaterschaft und Partnerschaft, Trennungen und Entfremdung, die beunruhigende Beschleunigung der KI und darüber wider, was es bedeutet, präsent und prinzipientreu zu bleiben, während die Welt unvorhersehbar voranschreitet. Diese Spannung wird nicht explizit hervorgehoben, sondern geht in der Musik auf. Die Band dehnt ihr bekanntes Gespür für eine schwindelerregende Atmosphäre zu etwas Schlankerem und Direkterem aus. Es sind mehr Loops und Samples eingewoben als zuvor, Grooves, die konstruiert, zyklisch und hypnotisch wirken. Manche Tracks driften in Richtung der elastischen Weite des Dub; andere pulsieren mit filmischer Downtempo-Schwere. Das gesamte Album ist von einem frischen Schwung geprägt, von Rhythmen, die vorantreiben, von traumgetränkten Texturen, Fuzz-Gitarren und sanft schwebenden Vocals. »dewey's dirge« entfaltet sich geduldig: Verschwommene Gitarrenklänge erblühen, während darunter ein gmotorischer Puls stetig voranschreitet. Der Gesang bleibt im Hintergrund, breitet sich eher aus, als dass er explodiert. Es wirkt weitläufig und nachdenklich, eine Hymne des Abklingens, die Drama gegen Eintauchen eintauscht. »i'm DADA« hingegen findet seinen Rhythmus in einem schlanken, kreisenden Groove. Eine straffe Drum-Figur, eine Basslinie und eine abgehackte Gitarrenphrase wiederholen sich, bis sie lebendig wirken. Textlich kreist der Song um die komplizierte Hingabe ein Eltern-Teil zu sein. »s33.u.in/HAL« klingt wie eine Übertragung, die mitten in der Luft abgefangen wurde, leicht mechanisch, immersiv, ohne sich jemals vollständig aufzulösen, und fängt das zentrale Gefühl des Albums ein: den Versuch, trotz Störgeräuschen klar zu kommunizieren. Während frühere Alben von HOLY WAVE oft durch ein Gefühl des Dahintreibens geprägt waren, wirkt diese Platte nun neu geerdet. Das Album verzichtet nicht auf das Eintauchen in die Musik, sondern zügelt es. Die Grooves setzen sich fest, Wiederholungen gewinnen an Gewicht, und die Musik bleibt trotz ihrer schwereren Themen gefasst und unerschütterlich. Was dabei entsteht, ist keine Neuerfindung, sondern eine Schärfung: Holy Wave klingen weniger wie eine Band, die durch die Atmosphäre treibt, sondern eher wie eine, die diese inmitten des Chaos bewusst gestaltet.

Es gibt ein altes Klischee über den letzten Tag der Sommerferien: dass er den Zugang zu endloser, müheloser Freude symbolisiere. Aber so ist es in Wirklichkeit gar nicht. Frag einfach Payson Power, den Gitarristen und kreativen Kopf hinter der Torontoner Band Daydream Plus. »Als ich aufwuchs und einen Film sah, der am letzten Tag des Sommers spielt, dachte ich immer: ›Du bist schon beim deprimierenden Teil angelangt!‹ Der schöne Teil ist der vorletzte Tag des Sommers, denn das ist der letzte Tag, an dem man noch ohne Konsequenzen leben kann.« Dieser Moment, in dem man noch Filme schauen und Videospiele spielen kann, bis die Sonne aufgeht, inspirierte Power dazu, das erste Album von Daydream Plus mit dem Titel »Second Last Day of Summer« zu schreiben. Was diesen Tag so schön macht, ist, dass man unbewusst weiß, dass alles bald zu Ende sein wird. Nachdem er sein Leben lang Heavy Metal gespielt hatte, gründete Power 2020 Daydream Plus, um melodische, eingängige Kompositionen zu erkunden und Einflüssen nachzugehen, zu denen er zuvor nur in kurzen Momenten Zugang gehabt hatte. Nach zwei EPs, auf denen sich das Trio aus Toronto in der schmalen Schnittmenge zwischen komplexem Math-Rock und urbanem City-Pop bewegte, erweiterte Power langsam seinen Horizont. Mit Elementen aus Videospiel-Soundtracks, energiegeladenen Anime-Melodien und Akkorden, die direkt aus dem Songbuch von Steely Dan stammen, erschafft Daydream Plus auf »Second Last Day of Summer« eine detailreichere Welt. Unterstützt von Powers Bandkollegen von Tomb Mold, dem Schlagzeuger Max Klebanoff und dem Bassisten Kevin Sia, arbeitet das Trio daran, den Geist von Don Caballero aufzunehmen und ihn mit einem Hauch von Smooth Jazz zu überziehen.

Aufgenommen während ihrer gefeierten »Works«-Tournee im Jahr 1977, fängt dieses Live-Album von Emerson, Lake & Palmer die Band auf dem Höhepunkt ihrer Kreativität ein, während sie Songs aus ihrem legendären Repertoire darbietet. Ein besonderes Highlight des Albums sind die Aufnahmen ihres legendären Konzerts vom 26. August 1977 im Olympiastadion von Montreal, bei dem die Band vor einem ausverkauften Publikum von 78.000 Zuschauern und gemeinsam mit einem 64-köpfigen Orchester auftrat. Nun erstmals seit fast 30 Jahren wieder als eigenständige Veröffentlichung erhältlich, präsentiert »Works Live« eine Band, die die Grenzen ihres Genres und der Live-Performance auf ein neues Niveau hob und damit eine ganze Generation von Künstlern auf Jahre hinaus prägte.

Panic Shack gründeten sich 2018 als Mittelfinger an die "Members-Only-Club"-Atmosphäre der Indie/Punk-Szene, nicht nur wegen ihrer Männerdominanz, sondern weil sie das Musizieren unerreichbar und - schlimmer - langweilig erscheinen lässt. Die unbeschwerte Herangehensweise verleiht der Musik der vier Frauen und ihres Drummers die gleiche Wirkung wie das Öffnen einer Flasche Prosecco – explosiv, berauschend und herrlich chaotisch. Schnell machte sich das Quintett live einen Namen (Glastonbury, Reading & Leeds, Green Man, End Of The Road, SXSW, Support für Bob Vylan & Soft Play) und das Pink Vinyl einer 2022er EP war im Nu vergriffen. In Zusammenarbeit mit Produzent Ali Chant (PJ Harvey, Perfume Genius, Yard Act) erweitern Panic Shack auf der selbstbetitelten Debüt-LP ihren mutigen Punksound in sattere Gefilde, voller Vocalharmonien, Synths, elektronischen Experimenten und sogar einer Trompete. Unwiderstehlich durch ihre Einfachheit und charmant durch ihre Vertrautheit, sind Panic Shack das Soundäquivalent eines Coming-of-Age-Films in einer einzigen Nacht. Es nimmt die Form eines Saufgelages an, das mit dem Annähern an eine Bar beginnt und mit einer leidenschaftlichen Rede bei Sonnenaufgang darüber endet, wie sehr man seine Freunde liebt. Abseits der üblichen Themen Sex und Romantik dreht sich das gesamte Album um die ionische Verbindung zwischen den vier Frauen.

Feeble Little Horse stellen ihr drittes Album vor - geschrieben, arrangiert, produziert und aufgenommen in ihren jeweiligen Homestudios in Pittsburgh, Pennsylvania. Als Erkundung des unnatürlichen Raums zwischen der menschlichen Natur und einer Kultur der Bequemlichkeit - eine Synthese aus Dreck & Digitalem - erschafft »bitknot« eine eigene Sprache, in der sich die Heiligkeit der gegenseitigen Abhängigkeit neu beleben lässt, fernab von konsumorientierter Selbstgenügsamkeit und Materialismus. Mäandernde Introspektion harmoniert auf spielerische Weise mit Hooks, Noise-Wänden und einer Fülle an Synths & Samples, aufgeladen wie eine Autobatterie, die in den Ozean des gitarrenlastigen Songwriting-Gerüsts eingetaucht werden. Mit einigen der bislang präzisesten, laserfokussierten Drum-Parts wird eine klangliche Chimäre erschaffen: ein Gebilde, das ebenso gut in den frühen 2000ern entstanden sein könnte wie in einer unbekannten, chromatischen Zukunft.

Auf seinem dritten Album »Why Would I Watch« präsentiert das US-Quartett Hot Mulligan die neueste Welle aus Pop-Punk und Post-Emo und zementiert damit seine Entwicklung als eine der vielseitigsten und zutiefst bewegenden Bands des Emo-Undergrounds. Neue Auflage 2023 auf purple-weißem Vinyl im Gatefold.

