Nach ausverkauften Tourneen und Festivals rund um den Globus, einschließlich seines eigenen Musikfestivals, wird Yungblud sein mit Spannung erwartetes viertes Album »Idols« veröffentlichen. Mit Nummer-Eins-Alben in sieben Ländern und dem Ruf, sich über Konventionen hinwegzusetzen, beschreibt Yungblud »Idols« als »ein Projekt ohne Grenzen«, das sein bisher kühnstes und ambitioniertestes Werk darstellt.

Vor zehn Jahren gründeten drei Mitarbeiter von JI's Market and Cafe die Band Styrofoam Winos. Lou Turner, Trevor Nikrant und Joe Kenkel fanden zueinander durch ihre gemeinsame Begeisterung für Bob Dylan, Patti Smith, Leonard Cohen und Country-Platten aus dem Schnäppchenkorb. Sie beflügelten sich gegenseitig in ihrer Begeisterung und waren total aus dem Häuschen bei jedem neuen Song, den sie entdeckten. Nachdem ein Freund weggezogen war und ein Schlagzeug zurückgelassen hatte, lernten alle drei Winos, Schlagzeug zu spielen. Die ersten Versuche im gemeinsamen Songwriting entstanden aus Jam-Sessions und Erasure Poetry, bei der man Wörter in alten Büchern schwärzte, um neue Gedichte zu schaffen. Sie sangen alle mal die Leadstimme und tauschten regelmäßig die Instrumente. Michael Hurley zum ersten Mal zu sehen, hinterließ einen bleibenden Eindruck und gab der Band einen ihrer kreativen Leitsterne. Jahre später gab Snock den Winos selbst seinen Segen, ihre Kassette mit Coverversionen seiner Songs zu veröffentlichen. Die Styrofoam Winos sind immer mit dem Strom geschwommen, was »Any River« zu einem passenden Titel für ihr 2026er Album macht, dem Nachfolger von »Real Time« aus dem Jahr 2024. Ihre spielerische Herangehensweise wird durch das Können erfahrener Musiker untermauert, die bereits viele hundert Konzerte gespielt haben - sowohl gemeinsam als auch als Tourmitglieder von Ryan Davis and the Roadhouse Band, MJ Lenderman and the Wind und als Solokünstler. Das ist eine ihrer größten Stärken, die man gar nicht hoch genug einschätzen kann: Sie sind extrem gute Musiker! Wenn drei talentierte Menschen eine so tiefe Chemie entwickeln, ist das Ergebnis einfach grandios. Jeder Song auf »Any River« entstand aus Jam-Sessions in Turners und Nikrants Heimstudio, und schon bald folgte ein gemeinsames Google-Dokument mit den Texten. Sie nahmen in Louisville auf - ihr erstes Album außerhalb von Nashville - zusammen mit Roadhouse-Bandkollege und Equipment Pointed Ankh-Mastermind Jim Marlowe. Marlowes zurückhaltende Produktion brachte die einzigartige Synergie der Band voll zur Geltung. Das führt zu einem weiteren wesentlichen Punkt dieser Band. Es gelingt ihnen, eine perfekte Balance zwischen Ehrfurcht und Respektlosigkeit gegenüber den musikalischen Traditionen zu finden, in denen sie arbeiten. Ihr Wissen über den Kanon ist gelehrt, aber diesem Wissen folgt immer ein Augenzwinkern. Kein Moment auf der Platte verkörpert dies besser als das Trompetensolo in »New Friend«. Es ist eine geschickte Darbietung, aber die Art und Weise, wie Kenkel unter die Tonika absinkt, bevor er die letzten Noten des Solos auflöst, ist urkomisch. Bei Live-Auftritten spielt er das Solo Note für Note auf einer Kazoo, während er gleichzeitig Schlagzeug spielt. Diese Musik stammt von erfahrenen Verwandlungskünstlern, die sich einer einfachen Kategorisierung entziehen und dennoch sofort wiedererkennbar bleiben.

Die vollständigen originalen Studioaufnahmen des aus San Diego stammenden, über Boston geformten Alternative-Trios - remastert, restauriert und in einem opulenten Boxset vereint. »Wait A Lifetime« versammelt die unvergleichlichen Alben der Band Junk und This Afternoon Malady sowie R.I.P., erweitert um ihr unvollendetes drittes Album, Singles, Split-Veröffentlichungen und Beiträge zu Compilations. Das begleitende 68-seitige Booklet zeichnet die gesamte Geschichte anhand eines Essays von Nina Cocoran und Dutzender zeitgenössischer Fotos nach. Alles ist untergebracht in einer beeindruckenden, kaschierten und lackierten Box. Sink in die Erde - und flieg.

Die vollständigen originalen Studioaufnahmen des aus San Diego stammenden, über Boston geformten Alternative-Trios - remastert, restauriert und in einem opulenten Boxset vereint. »Wait A Lifetime« versammelt die unvergleichlichen Alben der Band Junk und This Afternoon Malady sowie R.I.P., erweitert um ihr unvollendetes drittes Album, Singles, Split-Veröffentlichungen und Beiträge zu Compilations. Das begleitende 68-seitige Booklet zeichnet die gesamte Geschichte anhand eines Essays von Nina Cocoran und Dutzender zeitgenössischer Fotos nach. Alles ist untergebracht in einer beeindruckenden, kaschierten und lackierten Box. Sink in die Erde - und flieg.