Fabienne Delsol ist 2026 mit ihrem fünften Soloalbum »Indigo Red« zurück! Seit der Veröffentlichung ihres ersten Soloalbums »No Time For Sorrows« im Jahr 2004 hat Fabienne ihren einzigartigen Mix aus Neo- und klassischem Psych, Ye-Ye und vom 60er-Jahre-Beat inspiriertem Pop immer weiter verfeinert. Fabiennes Aufnahme von »I'm Gonna Haunt You« (aus dem 2004er Album No Time For Sorrows) war in der zweiten Staffel der erfolgreichen BBC-Serie Killing Eve zu hören und machte ihre Musik einem breiteren Publikum zugänglich. Seit ihrem 2019er Album »Four« hat Fabienne an Tracks für ihr neues Album »Indigo Red« gearbeitet. Dies ist ihr erstes Album, das in den Gizzard Studios unter der Leitung von Ed Deegan (ehemals Toe Rag Studios) aufgenommen und von Delsol und Deegan gemeinsam produziert wurde. Mit dabei ist ein erstklassiges Team von Musikern, darunter Thomas Gardner, Carwyn Ellis, Bradley Burgess und Rupert Brown. Das Album vereint neue Originalsongs mit Coverversionen von Künstlern wie Silver Apples, The Count Five, Sharon Tandy und Francoise Hardy.

Der Erfinder der »Infinite Guitar«, der kanadische Musiker Michael Brook, schuf mit seinem 1992 bei 4AD erschienenen Album »Cobalt Blue« eine zeitlose und leise überwältigende Sammlung instrumentaler Stücke und schimmernder Klanglandschaften. Mit Beiträgen des Ambient-Pioniers Brian Eno, des Komponisten und Multiinstrumentalisten Roger Eno sowie des Grammy-prämierten Produzenten Daniel Lanois. »Live at the Aquarium«, später im selben Jahr aufgenommen, dokumentiert einen seltenen Soloauftritt Brooks in London und hebt das hypnotische Sustain und die atmosphärische Tiefe hervor, die sein Werk prägen. Über seine Alben hinaus komponierte Brook Filmmusiken für gefeierte Filme wie »Into the Wild«, »Brooklyn« und »An Inconvenient Truth«. Neu remastert von Rashad Becker und präsentiert als kristallklares Set mit Artwork von Alison Fielding auf Basis der originalen v23-Designs, markiert diese Veröffentlichung die erste Vinyl-Wiederauflage von Cobalt Blue sowie das Vinyl-Debüt von Live at the Aquarium - eine längst überfällige Würdigung eines unterschätzten Juwels im 4AD-Katalog.

Kassel Jaeger (alias François J. Bonnet) kehrt nach »Swamps / Things« (SP119), »Shifted in Dreams« (SP144) und der jüngsten Neuauflage des Klassikers »Zauberberg« (SP068) - einem gemeinsam mit Akira Rabelais und Stephan Mathieu komponierten Werk - zu Shelter Press zurück. Mit diesem bedeutenden neuen Album mit dem Titel »Sub Re« setzt Bonnet seine langjährige Erforschung der musikalischen Möglichkeiten von Klang fort. Dabei erweitert er den konkreten Ansatz, den er bei der Groupe de Recherches Musicales (dem historischen und bedeutenden Pariser Studio, das Bonnet seit 2018 leitet) entwickelt hat, und belebt ihn neu durch eine Herangehensweise, die sich weniger auf die klare Manifestation von Klangmaterial als vielmehr auf dessen mehrdeutige Evokation konzentriert. »Sub re« kann im Lateinischen »unter dem Ding, unter der Substanz, unter der Materie« bedeuten. Genau dieser direkte Zugang zur Musik, der sich auf die Gewinnung von rohem Klangmaterial stützt, bildet die Grundlage dieses Albums. »Under the matter« verweist somit auf den konkreten Aspekt der Musik, jedoch nicht auf das Konkrete, das verklärt wird und zu Dampf und Form wird, zum Substrat einer Idee. Vielmehr verweist es auf das Konkrete unter dem Konkreten, in der Immanenz der Klänge, in ihrem Werden, als treibende Kraft, wie eine Flut, wie ein Gewölbe aus gebieterischer und mächtiger Materie. Um dies zu erreichen, greift Bonnet auf eine Vielzahl von Klangquellen (akustisch, elektronisch, natürlich oder künstlich, absichtlich geschaffen oder zufällig gefunden) und eine Vielzahl von Kontexten und Anlässen zurück, um ihnen Gestalt zu verleihen. Der Satz »a shell, a bell, a spell« (etwa: eine Muschel, eine Glocke, ein Zauber) war beispielsweise erstmals während eines Konzerts in Venedig zu hören, das im Zusammenhang mit Latifa Echakhchs Beitrag zum Schweizer Pavillon auf der Kunstbiennale 2022 organisiert wurde, während der letzte Satz auf der Platte, »signalmirror», ein Stück abschloss, das 2023 auf der ersten Sound-Biennale in Sion (Schweiz) präsentiert wurde. Diese Elemente, geformt und losgelöst von ihrem ursprünglichen Kontext des Erscheinens, von den Orten und Menschen, die sie ermöglichten und ihnen lauschten, tragen zu einer komplexen Schichtung von Stimmungen und Klangwelten bei und helfen, ein kontrastreiches Album zu schaffen, in dem Dichte und Zartheit in einer Abfolge bewegter Wellen koexistieren, mal voller Erinnerungen, mal voller Bedauern, stets in Bewegung gesetzt durch ihre eigene Morphologie. Sub Re bezieht sich auch auf ein Kapitel in Victor Hugos »Die Arbeiter des Meeres«, eine Schlüsselstelle, in der sich die Hauptfigur angesichts einer kolossalen Aufgabe allein mitten auf dem Meer wiederfindet, unter einem gigantischen Schiffswrack, das in den Klauen eines isolierten Riffs gefangen ist, umgeben von Wasser, Strömungen und Winden, allein, um sich dem Unmöglichen zu stellen. Denn tatsächlich ist es unter der Oberfläche, wo Handlungen entstehen, Entscheidungen getroffen werden und die Intuition uns leitet.

1997 erschien „The Great Milenko“ von Insane Clown Posse nicht einfach nur – es schlug ein wie eine Bombe. Streit um Zensur, Gegenreaktionen der Branche. Trotz allem Platin. Nun reiht sich die „Joker’s Card“, die eine ganze Generation von Juggalos und Juggalettes geprägt hat, in die „Record Store Day Essentials“-Reihe ein – mit einer exklusiven, cremefarbenen, durchsichtigen Vinylpressung des mit Platin ausgezeichneten Klassikers. Diese Ausgabe von „The Great Milenko“ enthält zudem erstmals in einer Vinylveröffentlichung das vollständige Booklet und ist damit ein Muss für alle eingefleischten Sammler und neuen Fans des schrägen „Dark Carnival“. Enthält „Hokus Pokus“, „Halls of Illusions“ und „What Is A Juggalo?“  Oft missverstanden, aber unmöglich zu ignorieren: Insane Clown Posse baute eine der engagiertesten Fanbewegungen auf, zu einer Zeit, als nur wenige Künstler außerhalb der Orthodoxie der Major-Labels überleben konnten. The Great Milenko wurde zum Blitzableiter für kulturelle Debatten – und trug dabei dazu bei, neu zu definieren, wie unabhängiger Erfolg im Hip-Hop aussehen kann.