Seit fast zwei Jahrzehnten verbreiten der King und seine Cumberland Three ihren Rhythm & Punk-Spaß in der ganzen Welt und bringen jede Menge ausgelassene Energie, Albernheiten, gute Laune und Schweiß mit! Mit diesem Quartett ist jede Show eine Party! Anlässlich ihres 20-jährigen Jubiläums, in dem sie unermüdlich weltweit auftraten und Dutzende von Platten veröffentlichten, haben King Salami & The Cumberland Three tief in ihrem umfangreichen Katalog gegraben, um 16 ihrer besten Tracks auszuwählen. Das Ergebnis ist diese energiegeladene Zusammenstellung, ein Album voller Spaß, das verrückte Klassiker wie »The Pulpo Dance«, »Pineapple Mama«, »Shake it Wild« und »Do the Wurst« enthält, neben ihrem weniger bekannten Instrumentalstück »Itch!«, das kürzlich in der Dreamies-Katzenfutter-Fernsehwerbung zu hören war.

»Prince of Failure« markiert eine bedeutende Veränderung in Daniel Tompkins' kreativer Welt. Geschrieben und entwickelt über mehrere Jahre mit Paul Ortiz (Chimp Spanner), zeichnet das Album eher einen langen inneren Prozess nach als einen einzelnen Moment der Inspiration. Das Material reflektiert über Neurodivergenz, Maskierung und das psychologische Gewicht eines Lebens, das nicht den Erwartungen entspricht - Themen, die sowohl die Erzählung als auch den Sound des Albums prägen. Der Prinz wird eher als Archetyp denn als Persona vorgestellt: ein Name für die innere Stimme, die durch Selbstzweifel, Perfektionismus und Fehlinterpretationen entsteht. Indem er sie definiert, gibt Tompkins ihr einen neuen Rahmen. Die Songs bewegen sich durch Zustände der Desorientierung, Isolation und Wiederholung, bevor sie zu einer ruhigeren Form der Akzeptanz gelangen. Der Schwerpunkt liegt auf der Beobachtung und nicht auf der Lösung. Musikalisch entwickelt das Album die Atmosphäre von Daniel Tompkins' früherem Solowerk in ein dunkleres, reflektierenderes Gebiet. Pauls raumgreifende Arrangements, elektronische Texturen und kraftvolle Gitarrenarbeit stehen neben dem intimen, engmaschigen Gesang und schaffen ein starkes Gefühl der Unmittelbarkeit, ohne die dynamische Bandbreite zu opfern, die mit Tompkins' progressivem Hintergrund und seiner Arbeit mit TesseracT verbunden ist. Das Tempo ist zurückhaltend und überlegt, mit Zwischenspielen und wiederkehrenden Motiven, die das Gefühl eines kontinuierlichen psychologischen Bogens verstärken. Die Entscheidung, das Album unter dem Namen »Prince of Failure« zu veröffentlichen, spiegelt die kollaborative Identität des Projekts wider und grenzt es von Tompkins' früheren Rollen ab. Es erlaubt dem Werk, unter eigenen Bedingungen zu existieren, ohne Bezugnahme auf frühere Erwartungen. »Prince of Failure« ist nun eine offizielle kreative Partnerschaft zwischen Tompkins und Ortiz, eine gemeinsame Vision mit langfristigen Absichten.

»Prince of Failure« markiert eine bedeutende Veränderung in Daniel Tompkins' kreativer Welt. Geschrieben und entwickelt über mehrere Jahre mit Paul Ortiz (Chimp Spanner), zeichnet das Album eher einen langen inneren Prozess nach als einen einzelnen Moment der Inspiration. Das Material reflektiert über Neurodivergenz, Maskierung und das psychologische Gewicht eines Lebens, das nicht den Erwartungen entspricht - Themen, die sowohl die Erzählung als auch den Sound des Albums prägen. Der Prinz wird eher als Archetyp denn als Persona vorgestellt: ein Name für die innere Stimme, die durch Selbstzweifel, Perfektionismus und Fehlinterpretationen entsteht. Indem er sie definiert, gibt Tompkins ihr einen neuen Rahmen. Die Songs bewegen sich durch Zustände der Desorientierung, Isolation und Wiederholung, bevor sie zu einer ruhigeren Form der Akzeptanz gelangen. Der Schwerpunkt liegt auf der Beobachtung und nicht auf der Lösung. Musikalisch entwickelt das Album die Atmosphäre von Daniel Tompkins' früherem Solowerk in ein dunkleres, reflektierenderes Gebiet. Pauls raumgreifende Arrangements, elektronische Texturen und kraftvolle Gitarrenarbeit stehen neben dem intimen, engmaschigen Gesang und schaffen ein starkes Gefühl der Unmittelbarkeit, ohne die dynamische Bandbreite zu opfern, die mit Tompkins' progressivem Hintergrund und seiner Arbeit mit TesseracT verbunden ist. Das Tempo ist zurückhaltend und überlegt, mit Zwischenspielen und wiederkehrenden Motiven, die das Gefühl eines kontinuierlichen psychologischen Bogens verstärken. Die Entscheidung, das Album unter dem Namen »Prince of Failure« zu veröffentlichen, spiegelt die kollaborative Identität des Projekts wider und grenzt es von Tompkins' früheren Rollen ab. Es erlaubt dem Werk, unter eigenen Bedingungen zu existieren, ohne Bezugnahme auf frühere Erwartungen. »Prince of Failure« ist nun eine offizielle kreative Partnerschaft zwischen Tompkins und Ortiz, eine gemeinsame Vision mit langfristigen Absichten.

»The Best Of Judas Priest« bietet einen sorgfältig kuratierten Überblick über die beeindruckende Karriere der legendären Heavy-Metal-Band. Als Pioniere des Genres und prägende Kraft der Metal-Kultur haben Judas Priest seit ihrer Gründung im Jahr 1969 über 50 Millionen Alben verkauft und mit unvergesslichen Hymnen wie »Breaking The Law«, »You've Got Another Thing Comin'«, »Electric Eye«, »Turbo Lover« und »Painkiller« Musikgeschichte geschrieben. Diese Zusammenstellung, die alle Schaffensphasen der Band umfasst, eröffnet neuen Hörern einen idealen Zugang zum bleibenden Vermächtnis von Judas Priest. Gleichzeitig lädt sie langjährige Fans dazu ein, ihre Lieblingssongs der weltberühmten Rocklegenden in einer stimmigen Auswahl neu zu entdecken.

Supertramp veröffentlichen die definitiven Vinyl-Pressungen ihrer Studioalben. Das Tonmaterial von »Free As A Bird« wurde in den Abbey Road Studios von Miles Showell überarbeitet, wo auch das Masterband mit halber Geschwindigkeit geschnitten wurde, das für die Vinylpressung verwendet wurde. Die LP ist auf 180g schwerem schwarzem Vinyl gepresst. Es handelt sich um das neunte Studioalbum der Band, das 1987 erschien.

Supertramp veröffentlichen die definitiven Vinyl-Pressungen ihrer Studioalben. Das Tonmaterial von »Brother Where You Bound« wurde in den Abbey Road Studios von Miles Showell überarbeitet, wo auch das Masterband mit halber Geschwindigkeit geschnitten wurde, das für die Vinylpressung verwendet wurde. Die LP ist auf 180g-schwerem schwarzem Vinyl gepresst. Es handelt sich um das achte Studioalbum der Band, das 1985 erschien.

Die legendäre Rainbow, Ritchie Blackmores Post-Purple-Giganten, wird auf diesem hochkarätig besetzten Tribute-Album gebührend gefeiert! Mit Auftritten von nicht weniger als sechs Rainbow-Veteranen: Bob Daisley, Graham Bonnet, Don Airey, Joe Lynn Turner, Doogie White und Ronnie Romero! Darüber hinaus mit großartigen Beiträgen von Rock-/Metal-Größen wie Sebastian Bach und Steve Morse, den Glam-Rock-Helden Angel, Mike Tramp von White Lion, Rick Wakeman und vielen mehr. PLUS ein ganz besonderer Gastauftritt von Candice Night, der Sängerin von Blackmore's Night! Die Liner Notes stammen von Jason Myers von den Classic-Metal-Revivalisten Icarus Witch!

Die legendäre Rainbow, Ritchie Blackmores Post-Purple-Giganten, wird auf diesem hochkarätig besetzten Tribute-Album gebührend gefeiert! Mit Auftritten von nicht weniger als sechs Rainbow-Veteranen: Bob Daisley, Graham Bonnet, Don Airey, Joe Lynn Turner, Doogie White und Ronnie Romero! Darüber hinaus mit großartigen Beiträgen von Rock-/Metal-Größen wie Sebastian Bach und Steve Morse, den Glam-Rock-Helden Angel, Mike Tramp von White Lion, Rick Wakeman und vielen mehr. PLUS ein ganz besonderer Gastauftritt von Candice Night, der Sängerin von Blackmore's Night! Die Liner Notes stammen von Jason Myers von den Classic-Metal-Revivalisten Icarus Witch!

Up to now we felt that the Smell Of Female album was a little short to put on CD. However, now due to circumstances within our control we can reissue it on CD with the addition of live versions of "Beautiful Gardens" and "She Said" from the same gig, plus "Surfin' Dead" from the sound-track of the movie Return Of The Living Dead. So forget all previous short measure issues - this is the real thing.

Die legendäre Rainbow, Ritchie Blackmores Post-Purple-Giganten, wird auf diesem hochkarätig besetzten Tribute-Album gebührend gefeiert! Mit Auftritten von nicht weniger als sechs Rainbow-Veteranen: Bob Daisley, Graham Bonnet, Don Airey, Joe Lynn Turner, Doogie White und Ronnie Romero! Darüber hinaus mit großartigen Beiträgen von Rock-/Metal-Größen wie Sebastian Bach und Steve Morse, den Glam-Rock-Helden Angel, Mike Tramp von White Lion, Rick Wakeman und vielen mehr. PLUS ein ganz besonderer Gastauftritt von Candice Night, der Sängerin von Blackmore's Night! Die Liner Notes stammen von Jason Myers von den Classic-Metal-Revivalisten Icarus Witch!