Black Screen Records und Kaizen Game Works haben sich zusammengetan, um zwei neue Vinyl-Editionen von Barry »Epoch« Toppings pulsierendem, funky City-Pop/Vaporwave-Soundtrack zum Open-World-Abenteuerspiel Paradise Killer herauszubringen. Toppings unglaublicher Soundtrack wird auf brandneuen Picture Discs sowie auf roséfarbenem und kristallklarem mit weiß marmoriertem Vinyl erhältlich sein. Die LPs sind in einer Klapphülle mit wunderschönem 80er Jahre Anime- & City Pop-inspiriertem Artwork von Mizucat untergebracht - zusätzliche Kunst und Layout von Kaizen Game Works, Barry Topping und Dane Baudoin. Das Artwork der Picture Disc stammt von C. Bedford, ebenso wie das des beiliegenden gefalteten A2-Posters von Crimson Acid. Die Klänge des Paradieses. Die Musik eines kosmischen Traums. Melodien aus einer anderen Realität. Das Tempo des Verbrechens, das alle Verbrechen beendet. Der Beat längst verstorbener außerirdischer Götter. Die Playlist des Ermittlungsfreaks. Lass dich von der Musik ins Paradies entführen. Spüre, wie die Sonne deine Haut versengt. Riechen Sie den unerträglich heißen Beton. Genieße den süßen Geschmack von Verbrechen, die auf einer tropischen Insel in einer anderen Realität begangen wurden. Weißt du noch, wie wir am Strand getanzt haben? Auf den Straßen des Paradieses? Du hast mir dieses Mixtape auf dem Dach deines Wohnblocks gemacht. Wir starrten den Mond an. Du sagtest, du würdest den Mond töten. Ich habe dir nicht geglaubt. Ich habe mich getäuscht.

Black Screen Records und Kaizen Game Works haben sich zusammengetan, um zwei neue Vinyl-Editionen von Barry »Epoch« Toppings pulsierendem, funky City-Pop/Vaporwave-Soundtrack zum Open-World-Abenteuerspiel Paradise Killer herauszubringen. Toppings unglaublicher Soundtrack wird auf brandneuen Picture Discs sowie auf roséfarbenem und kristallklarem mit weiß marmoriertem Vinyl erhältlich sein. Die LPs sind in einer Klapphülle mit wunderschönem 80er Jahre Anime- & City Pop-inspiriertem Artwork von Mizucat untergebracht - zusätzliche Kunst und Layout von Kaizen Game Works, Barry Topping und Dane Baudoin. Das Artwork der Picture Disc stammt von C. Bedford, ebenso wie das des beiliegenden gefalteten A2-Posters von Crimson Acid. Die Klänge des Paradieses. Die Musik eines kosmischen Traums. Melodien aus einer anderen Realität. Das Tempo des Verbrechens, das alle Verbrechen beendet. Der Beat längst verstorbener außerirdischer Götter. Die Playlist des Ermittlungsfreaks. Lass dich von der Musik ins Paradies entführen. Spüre, wie die Sonne deine Haut versengt. Riechen Sie den unerträglich heißen Beton. Genieße den süßen Geschmack von Verbrechen, die auf einer tropischen Insel in einer anderen Realität begangen wurden. Weißt du noch, wie wir am Strand getanzt haben? Auf den Straßen des Paradieses? Du hast mir dieses Mixtape auf dem Dach deines Wohnblocks gemacht. Wir starrten den Mond an. Du sagtest, du würdest den Mond töten. Ich habe dir nicht geglaubt. Ich habe mich getäuscht.

Black Screen Records und Kaizen Game Works haben sich erneut zusammengetan, um die Vinyl-Neuauflage von »About That_ Paradise Killer B-Sides« zu veröffentlichen, der Nachfolgeveröffentlichung von Barry »Epoch« Toppings pulsierendem funky City-Pop / Vaporwave-Soundtrack zum Open-World-Abenteuerspiel Paradise Killer, der sich als wahres Essential erwiesen hat. Das Album enthält drei neue Songs, Gesangstracks, Instrumentalversionen, Remixe und Klavierarrangements sowie eine Reihe von fantastischen Gästen, darunter Fiona Lynch, Kyle Murray-Dickson, Fabian Hernandez, Ged Cartwright, Thomas Temple, MEEBEE und Okumura. Jetzt erhältlich auf zitronengelbem Vinyl mit wunderschönem Cover von José Salot. Die Klänge des Paradieses. Die Musik eines kosmischen Traums. Melodien aus einer anderen Realität. Das Tempo des Verbrechens, das alle Verbrechen beendet. Der Beat längst verstorbener außerirdischer Götter. Die Playlist des Ermittlungsfreaks. Lass dich von der Musik ins Paradies entführen. Spüre, wie die Sonne deine Haut versengt. Rieche den unerträglich heißen Beton. Genieße den süßen Geschmack von Verbrechen, die auf einer tropischen Insel in einer anderen Realität begangen wurden. Weißt du noch, wie wir am Strand getanzt haben? Auf den Straßen des Paradieses? Du hast mir dieses Mixtape auf dem Dach deines Wohnblocks gemacht. Wir starrten den Mond an. Du sagtest, du würdest den Mond töten. Ich habe dir nicht geglaubt. Ich habe mich getäuscht.

Die britische Band Makeshift Art Bar präsentiert auf Heist Or Hit ihre zweite EP "Marionette", die von Daniel Fox (Sprints, Melts, Psychotic Monks, Naked Lungs, Nerves, Ronan Group) produziert wurde und verspricht, ein wegweisendes Pflichtwerk für künftige Musiker zu werden, die nach Innovation streben. Inspiriert vom Liminal-Space-Horror und dem unheimlichen Grauen von "Silent Hill", dem existentialistischen Theater der "Twilight Zone" oder der Absurdität von "Twin Peaks", bewegen sich Makeshift Art Bar in einem Spannungsfeld zwischen Unbehagen und Impuls, wenn Gitarren mit metallischer Härte, knackige, elektronische Elemente und aggressive Drums zusammentreffen, als wäre Steve Albini persönlich der Dämon, der einen während einer Schlafparalyse heimsucht. Kühn. Eigenwillig. Essenziell. Eine junge Band, die Identität, Trotz und eine kompromisslose Vision mit sich trägt – als wäre dies keine seltene Fracht.

Limitierte, nur im Indiehandel erhältliche, neue Farbauflage des selbstbetitelten Albums der siebenköpfigen Indieband aus Michigan, mit dem sie im Herbst 2025 Geese auf deren Nordamerika-Tour begleiteten. Racing Mount Pleasant hießen früher Kingfisher und veröffentlichten 2023 die LP "Grip Your Fist, I'm Heaven Bound" auf Breakfast All Day Records. Nach der Umbennenung folgte im Herbst 2025 eben dieses Werk, benannt nach ihrem neuen Bandnamen. Emotionaler, transzendenter und üppiger Indie-Rock mit Elementen aus Art- und Post-Rock, der Props von Szenemagazinen wie Stereogum, Alt Press und Brooklyn Vegas bekam.

»Frozen Charlotte« - das siebte Studioalbum von Jack White zeigt den Rock and Roll Hall of Famer in Bestform; unterstützt von einer unglaublichen Band (Patrick Keeler am Schlagzeug, Dominic Davis am Bass, Bobby Emmett am Keyboard), die nach einer Tournee mit allseits gefeierten Auftritten gerade erst richtig in Fahrt gekommen ist. Anstatt sich auf ihren Lorbeeren auszuruhen, machten sie sich direkt im Studio an die Arbeit und nahmen das auf, was schließlich zu »Frozen Charlotte« wurde. Aufgenommen in Whites Third Man Studio in Nashville, zeigt dieses Album, dass Jack die raue, rohe und frenetische Energie aus seinem gefeierten 2024er-Album »No Name« beibehält. Mit 13 Tracks von unterschiedlichem Gefühl und Klang ist »Frozen Charlotte« ein intensiver Rock-'n'-Roll-Kraftakt, bei dem die Blues-Wurzeln nie weit entfernt sind - perfekt für langjährige Fans und gleichzeitig eine weit offene Tür für Neulinge.

Die Musik von Panda Bear und Sonic Boom war schon immer ein Spielplatz: ein Ort, an dem Klangexperimente, Loops und unerwartete Ideen aufeinandertreffen. Während Sonic Boom einst mit Spacemen 3 die Balance zwischen Drone und Pop neu dachte und später mit modularen Synths experimentierte, erschafft Panda Bear, solo oder mit Animal Collective, schillernde Klangwelten zwischen Noise, Folk und Elektronik. Ihr gemeinsames Debüt Reset (2022) wirkte wie ein kreativer Befreiungsschlag im Pandemie-Nebel. Mit »A ? of When« setzen sie diese Spielfreude fort, gehen aber noch weiter. Harfen-Loops, Steel Drums, Pedal Steel, sogar Jodeln: Das Duo greift bewusst auf vermeintlich »uncooles« Material zurück und macht daraus etwas Eigenes. Songs wie »Something Like Dreaming« oder »Like a Moth to a Flame« verbinden verspielte Psychedelik mit eingängigen Melodien, als würde man von Station zu Station durch einen musikalischen Abenteuerspielplatz springen. Gleichzeitig wird der Ton ernster. Die zehn Stücke verhandeln digitale Erschöpfung, politische Verwerfungen und ökologische Fragen, ohne dabei die Leichtigkeit zu verlieren. Inspiriert von einer Welt aus »AI slop«, algorithmischem Dauerrauschen und permanenter Vernetzung, suchen Panda Bear und Sonic Boom bewusst nach anderen Formen der Verbindung: weniger Scrollen, mehr echtes Erleben, mehr Radio, Live-Shows, Listening-Partys und reale Begegnungen. Statt Zynismus setzen sie auf Empathie, Glück und gegenseitige Unterstützung. Im Kern bleibt das Album jedoch ein Akt der Aneignung: Klänge aus unterschiedlichen Kontexten werden neu zusammengesetzt, getragen von ungewöhnlicher Percussion wie Harfe und Steel Drums. So entsteht Musik, die zugleich verspielt und reflektiert ist. »A ? of When« blickt auf eine widersprüchliche Welt und verwandelt sie in etwas Verbindendes. Kein großes Heilsversprechen, sondern die Einladung, gemeinsam offline darin aufzugehen. Konsequenterweise wird das Album nicht auf Streaming-Plattformen verfügbar sein: Panda Bear und Sonic Boom setzen stattdessen auf reale Begegnungen, Listening Sessions und direkten Austausch jenseits algorithmischer Dauerbeschallung.

Ltd. Edition »Rabbit Hole« Vinyl. »A Tale« ist das fünfte Album des finnischen Kollektivs Onségen Ensemble. Das im Norden beheimatete und von seiner Umgebung geprägte Onségen Ensemble hat sich durch ständige Veränderung eine unverwechselbare Identität geschaffen. Anstelle einer festen Besetzung funktioniert die Band wie ein lebendiges Ensemble: ein stabiler Kern, umgeben von sich ständig verändernden Mitwirkenden. Mit jedem Album kommen neue Stimmen, Instrumente und Perspektiven hinzu, so dass sich die Musik frei entfalten kann und offen für Unerwartetes bleibt. Mit »A Tale« wird der Ausdruck der Band noch ätherischer und tiefgründiger als zuvor. Das Onségen Ensemble arbeitet mit einer progressiven Denkweise, vermeidet aber bewusst traditionelle Genregrenzen und schafft Musik, die sich vorwärts bewegt, indem sie Einflüsse intuitiv aufnimmt, frei von stilistischem Dogma. Wie bei ihren früheren Alben haben sie immer wieder neue Elemente eingeführt - sowohl Instrumente als auch Musiker - und dieses Album bildet da keine Ausnahme. »Das zentrale Thema des Albums ist Frieden. In vielerlei Hinsicht fühlt es sich wie der einzige Wert an, der in der heutigen Welt noch wirklich Bedeutung hat. Frieden ist vielfältig, was wir nicht zu sein wagen.«

Jagex und Laced Records laden Sie ein, mit diesem Sammler-Vinylset 25 Jahre RuneScape-Musik zu feiern. Dieses Boxset erinnert an ein Vierteljahrhundert Scaping und fängt die Atmosphäre, die Emotionen und den unverwechselbaren Charakter von RuneScape und Old School RuneScape ein. Die sorgfältig zusammengestellte Trackliste wirkt archivarisch und zeitlos und bietet eine akustische Reise durch Gielinor, die die vielen Abenteuer widerspiegelt, die Millionen von Spielern erlebt haben. Das war keine leichte Aufgabe, da RuneScape den Guinness-Weltrekord für die meisten Originalmusikstücke in einem Videospiel hält. Auf fünf LPs zeichnet die Sammlung die musikalische Entwicklung von RuneScape nach, von den ersten, unvergesslichen MIDI-basierten Themen bis hin zu den instrumentell reichhaltigeren, umfangreicheren Kompositionen der späteren Jahre. Von den ikonischen ersten Takten des RuneScape-Themas bis zum unverkennbaren Jubel von Sea Shanty 2 haben diese Titel die ersten Anmeldungen, frühen Quests, Reisen von Port Sarim nach Karamja und Siege über einige der härtesten Bosse des Spiels begleitet. Die Sammlung endet mit Musik, die über die verschiedenen Versionen des Spiels hinausgeht, die Verbindung zwischen den Epochen von RuneScape hervorhebt und eine kohärente, langjährige musikalische Identität verstärkt. Das Artwork des Sets basiert auf der ikonischen Bildsprache von RuneScape, einschließlich detaillierter kartografischer Elemente von Gielinor und Innenhüllen, die ikonische Bosse mit Original-Artwork des Community-Künstlers Enkoro feiern.

Doppel-LP gepresst auf Pearl Dawn Vinyl. Akupara Games, Videocult und Black Screen Records sind mehr als begeistert, den Soundtrack zu Rain World zu veröffentlichen: The Watcher, einem DLC des überaus erfolgreichen Spielehits Rain World, zu veröffentlichen. Die Musik wurde von den langjährigen Wegbegleitern des Spiels James Primate und Lydia Esrig komponiert, aber es sind auch Werke von Serpanoy, Pinpoint, snoodle, Intikus und Kaeporo enthalten. Diese Sammlung äußerst talentierter Künstler macht die Musik zu einer eklektischen Reise, die gleichzeitig einem kohärenten Konzept folgt, das die Atmosphäre des Spiels widerspiegelt. Die Wildnis, die uns erwartet, wird anders sein als alles, was bisher war. Die Doppel-LP auf atemberaubendem Pearl Dawn-Vinyl, die insgesamt 54 Tracks enthält, präsentiert ein exklusives Gatefold-Artwork von Kelocitta mit UV-Spot-Lackierung. Dieses Set ist nicht nur eine wahre Schönheit, sondern passt auch perfekt zu den Vinyl-Veröffentlichungen von Rain World und Rain World: Downpour - verpassen Sie es nicht, Ihre Sammlung zu vervollständigen! Rain World: »The Watcher« ist eine DLC-Erweiterung von Rain World. Begib dich auf eine Reise zu einem Ort, den du bisher nur flüchtig gesehen hast. Unbekannte Kreaturen pirschen und klettern, tauchen und jagen. Neue Rassen reißen und rupfen, graben und verstecken sich. Räuber und Beute neu definiert. Und mittendrin eine einsame, verlorene Schneckenkatze, die ihr Bestes gibt, um die Verwüstungen einer verzerrten Welt zu überleben. Wenn die Welt unter deinen Füßen Risse bekommt und zerbröckelt, wirst du dann an allem festhalten, was du einst kanntest? Oder in das Unbekannte eintauchen?

Als die Zeichentrickserie Heidi 1978 in Deutschland ausgestrahlt wird, erobert sie die Herzen von Millionen. Basierend auf dem Roman von Johanna Spyri, erzählt sie die Geschichte des Waisenmädchens Heidi, das in den Schweizer Alpen bei seinem Großvater aufwächst und später in Frankfurt eine neue Welt entdeckt. Die Serie gilt bis heute als Meilenstein des Kinderfernsehens - mit liebevoll gezeichneten Landschaften, tiefgründigen Charakteren und einer zeitlosen Botschaft von Verbundenheit, Freundschaft und Zugehörigkeit. Doch was wäre Heidi ohne ihre Musik? Der Soundtrack ist das emotionale Fundament der Serie. Das legendäre Titellied von Christian Bruhn, gesungen von Gitti & Erika, wird zum Ohrwurm einer ganzen Generation. Und die natürlich handgemachten Score-Musiken von Gert Wilden machen mit lebhaften Polka-Rhythmen, sanften Flöten und majestätischen Bläsern die Magie der Alpen lebendig.

Mit diesem außergewöhnlichen Doppel-Vinyl lässt sich die Musik aus den ikonischsten Filmen von Clint Eastwood neu entdecken. Als Schauspieler, Regisseur und Produzent zählt Eastwood zu den prägenden Figuren der internationalen Filmgeschichte - und hat über Jahrzehnte hinweg ein ebenso markantes musikalisches Universum geschaffen. Diese sorgfältig kuratierte Sammlung vereint Originalaufnahmen aus seinen Filmen und spiegelt die enorme stilistische Bandbreite wider: von Jazz-Legenden wie CharlieParker und Duke Ellington über Soul- und Pop-Klassiker bis hin zu Orchesterwerken und traditionellen Stücken. Die Auswahl zeigt eindrucksvoll, wie entscheidend Musik für die Atmosphäre von Eastwoods Filmen ist - mal subtil, mal prägend, immer charakteristisch. Gepresst als hochwertige Doppel-LP auf farbigem Vinyl, ist diese Edition zugleich Sammlerstück und klangstarke Hommage an eine einzigartige Film- und Musiktradition.