»Placebo RE:CREATED« ist eine definitive Hommage zum 30-jährigen Jubiläum des selbstbetitelten Debütalbums der Band. Als »Director’s Cut« konzipiert, greift die Band bei diesem Projekt ihre Original-Masterbänder auf und betrachtet sie durch die Brille von drei Jahrzehnten Live-Auftritten. Die Veröffentlichung bringt das Album klanglich ins 21. Jahrhundert und vervollständigt die Vision des Albums, während seine ursprüngliche Integrität sorgfältig bewahrt wird. Es ist ein Gleichgewicht zwischen moderner Weiterentwicklung und Bewahrung; ein ausgefeiltes Statement zu dem Werk, mit dem alles begann. Heute sind Diskussionen um Identität, Geschlechtsausdruck und Individualität präsenter – und oft umstrittener – denn je. Vor diesem Hintergrund wirken die Anfänge von Placebos Debütalbum wieder erstaunlich relevant. »Placebo RE:CREATED« feiert nicht nur das Vermächtnis des Originalalbums, sondern unterstreicht auch seine anhaltende kulturelle Bedeutung und bekräftigt, wie fortschrittlich die Platte bei ihrer Veröffentlichung war. »Bei diesem Projekt ging es darum, das Album endlich fertigzustellen und es klanglich ins 21. Jahrhundert zu katapultieren, ohne dabei die Integrität und den Geist des Originals zu verlieren. Es geht nicht darum, es zu verbessern – es ist perfekt –, sondern darum, es zu vollenden. Als wir das erste Album aufnahmen, fehlte uns noch die Erfahrung und das Studio-Know-how, um unsere Visionen vollständig umzusetzen. Über die Jahre entwickelten die Songs auf der Bühne ein Eigenleben; sie wuchsen, entwickelten sich und vollendeten sich gewissermaßen von selbst. Es ist eine Hommage an unsere Anfänge und ein Schnittpunkt zwischen dem, was wir damals waren und dem, was wir heute sind; eine Möglichkeit, diese Unschuld zu ehren und den Songs gleichzeitig die Kraft, das Selbstvertrauen und die Energie der Band zu verleihen, die wir geworden sind.« Dreißig Jahre später kehrt Placebo mit »Placebo RE:CREATED« mit einer neuen Perspektive zu diesem wegweisenden Album zurück. Das neue Album enthält überarbeitete und erweiterte Versionen aller zehn Titel des Originalalbums sowie zwei Bonustracks der Originalveröffentlichung. Es fängt die Entwicklung dieser Songs über Jahrzehnte hinweg ein und bewahrt dabei ihren ursprünglichen, rohen Charakter. Zu den Titeln gehören die wegweisenden Singles »Nancy Boy« und »36 Degrees«, die Placebos Ruf für furchtlose Texte und genreübergreifenden Sound begründeten. Die neuen Aufnahmen verstärken die Dringlichkeit und die Attitüde, die die Originale so wirkungsvoll machten, und spiegeln gleichzeitig das Wachstum und die Erfahrung der Band seit ihrem Debüt wider. »Wir betrachten dieses Album als Director’s Cut. Wir haben es nicht komplett neu aufgenommen. Wir haben die Original-Masterbänder verwendet und 30 Jahre Live-Erfahrung mit diesen Songs in das Album einfließen lassen.« Das Album wurde von Brian Molko und Rob Kirwan anhand der Original-Masterbänder neu erstellt und von Adam Noble abgemischt. Das Ergebnis ist eine Sammlung, die die Unmittelbarkeit und den Trotz des Originals bewahrt und gleichzeitig den Sound in neue Gefilde führt – ein Spiegelbild sowohl der langen Geschichte der Band mit diesen Songs als auch ihrer kontinuierlichen kreativen Weiterentwicklung. Special German Limited Edition - 2LP-Deluxe-Edition mit dem Originalalbum »RE: CREATED« auf weißem 12"-Vinyl mit UV-Druck. Verpackt in einer dreiteiligen Gatefold-Hülle im Buchformat mit versteckter weißer 7"-Single.

  »A Date With Elvis« erschien ursprünglich 1986 auf Big Beat und ist ein absoluter Cramps-Klassiker, der seither ununterbrochen lieferbar war und Generationen von Musikfans mit dem einzigartigen musikalischen Voodoo der Cramps vertraut machte. Zum Sommer 2026 kehrt die heißgeliebte Ace-Pressung auf orangefarbenem Vinyl in die Plattenregale zurück. Nach dem Release ging die Band u. a. auf große Europa-Tour und spielte u. a. in Deutschland in restlos ausverkauften Hallen, wie z. B. dem Hyde Park in Osnabrück. Ein Gig, bei dem Sänger Lux Interior zwischenzeitlich mit Sauerstoff versorgt werden musste.

Das folkige Frühwerk des Kultmusikers erstmals auf CD.Der 1992 verstorbene Cellist, Sänger und Komponist Arthur Russell verband in seiner Musik Avantgarde, Dance und Pop. Er arbeitete mit so verschiedenen Künstlern wie dem Beat-Poeten Allen Ginsberg, Philip Glass und David Byrne zusammen. Ende der 1970er gelangen ihm sogar einige Underground-Disco-Hits, zu Lebzeiten hatte er aber fast nur in New Yorker Musikerkreisen einen Namen. Erst nach seinem Tod öffnete sich sein Werk einer größeren Öffentlichkeit. Weit gehend unbekannt war bisher, dass sich seine früheren Songs eher am Folk als an Beats orientierten. "Love Is Overtaking Me" ist eine Zusammenstellung einiger dieser frühen Aufnahmen aus dem umfangreichen Archiv des Künstlers, die CD kompiliert 21 bisher unveröffentlichte Demos und Lo-Fi-Aufnahmen von Pop-, Folk- und Countrysongs - darunter einige seiner zugänglichsten Titel. Parallel erscheint 2008 die Dokumentation "Wild Combination - A Portrait Of Arthur Russell" auf DVD.