»Godzilla's / Eatin' Dust« ist die beliebteste Veröffentlichung in der 30-jährigen Diskografie von Fu Manchu. Es handelt sich um eine Zusammenstellung der ursprünglich zwei separaten 10-Zoll-Veröffentlichungen: »Godzilla« (1997) und »Eatin' Dust« (1999). Im Jahr 2018 fand Scott Hill (Gesang / Gitarre) die Originalbänder der von Josh Homme (Queens Of The Stone Age / Kyuss) produzierten »Godzilla«-Aufnahmesessions und deckte ein Geheimnis auf, das seit 1996 in seiner Garage schlummerte...Die Band hatte vier Songs aufgenommen, die nie veröffentlicht worden waren. Bei diesen zusätzlichen Songs handelt es sich um frühe Versionen von »Grendel, Snowman«, »Strolling Astronomer« und »Urethane« (deren endgültige Versionen 1997 auf »The Action Is Go« erschienen) sowie ein Cover von Thin Lizzys »Jailbreak« (das sich von der 1998 auf 7" veröffentlichten Version unterscheidet). Die Songs fügen sich nahtlos in die ursprüngliche Trackliste ein, zu der auch das publikumswirksame Cover von Blue Oyster Cults »Godzilla« sowie die Fan-Favoriten »Eatin' Dust« und »Mongoose« (der in einem Super-Bowl-Werbespot für Toyota zu hören war und in der Fernsehserie »Sons of Anarchy« sowie in den Filmen »Boondock Saints II« und »The Hot Chick« verwendet wurde). Im Jahr 2019 veröffentlichte die Band eine auf 2.000 Exemplare limitierte Auflage dieser neuen Version in einer Dreifach-10"-Verpackung. Aufgrund der anhaltenden Nachfrage, nachdem diese Version ausverkauft war, brachte die Band 2020 eine neue limitierte Auflage von 1.500 Exemplaren in einem neongrünen und weiß gespritzten Doppel-12-Zoll-Gatefold-Paket mit beidseitigem Einleger heraus, das die bisher unveröffentlichten Titel bei 45 U/min für den bestmöglichen Klang enthält. Fünf Jahre später erscheint nun endlich eine Neuauflage dieser 45-RPM-Doppel-12"-Version auf weißem Vinyl mit braunen Sprenkeln in einer limitierten Auflage von 2.000 Exemplaren. Im Jahr 2026 erscheint diese äußerst limitierte (weltweit nur 500 Exemplare) »Glow-in-the-Dark«-2-x-45-RPM-12"-Vinyl!

Erstmals auf Vinyl erhältlich - das dritte Album der deutschen Metalcore Band, ursprünglich im Jahr 2010 veröffentlicht.

Erstmals auf Vinyl erhältlich - das zweite Album der deutschen Metalcore Band.

Auf diesem, Spirit Caravans zweitem Streifzug durch das Longplayer-Format, hat die Band gemeinsam das Tempo gedrosselt und die Stimmung in ein noch kontemplativeres Gebiet fallen lassen. Als Großvater des modernen Stoner Rocks hat Wino seine Gitarrenplektren dieses Mal sicherlich in LSD getaucht. Obwohl die Technik und die Produktion knochentrocken und bodenlastig sind, wurde Winos psychedelische Gitarrenarbeit - insbesondere seine stechenden, geschäftigen Leads - ein paar Klicks höher geschraubt, auch wenn die Gesamtästhetik düsterer ist und die hervorragende Musikalität des Trios vereinfacht wurde. Der Hörer fühlt sich an Hawkwind mit einem riesigen Dieselmotor erinnert. Der Titel »Elusive Truth« (Flüchtige Wahrheit) deutet auf Winos Suche als Musiker und seinen Versuch hin, den klanglichen Weg durch die Dunkelheit und durch das Licht weiterzugehen. Mit diesem Album befindet sich der Hörer ganz sicher in dunkleren Gefilden.

Auf diesem, Spirit Caravans zweitem Streifzug durch das Longplayer-Format, hat die Band gemeinsam das Tempo gedrosselt und die Stimmung in ein noch kontemplativeres Gebiet fallen lassen. Als Großvater des modernen Stoner Rocks hat Wino seine Gitarrenplektren dieses Mal sicherlich in LSD getaucht. Obwohl die Technik und die Produktion knochentrocken und bodenlastig sind, wurde Winos psychedelische Gitarrenarbeit - insbesondere seine stechenden, geschäftigen Leads - ein paar Klicks höher geschraubt, auch wenn die Gesamtästhetik düsterer ist und die hervorragende Musikalität des Trios vereinfacht wurde. Der Hörer fühlt sich an Hawkwind mit einem riesigen Dieselmotor erinnert. Der Titel »Elusive Truth« (Flüchtige Wahrheit) deutet auf Winos Suche als Musiker und seinen Versuch hin, den klanglichen Weg durch die Dunkelheit und durch das Licht weiterzugehen. Mit diesem Album befindet sich der Hörer ganz sicher in dunkleren Gefilden.

So unbestreitbar kraftvoll, langlebig und geradlinig wie Lemmy Kilminster von Motorhead, ist der unverbesserliche Gründer und Anführer von Spirit Caravan, Scott »Wino« Weinrich, ein absolutes Rock-Urgestein. Nach dem Debüt der Band, Jug Fulla Sun, ist Dreamwheel eine spartanisch klingende Fünf-Song-EP, die die perfekte Ergänzung zu der dichten, doomigen Psychedelik des Erstlings darstellt. Tatsächlich ist die größte Stärke von Dreamwheel die Atempause zwischen den Noten, die von der grundsoliden Rhythmusgruppe um Schlagzeuger Gary Isom und Bassist Dave Sherman geboten wird. Diese rhythmische Strenge - die Art, die von Bands wie Free, Bad Company, Led Zeppelin und Grand Funk Railroad vertreten wird - ermöglicht es Winos fesselnder, gefühlvoller Baritonstimme und den knisternden Hawkwind-esken Leads, sich wirklich zu entfalten. Als die Stimme hinter St. Vitus and the Obsessed hat Wino die Form des modernen Stoner Rock und Doom Metal mitgestaltet und geprägt. Spirit Caravan, wie diese brillante, entspannte Perle einer EP beweist, ist vielleicht sein fähigstes Gefäß. Jeder Song brennt mit analoger Wärme, Intensität und Helligkeit. Obwohl es fast ein Jahrzehnt dauerte, bis Wino die überfällige Anerkennung als Künstler erhielt, sind seine Aktien in den späten 90ern und zu Beginn des neuen Jahrtausends in die Höhe geschossen, wenn auch nicht in finanzieller Hinsicht.

In der Heimat der Wettbüros wird zurzeit ein Name groß gehandelt: Shame. Die Band lebt von Konfrontation. Sei es die brodelnde Intensität, die auf ihrem Debüt »Songs of Praise« knistert, oder das Adrenalin-pumpende Chaos, das sich bei ihren aufregenden von großen Emotionen angetriebenen Shows entfaltet. Bestehend aus dem Sänger Charlie Steen, den Gitarristen Sean Coyle-Smith und Eddie Green, dem Bassisten John Finerty und dem Schlagzeuger Charlie Forbes, begann das in London lebende Quintett bereits im Schuljungenalter. Mit einem gesunden DIY-Ethos als Grundlage und mit The Fall und Wire als musikalische Einflüsse schafften sich Shame eine Nische in der Musikszene Südlondons und entwickelten furchtlos ihren aufrichtigen, eckigen, peitschenden Post-Punk. Die zehn Songs von »Songs of Praise« lassen keine Fragen offen. Ob »Gold Hole«, ein augenzwinkernder Takedown von Rock-Narzissmus, oder die Single »Concrete«, die den überwältigenden Moment der Erkenntnis einer zum Scheitern verurteilten Beziehung beschreibt, oder das frustrierte »Tasteless«, das die Monotonie des Alltags beschreibt. »Songs of Praise« bietet keine Atempause.