Mit "The Gods Laugh" erreicht Alison Cotton einen neuen Grad an emotionaler Tiefe und klanglicher Klarheit. Das Album ist ein eindringliches Werk zwischen Folk, Drone und Minimalismus, getragen von Improvisation, Wiederholung und einer meditativen Offenheit. Ausgehend von langsam kreisenden Drones entfalten sich Stücke von großer innerer Spannung, die Raum für Intuition und Resonanz lassen. Entstanden in einer Phase persönlicher Umbrüche, wirkt The Gods Laugh zugleich fragil und kraftvoll.Alison Cotton arbeitet überwiegend mit akustischen Instrumenten - Viola, Harmonium, Klavier, Dulcimer, Recorder - ergänzt durch sparsame rhythmische und elektronische Akzente. Die meist in einem Take eingespielten Aufnahmen bewahren eine besondere Unmittelbarkeit. Das Album bestätigt Alison Cotton als eine der eigenständigsten Stimmen der zeitgenössischen britischen Folktradition - experimentell, erdverbunden und zutiefst berührend.

»The Diary« von Scarface kehrt zum ersten Mal seit 2014 auf Vinyl zurück, jetzt erweitert auf einer Doppel-LP und mit dem bisher unveröffentlichten Bonustrack »Ease Up Now«. Neu gemastert, enthält diese definitive Ausgabe das Original-Artwork von 1994, das von dem gefeierten Designer Mr. Krum sorgfältig für Vinyl restauriert wurde. Mit Fan-Lieblingen wie »No Tears« und »I Seen a Man Die« präsentiert sich dieser Platin-zertifizierte Klassiker mit verbessertem Sound und einem erweiterten Format und ist damit die bisher umfangreichste Ausgabe. Ursprünglich am 18. Oktober 1994 veröffentlicht, debütierte »The Diary« auf Platz 2 der Billboard 200 Album Charts und war damit eine der kommerziell erfolgreichsten Veröffentlichungen von Scarface. Die Exclusive Indie Edition auf rotem Vinyl mit 8x10 Hochglanzeinleger enthält Bonus Track »Ease Up Now«.

»The Diary« von Scarface kehrt zum ersten Mal seit 2014 auf Vinyl zurück, jetzt erweitert auf einer Doppel-LP und mit dem bisher unveröffentlichten Bonustrack »Ease Up Now«. Neu gemastert, enthält diese definitive Ausgabe das Original-Artwork von 1994, das von dem gefeierten Designer Mr. Krum sorgfältig für Vinyl restauriert wurde. Mit Fan-Lieblingen wie »No Tears« und »I Seen a Man Die« präsentiert sich dieser Platin-zertifizierte Klassiker mit verbessertem Sound und einem erweiterten Format und ist damit die bisher umfangreichste Ausgabe. Ursprünglich am 18. Oktober 1994 veröffentlicht, debütierte »The Diary« auf Platz 2 der Billboard 200 Album Charts und war damit eine der kommerziell erfolgreichsten Veröffentlichungen von Scarface.  

Vier Jahre nach ihrem gefeierten Debüt »International Love Affair« kehrt Tigerbalm (Rose Robinson) mit dem aufregend kaleidoskopischen Album »Bubblegum Discos« zu Ubiquity Records zurück. Als mutige Weiterentwicklung ihres global geprägten Nu-Disco-Sounds spiegelt das Album ein neu gewonnenes Selbstbewusstsein wider sowie den Wunsch, mit handverlesenen Musikern und Sängern aus aller Welt zusammenzuarbeiten. In lebhaften Klangfarben gehalten, präsentiert »Bubblegum Discos« Tigerbalms zwei große musikalische Leidenschaften: die brasilianische Musikkultur und Vintage-Dancefloor-Hits vom afrikanischen Kontinent, angereichert mit Anspielungen auf Italo-Disco, Proto-House und Soca. Die erste Hälfte des Albums ist stark von südamerikanischen Einflüssen geprägt. »Nayar«, entstanden in Zusammenarbeit mit Giorgio Lopez aus Neapel, macht den Anfang mit leicht vom Reggaeton inspiriertem Nu-Disco, gefolgt vom brasilianischen Disco-Rausch von »Diga Me« und dem luftigen Samba-Disco von »Vera En Paraty«. Robinson liefert ihren allerersten Leadgesang auf dem teilweise improvisierten Neo-Boogie-Track »Coco Makoko«. Das Album wendet sich dann Afrika zu, mit herausragenden Beiträgen von Andre Espeut, der in Montreal lebenden haitianischen Sängerin Waahli auf dem hornlastigen »Do Da Soca« und dem Afrobeats-Sänger Idd Aziz auf dem körperbetonten »Afro-Disco«. Der Abschluss »Conga« rundet das Ganze mit schweren, afrozentrischen Disco-Rhythmen und tiefem Dub-Bass ab. Actiongeladen und makellos produziert: »Bubblegum Discos« ist der Sound einer Künstlerin, die ihr frühes Versprechen mehr als nur einhält.

»I Was Walkin' Through The Woods« versammelt Buddy Guys frühe Aufnahmen für Chess Records - alle aufgenommen in den frühen 1960er Jahren. Diese Sammlung hebt die glühende Gitarrenarbeit hervor, die zeigt, warum Guy einer der talentiertesten Bluesmusiker der neuen Generation in Chicago war. Zu den wichtigsten Titeln gehören »First Time I Met The Blues« und »I Found A True Love«. Holen Sie sich den Sound von Amerikas größtem Blues-Label in High Fidelity mit der Chess Records Acoustic Sounds Series nach Hause. Diese audiophilen Neuauflagen klassischer Alben und Compilations aus der Chess-Diskografie wurden von den analogen Originalbändern remastert und bei Quality Record Pressings (QRP) auf 180-Gramm-Vinyl gepresst. Jede Scheibe ist in einer auf hochwertigem Karton gedruckten Klapphülle verpackt.

Das Album Real Folk Blues von John Lee Hooker aus dem Jahr 1966 ist das letzte von mehreren Real-Folk-Blues-Alben von Chess Records, die 2026 als Teil der Chess Records 75 Series von Chess Records und Acoustic Sounds neu aufgelegt werden. Während die übrigen LPs der Serie von Muddy Waters, Howlin' Wolf und anderen Kompilationen älterer Aufnahmen waren, wurde das Hooker-Album im Mai 1966 in Chicago neu aufgenommen. Hooker zeigte sich in seiner unnachahmlichen Spontaneität, überarbeitete einige seiner älteren Songs und improvisierte neue, begleitet von seinem Detroiter Gitarristen Eddie Burns und den Chicagoer Sidemen Lafayette Leake und S. P. Leary.

»The Best Of Judas Priest« bietet einen sorgfältig kuratierten Überblick über die beeindruckende Karriere der legendären Heavy-Metal-Band. Als Pioniere des Genres und prägende Kraft der Metal-Kultur haben Judas Priest seit ihrer Gründung im Jahr 1969 über 50 Millionen Alben verkauft und mit unvergesslichen Hymnen wie »Breaking The Law«, »You've Got Another Thing Comin'«, »Electric Eye«, »Turbo Lover« und »Painkiller« Musikgeschichte geschrieben. Diese Zusammenstellung, die alle Schaffensphasen der Band umfasst, eröffnet neuen Hörern einen idealen Zugang zum bleibenden Vermächtnis von Judas Priest. Gleichzeitig lädt sie langjährige Fans dazu ein, ihre Lieblingssongs der weltberühmten Rocklegenden in einer stimmigen Auswahl neu zu entdecken.

Anlässlich des 20-jährigen Jubiläums von „Show Your Bones“ wurde das Album als „RSD Essentials“-Titel ausgewählt und in den Farben Magenta, Gelb und Lila neu auf Vinyl gepresst, wobei die Farbgebung dem Cover-Design nachempfunden ist.

Anlässlich des 20-jährigen Jubiläums von AFIs siebtem Album „DECEMBERUNDERGROUND“ ist dieses Kultalbum nun zum ersten Mal seit 2006 wieder auf Vinyl erhältlich. Die Neuauflage bildet die Original-LP originalgetreu in einem Gatefold-Cover nach und enthält alle 12 Titel, darunter den Hit „Miss Murder“.   „DECEMBERUNDERGROUND ist eine Zeit und ein Ort. Es ist der Ort, an dem sich die Kälte in Dunkelheit und Isolation zusammenkauern kann. Es ist eine Gemeinschaft der Entfremdeten und Desillusionierten, die wie der Winter in die Tiefen unterhalb der übrigen Welt flüchten, um dort Liebe zu finden.“ – Davey Havok

  Translate »Sermon of Mockery« von Pyrexia ist kein Album, das versucht, zugänglich zu sein - es ist darauf ausgelegt, schwer, direkt und beunruhigend zu sein, und genau das liefert es auch. Es wurde 1993 veröffentlicht, mitten in einem Schlüsselmoment, als sich der amerikanische Death Metal zu etwas Technischerem und Extremerem entwickelte. Der Sound ist in der New Yorker Szene verwurzelt: dichtes, kompaktes Riffing, konstante Stop-and-Go-Strukturen, aggressives Schlagzeugspiel und tiefer, gutturaler Gesang, der keinen Platz für Melodien lässt. Es geht nicht nur um Geschwindigkeit, sondern auch um Kontrolle - alles wirkt durchdacht, fast chirurgisch, wie die Songs aufgebaut sind. Textlich dreht sich das Album um ein stark blasphemisches und antichristliches Thema. Es geht nicht nur um Schockeffekte, sondern eher um eine umgekehrte Liturgie, in der religiöse Symbole in etwas Dunkles und Gewalttätiges verwandelt werden. Dieses Konzept zieht sich durch die gesamte Musik, die Texte und das Bildmaterial, wie Sie im Booklet sehen können. Auch wenn es kein Mainstream-Merkmal ist, spielte es eine Schlüsselrolle bei der Entwicklung des brutalen Death-Metal-Sounds, der darauf folgte. Es hat viele Underground-Bands beeinflusst und gilt noch heute als Kultplatte. Wenn man sich das Album heute anhört, mag sich die Produktion veraltet anfühlen, aber das ist auch Teil ihrer Stärke - sie ist roh, ehrlich und kompromisslos. Kurz gesagt, es ist ein Album, das eine bestimmte Ära und Mentalität innerhalb des Genres perfekt einfängt.