Es ist nur ein Klischee, weil es wahr ist: Die größten Platten sind zeitlos. Das selbstbetitelte Debüt von BLACK MOUNTAIN ist just so eine Platte. Moderner Classic Rock mit Referenzen, die so mysteriös wie glasklar sind und der dabei frisch, neu und absolut unwiderstehlich klingt. Das Album war ein Anfang, markierte jedoch auch ein Ende. Gestartet als Schlafzimmerprojekt von Stephen McBean entwickelten die Songs mit Josh Wells und Amber Webber auf Tour in leeren nordamerikanischen Clubs zu dem, was schließlich BLACK MOUNTAIN werden sollte. »Wir fingen mit den Gitarren- und Schlagzeugspuren an«, erinnert sich McBean, »und wir kamen auf den Bandnamen, als wir versuchten, uns die Schnittmenge zwischen BLACK FLAG und BLACK SABBATH vorzustellen. Joshs Mitbewohner Jeremy [Schmidt, Keyboard] hing rum, weshalb wir ihn fragten, ob er nicht ein paar Beeps und Clicks beitragen wolle. Er kam mit derart ausgereiften Keyboard Arrangements um die Ecke, dass wir nicht anders konnten, als ihn in die Band aufzunehmen.« Das Album wurde in The Hive und im Proberaum in Vancouver aufgenommen. Dort fanden die Tracks ihre Form: geistreich und lebendig; hypnotisch und anmutig heavy; der düstere, kraftvolle Blues und alles pulsierend durchziehende Schlamm. Das Album feierte erste Erfolge und trug die Band hinaus auf die Straße: »Es war eine gute Zeit für den Rock’n’Roll. Die Menschen fuhren auf 20-minütige Jams ab und es gab Bands wie COMETS ON FIRE und ONEIDA, mit denen wir uns verbunden fühlten. Ich stand auf FAUST und AMON DUUL und hatte keine Ahnung, dass es auch nachwachsende Bands gab, die diese Musik spielten. Wir trafen diese Band und das war cool. Und dann gingen wir auf Tour mit COLDPLAY und die Abenteuer gingen weiter«. Ihre Zeit mit einer der größten Bands des Universums ist eine andere Geschichte; der Beginn des nächsten Kapitels im Leben von BLACK MOUNTAIN und alles, war darauf folgte. Für jetzt steht die kompakte, luftige Brillanz dieses kosmischen, harten und subtilen Debütalbums zur Verfügung, das in dieser Inkarnation mit deliziösen Bonustracks aus den Archiven der Black Mountain Army aufwartet.

Neuzugang im Hause Keeled Scales: Das Indie-Pop-Quartett Lunar Vacation aus Atlanta veröffentlicht beim kleinen, aber feinen texanischen Indie-Label das Debütalbum, "Inside Every Fig Is A Dead Wasp". "Zu gleichen Teilen Mac DeMarco und Snail Mail", beschreibt das Paste Magazine den Sound der Band, die sich im Sommer 2016 gründete und im Kern aus Grace Repasky (Songwriterin / Sängerin / Gitarristin) und Maggie Geeslin (Songwriterin / Sängerin / Gitarristin) besteht. Die beiden lernten sich in der achten Klasse ihrer Highschool kennen, schrieben schnell die ersten gemeinsamen Songs und rekrutierten Matteo DeLurgio (Synthies) und Connor Dowd (Schlagzeug), um den immer lebendigeren Geist ihrer Songs klanglich zu unterstützen. Kurz nach ihrem Highschool-Abschluss veröffentlichten sie als Lunar Vacation auf eigene Faust zwei vielbeachtete EPs. Produziert von Daniel Gleason von Grouplove, ist Lunar Vacations Album "Inside Every Fig Is A Dead Wasp" ein pulsierendes Angebot an melodiösen Gitarren, treibenden Rhythmen und unstetem, ergreifendem Gesang, das sich mit dem Erwachsenwerden auseinandersetzt. Das Album rühmt sich eines feierlichen Klangs, eines rücksichtslosen Gefühls der Ekstase, das für eine fließende Jugend und eine grundsolide Freundschaft typisch ist. Mit frühen Einflüssen wie Rilo Kiley und Tame Impala und einer gewissen Nähe zu zeitgenössischen Favoriten wie Alvvays und Slow Pup machen Lunar Vacation fröhliche Musik voller Glückseligkeit.

Alle Songs wurden von Ora Cogan geschrieben und arrangiert, mit Ausnahme von Is Anything Wrong von Lhasa De Sela. High Noon & Holy Hells wurden von Ora Cogan geschrieben und von Finn Smith, Ora Cogan und David Proctor arrangiert. Katie Cruel ist ein Traditional, arrangiert von Ora Cogan. Engineered by David Parry at Risque Disque September 2022 Mastered by Tom Deis at Pineapple Room Studio Alle Songs wurden von Tom Deis gemischt, außer Cowgirl, Dyed, Is Anything Wrong, gemischt von David Parry

»Didn’t It Rain« ist die erste perfekte Platte von Jason Molina. Live in einem einzigen Raum aufgenommen, ohne Overdubs und mit Musikern, die ihre Parts spontan improvisierten. Nichts an dieser Vorgehensweise war neu. Doch irgendetwas lag in der Luft, so dass sich »Didn’t It Rain« deutlich vom restlichen Werk von Molina abhebt. Seine Alben waren schon immer voller Raum, doch noch nie zuvor hat Molina diesen Raum so meisterhaft umrissen wie hier. Als Demo konzipiert und aufgenommen nur wenige Monate vor den Ereignissen von 9/11, scheint sich »Didn’t It Rain« der Atmosphäre dieser Zeit anzupassen. Es handelt vom Wurzelnschlagen und bietet einen tröstlichen Moment im Chaos der Unsicherheit. Hier trifft die persönliche Depression Molinas die Depression einer ganzen Nation. Während das Album musikalisch kryptischer und spartanischer daherkommt, greift die Bildsprache von »Didn’t It Rain« ein weiteres Chicago-Album aus dem Jahr 2002 auf, das sich mit der Psyche nach 9/11 befasste: »Yankee Hotel Foxtrott« von Wilco. Überdies tritt bei den zu Hause bei Molina entstandenen Demos bei einigen Songs ein besonderes Feature in Erscheinung: im Hintergrund der Aufnahmen hört man die Geräusche von spielenden Kindern auf einem entlegenen Spielplatz in der Nachbarschaft. Die Gegenüberstellung der Trostlosigkeit von Molinas Songs und dem glückseligen Spiel der Kinder könnte nicht gespenstischer und zugleich bewegender sein.

Nach dem Erfolg von »Don't Settle - Transmissions East« begeben wir uns nun mit »Don't Settle – Transmissions West« auf den zweiten Teil dieser Reise.Dieses Album beleuchtet eine unglaublich produktive und facettenreiche Karriere und ist nicht einfach nur ein »Best Of« - es ist ein Live-Studioalbum, ohne zweite Takes, ohne Autotune, ohne Nachbearbeitung. Einfach live, roh, direkte Energie, die die Magie von Glen einfängt wie nichts zuvor. Aufgezeichnet im legendären Funkhaus in Berlin, einem historischen ostdeutschen Radio- und Aufnahmestudio mit einem riesigen, akustisch perfekten Orchester-Live-Raum, wurde das Album in einer kontrollierten Studioumgebung über zwei Nächte hinweg mit 600 Fans im Raum aufgenommen und gefilmt. Das Album wurde von Glen selbst produziert und gemischt, mit Unterstützung von Toningenieur und Produzenten Mike Goldsmith und dem Toningenieur und Produzenten Markus Schmitz. Diese Veröffentlichung wird nicht nur von einer fast ausverkauften UK/EU-Tour begleitet, die ihn im Mai nach Deutschland geführt hatte, sondern auch von einem Spielfilm und einem »Making Of«, die diese besondere Zeit in Glens Karriere dokumentieren, in der wir sowohl auf die Vergangenheit als auch auf die Zukunft blicken.