Michael J. Sheehy macht seit fast drei Jahrzehnten Platten, zunächst als Gründer und Sprachrohr der Mitte der 90er Jahre gegründeten Kultband Dream City Film Club, dann als Solokünstler und Frontmann der Roots-Garagen-Rockband Miraculous Mule. Er tourte mit Künstlern wie Kristin Hersh, Tindersticks, John Cale und Peter Murphy, und seine Songs wurden in Filmen wie »Intimacy« und der Fernsehserie »Deadwood« verwendet. Nach einer sechsjährigen Pause hat Sheehy gerade »Don't We Deserve Some Kind of Love?« veröffentlicht, sein siebtes Soloalbum und das erste für Dimple Discs. »Don't We Deserve Some Kind Of Love?« enthält Beiträge von Fiona Brice (Violine), Sandy Mill (Backgroundgesang), Ian Burns (Schlagzeug) und Patrick McCarthy (Gitarre). Das Album wurde über einen Zeitraum von fünf Jahren zu Hause aufgenommen, während Sheehy Hausmann war und abends in einer Bar in Camden, Nordlondon, arbeitete.

Karates trotziges und letztes Studioalbum rundet eine 12-jährige Diskografie ab, die von harDCore-artiger Katharsis bis hin zu feedbackgesättigten Improvisationen reicht. Dieser Klassiker aus dem Jahr 2004 verzichtete auf die Friendster-Migration zugunsten eines zurück zum Wesentlichen gerichteten Songwritings, das von Jazzphrasierungen und beatinspirierter Lyrik durchdrungen ist. Mit Chris Brokaw, dem Gitarristen von Codeine / Come, wurde »Pockets« von den originalen Analogbändern neu gemastert und kommt in einer Deluxe-Hülle mit reproduzierten Songtexten.

Diese Tracks erinnern an Avantgarde-Künstler wie Coil und Tuxedomoon, die elektronische Musik mit Streichinstrumenten mischen und Instrumentalkompositionen mit Acid-Club-Einflüssen verbinden. 2019 veröffentlichte La Volte The Furtives, den neuesten Roman des Science-Fiction-Autors Alain Damasio. Anlässlich dieser Veröffentlichung lud Damasio die Band Palo Alto ein, mit ihm auf der Bühne des Literaturfestivals Oh les beaux jours! im La Criée - Théâtre national de Marseille aufzutreten. Was zunächst als einmaliger Auftritt geplant war, führte zu einer mehrtägigen Tournee durch Frankreich. Jetzt hat Palo Alto acht Künstler eingeladen, die für die Show komponierten Stücke neu zu mischen: Ptôse, Pacific 231, Judith Juillerat, Herb Duncan, Norscq, Thierry Zaboitzeff, Lefdup & Lefdup, und Electronicat. Die Tracks versammeln das Beste aus der französischen Underground-Musikszene und erinnern an Avantgarde-Künstler wie Coil und Tuxedomoon, indem sie elektronische Musik mit Streichinstrumenten und instrumentale Kompositionen mit Acid-Club-Einflüssen vermischen. Sie werden auf Vinyl in einem Gatefold-Cover mit einem Artwork von Kiki Picasso (ex-Bazooka) und als Digipak-CD erhältlich sein. Im Inneren der Klapphülle stellt ein exklusiver Text von Alain Damasio das Projekt vor. Mastering durch Norscq. Palo Alto ist eine französische Band, die in den späten 1980er Jahren in Paris gegründet wurde. Sie haben ein Dutzend Alben aufgenommen und mehrere Projekte mit Gastmusikern wie Scanner, Simon Fisher Turner, Ramuntcho Matta, J. G. Thirlwell / Foetus, Richard Pinhas und dem New Yorker Trompeter Rhys Chatham entwickelt. Sie trugen zu einem Tribute-Album für John Balance / Coil bei und baten ein Dutzend Künstler, "Half-Mute", das Debütalbum von Tuxedomoon, mit den ursprünglichen Mitgliedern der amerikanischen Band (Steven Brown, Blaine L. Reininger und Peter Principle) neu zu interpretieren. 2018 wurden sie von der kalifornischen Band The Residents ausgewählt, um an einem Coveralbum mitzuwirken, das auf Cherry Red Records veröffentlicht wurde. Ihr letztes Album, das dem Philosophen Gilles Deleuze gewidmet ist, wurde 2020 auf dem belgischen Label Sub Rosa veröffentlicht.

John Ringhofer, der Mann hinter Half-Canded Cloud, ist ebenso fröhlich und genügsam wie seine Musik. Als sparsamer Mensch zieht Ringhofer die U-Bahn dem Taxi vor, recycelt Plastik, macht sich zwanghaft Notizen und ist ein geborener Optimist. Half-Canded Cloud begann 1999 als Heimstudio-Projekt in Chattanooga, Tennessee. Ringhofer lebte später über ein Jahrzehnt lang in der kalifornischen Bay Area (wo er als Teilzeit-Hausmeister arbeitete), bevor er 2015 mit seiner jungen Familie nach Helsinki, Finnland, zog, um die linguistische Forschung seiner Frau zu unterstützen. Half-Canded Cloud versteht es, komplexe theologische Konzepte in eingängige und erhabene Kinderlieder zu verpacken, die sich weder ihrem Thema noch ihrem Zuhörer herablassend nähern.