Ende November 2024 spielten Brutus drei ausverkaufte Konzerte im legendären Ancienne Belgique in Brüssel. Ein Jahr später feiert die Band diese Konzerte mit der Veröffentlichung eines kompletten Live-Konzertfilms und Albums vom dritten dieser Konzerte: 16 Songs, 92 Minuten - das ist Brutus »Live in Brussels«. Diese drei Konzerte in Brüssel markierten das Ende der Tournee der Band zu ihrem aktuellen Studioalbum »Unison Life« aus dem Jahr 2022: »›Live in Brussels‹ ist das, was wir nach drei Jahren Tournee mit ›Unison Life‹ durch mehr als 20 Länder und fast 200 Konzerten hinterlassen wollen. Wir haben es zusammen mit unserer engen Live-Crew gemacht, denselben Leuten, die uns auf jedem Schritt der Tour begleitet haben. Für uns waren diese drei Nächte in Brüssel intensiv, aber wunderschön. Wir sind stolz darauf, dass wir es geschafft haben, dies so festzuhalten: ein Live-Dokument, bei dem Bild und Ton zusammenwirken, um euch in diese Nacht zu versetzen.«

So unbestreitbar kraftvoll, langlebig und geradlinig wie Lemmy Kilminster von Motorhead, ist der unverbesserliche Gründer und Anführer von Spirit Caravan, Scott »Wino« Weinrich, ein absolutes Rock-Urgestein. Nach dem Debüt der Band, Jug Fulla Sun, ist Dreamwheel eine spartanisch klingende Fünf-Song-EP, die die perfekte Ergänzung zu der dichten, doomigen Psychedelik des Erstlings darstellt. Tatsächlich ist die größte Stärke von Dreamwheel die Atempause zwischen den Noten, die von der grundsoliden Rhythmusgruppe um Schlagzeuger Gary Isom und Bassist Dave Sherman geboten wird. Diese rhythmische Strenge - die Art, die von Bands wie Free, Bad Company, Led Zeppelin und Grand Funk Railroad vertreten wird - ermöglicht es Winos fesselnder, gefühlvoller Baritonstimme und den knisternden Hawkwind-esken Leads, sich wirklich zu entfalten. Als die Stimme hinter St. Vitus and the Obsessed hat Wino die Form des modernen Stoner Rock und Doom Metal mitgestaltet und geprägt. Spirit Caravan, wie diese brillante, entspannte Perle einer EP beweist, ist vielleicht sein fähigstes Gefäß. Jeder Song brennt mit analoger Wärme, Intensität und Helligkeit. Obwohl es fast ein Jahrzehnt dauerte, bis Wino die überfällige Anerkennung als Künstler erhielt, sind seine Aktien in den späten 90ern und zu Beginn des neuen Jahrtausends in die Höhe geschossen, wenn auch nicht in finanzieller Hinsicht.

Dropkick Murphys 12-Zoll-Vinyl-Split-LP (oder CD) mit ihren jüngsten Tourpartnern Haywire mit dem Titel »New England Forever«. Die beiden Bands aus Boston – die sich letzten Herbst auf einer gemeinsamen Europatournee kennengelernt haben – haben für die 8-Song-LP jeweils drei eigene Songs sowie eine Coverversion eines Songs der jeweils anderen Band aufgenommen. Haywire nahmen »The Boys Are Back« von den Dropkick Murphys auf, und die Dropkick Murphys nahmen »Always By My Side« von Haywire auf.

Nein, neu im Geschäft ist El Michels Affair nicht. El Michels hat hart gearbeitet, in unzähligen mitternächtlichen Studiosessions und auf einer Welttournee für den Wu-Tang Clan. Und eins ist klar: Die Band ist dabei auf eine gute Art gealtert. Nachdem es 2005 wie aus dem Nichts mit dem Instrumentalalbum »Sounding Out The City« aufschlug, hat sich das Studio-konzentrierte Kollektiv, angeführt vom Multiinstrumentalisten und Komponisten Leon Michels, Fans auf allen Kontinenten erspielt. Die Gruppe ist für ihre schwelgerischen Soul-Instrumentals bekannt, aber auch für ihre Wu-Tang-Covers, wie die explosive Reaktion auf ihre zwei Alben »Enter The 37th Chamber« (2009) und »Return To The 37th Chamber« (2019 beweist. Das alles ist aber längst Geschichte, denn das rundeste und reifste Album der Band mit dem passenden Titel »Adult Themes« beweist, welche neuen instrumentalen Höhen sie erklommen hat. Das Album, das Michels als »Soundtrack für einen imaginären Film« beschreibt, ist eine Sammlung von opulenten, abgründigen, komplexen und oft sehr funkigen Stücken, die die Ohren zum Schwingen und die Köpfe zum Nicken bringen.

Mit »Stoak wie a Felsen - Das Beste aus fünf Jahrzehnten« erscheint am 26. Juni 2026 anlässlich des 75. Geburtstages von Stefanie Werger eine besondere Werkschau auf farbiger Vinyl und CD, die einer der markantesten Stimmen des Austropop gewidmet ist. Stefanie Werger ist weit mehr als eine erfolgreiche Interpretin: Sie ist eine prägende Singer/Songwriterin, die mit ihren Liedern, ihrer Sprache und ihrer Haltung über Generationen hinweg Spuren hinterlassen hat. In einer Musikszene, die lange stark männlich geprägt war, hat sie sich mit unglaublichem Talent, künstlerischer Eigenständigkeit und einer großen Portion Charisma einen festen Platz erarbeitet und damit sehr früh eine besondere Rolle als erfolgreiche Frau in der österreichischen Pop- und Liedermacherszene eingenommen. Ihre Songs sind direkt, poetisch, humorvoll, unbequem und berührend zugleich - und genau darin liegt ihre anhaltende Kraft. Andy Zahradnik nennt Stefanie Werger treffend eine »Liederatin« - ein Begriff, der ihr künstlerisches Wesen wunderbar auf den Punkt bringt. Denn Werger erzählt in ihren Liedern Geschichten, beobachtet scharf, formuliert lebensnah und verbindet literarisches Gespür mit musikalischer Kraft. Ihre Werke sind nie bloß Songs, sondern persönliche, gesellschaftliche und emotionale Momentaufnahmen. Die Tracklist von »Stoak wie a Felsen - Das Beste aus fünf Jahrzehnten« enthält zentrale Stationen des Schaffens von Steffi Werger: Der Reigen spannt sich von I wü di g'spian, das hier in einer spektakulären Live-Version enthalten ist, über Klassiker wie Stoak wie a Felsen (ebenfalls als kraftvolle Liveaufnahme), Flamenco Turistico und Sommer bis hin zu dem wehmütigen Langsam wea i miad ihres letzten Albums. Als besonderer Bonustrack ist der brandneue Song So schene Leit inkludiert und damit erstmals auf Tonträger erhältlich.

Nach einer fünfjährigen Pause, in der sie neue Sounds erforschten und ihr persönliches Repertoire ausbauten, kehrt das dynamische Duo Eyedea & Abilities mit dem Nachfolger ihres von der Kritik gefeierten zweiten Albums »E&A« von 2004 zurück. Mit bissigen Gitarren, unscharfen Keyboards, melodischen Refrains und einigen ihrer bisher ausgefeiltesten Turntable-Arbeiten trifft By The Throat genau den Nerv der Zeit und geht weit über die kampferprobte Geschichte von Eyedea & Abilities (Gewinner von HBO Blaze Battle, Rocksteady, Scribble Jam und den DMC's) hinaus. In den Neunzigern spielte das Duo eine wichtige Rolle bei der Entwicklung der aufstrebenden Underground-Hip-Hop-Szene an der Seite von Freunden wie Atmosphere, Aesop Rock, EL-P, den Living Legends, Sage Francis, Blueprint und vielen anderen. Eyedea & Abilities haben sich nicht nur weiterentwickelt, sondern auch ihre Talente weiterentwickelt und sie mit By The Throat erneut erfolgreich zusammengebracht.

In »Library Copy Do Not Remove« präsentiert JJ Weihl von Discovery Zone eine digitale Verzauberung der Realität, in der er das Materielle und das Immaterielle miteinander verwebt, um zu zeigen, dass es sich dabei tatsächlich um zwei Aspekte ein und desselben handelt. In Weihls Welt sind Natur und Technologie keine Feinde, sondern erschaffen sich gegenseitig in einem unendlichen Tanz aus Bedeutung und Reflexion. Ursprünglich als Raumsound für das Zeiss-Groß-Planetarium in Berlin geschaffen, ist »Library Copy Do Not Remove« eine Schöpfungsmythologie für das simulierte Universum. Dabei handelt es sich jedoch nicht um eine trockene, bostromische, maskuline Fantasie einer digitalen Realität, der die Geheimnisse der Natur fehlen. Stattdessen fordert Weihl den Zuhörer auf, im Rahmen einer Simulation Raum für die beeindruckende Realität der natürlichen Welt zu lassen. Wenn unsere Welt simuliert ist, dann muss die Simulation in der Lage sein, die Schönheit und Pracht der Natur zu erschaffen. Auf diese Weise betreibt Weihl eine ambient-artige Alchemie, die eine große Versöhnung von Natur und Technologie fordert, während sie uns auffordert, darüber nachzudenken, wie und wo die Erfahrung transzendenten menschlichen Bewusstseins zwischen ihnen existieren könnte. Die Songs auf »Library Copy Do Not Remove« entstanden, während Weihl gleichzeitig ihr zweites Album »Quantum Web« fertigstellte, und spiegeln einen weitreichenden, inspirierenden Zustand aus Aufregung und Angst wider, der mit der Aufgabe einherging, Musik für einen so einzigartigen Raum zu komponieren. Die Songs selbst wurden durch Ambisonics geformt, ein spezielles Format für räumliches Audio, das direktional ist, anstatt auf Kanälen zu basieren (wie Stereo), und wurden über ein Mosaik aus 49 Lautsprechern übertragen. Da es für Live-Auftritte geschrieben wurde, war »Library Copy Do Not Remove« nie als Album im eigentlichen Sinne gedacht, sondern als dreidimensionales Ereignis. Auf diese Weise spiegelte die Klanginszenierung wider, wie wir Klang in unserem Alltag wahrnehmen: uns aus allen Richtungen umgebend. Für diese Albumveröffentlichung hat Weihl alle Songs gemeinsam mit ihrem langjährigen Produzenten E/T von Grund auf neu abgemischt und die Konstellation der Tracks für ein Stereoerlebnis neu konzipiert und überarbeitet. Inspiriert von den Werken von James Gleick, LD Deutsch, Johannes Kepler und Jorge Luis Borges, erforscht »Library Copy Do Not Remove« die kreative Spannung zwischen Realität und Wahrnehmung, Information und Mythologie, Harmonie und Unordnung. Im gesamten Album fragt Weihl, wie wir als Menschen das Universum um uns herum und den zugrunde liegenden Code, der es belebt, verstehen lernen. Was dabei entsteht, ist ein klanglicher Mythos, der von spiralförmigen digitalen Universen erzählt, die ineinander verschachtelt sind und in denen jeder teilnehmende Akteur gleichzeitig sowohl Teil als auch das Ganze der Realität ist. Auf diese Weise ist »Library Copy Do Not Remove« ein cyber-Ausdruck zeitloser Weisheit: Anstelle von »wie oben, so unten« könnte Weihl vorschlagen: »wie der Input, so der Output».

Über zwanzig Jahre nach ihrem Kulttrack „Reimemonster“ schreiben Afrob und Ferris MC gemeinsam ein neues Kapitel deutscher Hip-Hop-Geschichte. Mit neuer Musik, einem gemeinsamen Album und zahlreichen Festivalauftritten im Sommer sowie der Reimemonster Tour 2026 im Herbst kehrt das legendäre Duo zurück auf die Bühne. Mit Afrob x Ferris MC treffen zwei prägende Stimmen des deutschen Hip-Hops erneut aufeinander. Ihr gemeinsamer Klassiker „Reimemonster“ entwickelte sich kurz nach Veröffentlichung zu einem Meilenstein der Szene. Die unterschiedlichen Rapstile und Persönlichkeiten der beiden Künstler verschmolzen darin zu einer unverwechselbaren Dynamik – die markante Hook wurde zum kollektiven Ruf einer ganzen Generation. Bis heute gilt der Song als eines der zentralen Werke der Golden Era des deutschen Rap. Nun führen Afrob und Ferris MC diese Geschichte weiter. Neben neuen Songs bringen sie ihre gemeinsame Energie zum ersten Mal auf die Bühne und verbinden dabei Hip-Hop-Tradition mit zeitgemäßer Relevanz.

Erlebe die mitreißende Musik aus dem Disney-Channel-Film Camp Rock 2: The Final Jam! Mit unvergesslichen Hits wie »Wouldn't Change a Thing«, »It's On«, »Heart and Soul« und vielen weiteren. Dieses Album fängt das besondere Gefühl von Sommer, Freundschaft und Musik perfekt ein. Jetzt erhältlich als Sammler-Vinyl in den Farben Tannengrün und Sonnengelb.

Diese Sammlung fängt die gesamte Bandbreite der Reise der Strohhut-Bande in die Grand Line ein und vereint die gewaltige, energiegeladene Filmmusik der preisgekrönten Komponisten Sonya Belousova und Giona Ostinelli. Von den Küsten von Loguetown bis zu den schneebedeckten Gipfeln von Drum Island wird jeder Moment der Reise durch mitreißende Orchesterarrangements und unvergessliche Piratenhymnen zum Leben erweckt. 2LP Black Vinyl: Zwei 12-Zoll-Schallplatten, gepresst auf hochwertigem schwarzem Vinyl für einen klassischen Look und überragende Klangtreue, die jeden orchestralen Schwung mit kristallklarer Präzision wiedergeben. Doppel-CD-Set: Zwei CDs mit der kompletten Original-Filmmusik und den Liedern, präsentiert in einem hochwertigen Kompaktformat. Hochwertige Verpackung: Ein Doppel-Gatefold-Cover für die Vinyl-Edition und ein dreifach gefaltetes Digipack für die CD, beide mit lebendigen, filmischen Illustrationen von Ruffy und der Strohhut-Bande. Kompletter Soundtrack: Über 40 Titel, die die gesamte zweite Staffel abdecken, darunter Charakterthemen, emotionale Momente und epische Kampfmotive. Ob zu Hause oder auf Reisen – diese Veröffentlichung ist der perfekte Weg, den Abenteuergeist am Leben zu erhalten und ganz in die Welt von One Piece einzutauchen. Netflix’ episches Piratenabenteuer auf hoher See, »One Piece«, kehrt mit Staffel 2 zurück und bringt noch härtere Gegner und die bisher gefährlichsten Abenteuer mit sich. Ruffy und die Strohhut-Bande setzen die Segel in Richtung der außergewöhnlichen Grand Line, einem legendären Meeresabschnitt, in dem an jeder Ecke Gefahren und Wunder lauern. Auf ihrer Reise durch dieses unberechenbare Reich auf der Suche nach dem größten Schatz der Welt werden sie auf bizarre Inseln und eine Vielzahl furchterregender neuer Feinde treffen.

Anlässlich des 20-jährigen Jubiläums der prägenden dritten Staffel präsentiert Varèse Sarabande erstmals den Soundtrack von »Lost: Season 3« von Emmy-Preisträger Michael Giacchino auf Vinyl. Der Score vertieft die geheimnisvolle Atmosphäre der Insel mit eindringlichen Melodien und dynamischen, spannungsgeladenen Kompositionen. Diese 2-LP-Edition erscheint auf Translucent Swamp Green Vinyl und kommt in einem hochwertigen Gatefold Cover inklusive persönlicher Linernotes des Komponisten.

Mark Jenkin, der BAFTA-preisgekrönte Regisseur, Editor, Drehbuchautor, Kameramann und Musiker, präsentiert auf Invada Records den Score zu seinem neuen Film»The Rose of Nevada«. Jenkin nimmt unter britischen Spielfilmregisseuren eine Sonderstellung ein - nicht zuletzt durch seine analoge Arbeitsweise: Alle drei seiner Spielfilme wurden auf 16mm mit einer mechanischen Bolex-Kamera gedreht. Neben seinen vielfältigen Rollen als Autor, Regisseur, Kameramann und Editor zeichnet er erneut auch für das Sounddesign und die Komposition der Originalmusik verantwortlich. Der neue Score spiegelt die im Film angewandten Techniken wider: Analoge Synthesizer ziehen die Hörerinnen und Hörer in nebelhafte, hypnotische Klanglandschaften und feine, subtile Bewegungen hinein. Komponiert, produziert, aufgenommen und eingespielt von Mark Jenkin - unter Verwendung von Synthesizern, Gitarre, Percussion sowie Loops und Effekten - erinnern die Field Recordings an den Kontext, in dem die Musik ursprünglich entstanden ist. Während der Score zwischen ruhigen, ambienten Klangmeeren und aufbrausenden Stürmen oszilliert, behauptet er zugleich seine Wirkung als kraftvolles, eigenständiges Werk. Die physische Veröffentlichung des Scores folgt auf Jenkins dritten Spielfilm: »The Rose of Nevada«, ein Zeitreise-Film, startet am 24. April 2026 in den Kinos in Großbritannien und Irland, gefolgt von einer Veröffentlichung auf BFI Blu-ray sowie auf dem BFI Player im Sommer.