• Begleittext vom legendären Musiker, Autor und Compiler Lenny Kaye (Patti Smith, Nuggets) • Das Booklet enthält bisher unveröffentlichte Fotos und Raritäten • Das Cover wurde restauriert und auf ein Gatefold-Cover erweitert • Neu remastert • Platz 5 auf Kurt Cobains Liste der 50 Lieblingsalben 1968 schnappten sich drei Schwestern aus Fremont, New Hampshire, ihre Instrumente und nannten sich "The Shaggs". In diesem Moment begann eine eigentümliche Geschichte, die weit über die fünfjährige Existenz der Gruppe hinausreichen sollte. Dot, Betty und Helen (und gelegentlich Rachel, die vierte Schwester) spielten in der Gruppe auf Drängen ihres Vaters, Austin Wiggin Jr., der überzeugt war, dass sie groß rauskommen würden. Jahre zuvor hatte Austins Mutter ihm aus der Hand gelesen und vorausgesagt, dass ihr Sohn eine strohblonde Frau heiraten würde, dass er nach dem Tod seiner Mutter zwei Söhne bekommen würde und dass seine Töchter eine beliebte Musikgruppe gründen würden. Die ersten beiden Vorhersagen traten ein, also war Austin sicher, dass auch die dritte eintreffen würde. Mit unerschütterlichem Selbstvertrauen und der kühnen Vorhersage seiner Mutter beschloss Austin, dass seine Töchter auf den Besuch der örtlichen Highschool verzichten und stattdessen zu Hause unterrichtet werden sollten, unterbrochen von einem strengen Programm aus Instrumental- und Gesangsübungen sowie Jumping Jacks und Sit-ups. Bald darauf betraten The Shaggs die Fleetwood Recording Studios in Revere, Massachusetts, um ihr einziges Album ,Philosophy Of The World" aufzunehmen, eine Sammlung von Garage-Rock-Songs, die Charme und Dissonanz gleichermaßen in Einklang brachten. Austin gab den Großteil seiner Ersparnisse nicht nur für die Aufnahmen aus, sondern auch für die Produktionskosten, um 1.000 Exemplare des Albums zu pressen (von denen 900 nach Fertigstellung auf mysteriöse Weise verschwanden). Im gesamten Album werden einfache Wahrheiten durch die Feder von Schwester Dot, der Songwriterin der Band, offenbart. Die Reichen wollen das, was die Armen haben, genauso wie die Armen das wollen, was die Reichen haben. Deine Eltern lieben dich. In der Nähe liegt Glück und in der Ferne Traurigkeit. Das Album erfüllte Austins Erwartungen an den Rockstar-Ruhm nicht, doch die Gruppe blieb bis zum Tod ihres Vaters zusammen und trat regelmäßig im Rathaus von Fremont und in einem örtlichen Pflegeheim auf; weitere Alben wurden jedoch nicht veröffentlicht. Das hätte das Ende sein können, bis die Rockband NRBQ eine Kopie bei einem Radiosender in Massachusetts entdeckte und sie 1980 neu veröffentlichte. Der damalige Rezensent des Rolling Stone beschrieb es als »die atemberaubend schrecklichste wunderbare Platte, die ich seit Ewigkeiten gehört hab«. Fast 50 Jahre später zählt das Album zu den polarisierendsten LPs aller Zeiten. Manche sagten, es sei das Schlimmste, was je produziert wurde. Andere empfanden es als eines der großartigsten Langspielalben des 20. Jahrhunderts. Frank Zappa bezeichnete die Band bekanntlich als »besser als die Beatles«, während Kurt Cobain das Album auf Platz 5 seiner Liste der 50 Lieblingsalben setzte. Originalausgaben des Albums erzielen Preise von 10.000 Dollar. Jahrzehnte später könnte man argumentieren, dass Austin vielleicht die ganze Zeit recht hatte. Wir sind alle hier und immer noch fasziniert von der Reinheit der Shaggs.

Tauro ist das Gemeinschaftsprojekt unter der Leitung der in Toronto ansässigen Künstlerin Cynthia Tauro, das in enger kreativer Zusammenarbeit mit Brendan Canning von Broken Social Scene entstanden ist. Was als informelle Songwriting-Sessions im Wohnzimmer begann, entwickelte sich organisch zu einem fokussierten Werk, das auf Vertrauen, einer gemeinsamen musikalischen Sprache und dem bewussten Verzicht auf das Überdenken der »nächsten Schritte« basiert. Das Projekt ist bewusst schlank gehalten, wobei Entscheidungen im Raum bleiben und die Musik den Prozess leitet. Act One verbindet emotional direkte Pop-Songwriting-Elemente mit jazzbeeinflussten Harmonien, synthgetriebenen Texturen und zurückhaltenden rhythmischen Experimenten. Beeinflusst von Künstlern wie Air, Sade, Carole King und Tracey Thorn, schaffen die Songs ein Gleichgewicht zwischen Intimität und Vorwärtsbewegung, geprägt von jüngsten persönlichen Umbrüchen und dem gemeinsamen Interesse, der natürlichen Richtung jedes Songs zu folgen, anstatt einen vorbestimmten Sound zu erzwingen. Die Produktion ist songorientiert und explorativ, sodass Textur und Arrangement intuitiv entstehen können. Mit Beiträgen von bewährten Mitwirkenden wie Thom D'Arcy, Kintaro Akiyama, Moose (Spencer Muscio) und Josh Trager verfügt das Album über eine starke kreative Herkunft, während es sich weiterhin auf Cynthias Stimme und Perspektive konzentriert. Die frühe Unterstützung durch Trendsetter wie KEXP, KCRW und CBC Radio Canada signalisiert Entdeckungspotenzial und positioniert TAURO als modernes, songwriterorientiertes Projekt mit langfristigem Entwicklungspotenzial statt als einmalige Zusammenarbeit.

Anlässlich des 30-jährigen Jubiläums von Jamiroquais wohl ikonischstem Titel erscheint „Virtual Insanity“ als 12-Zoll-Single auf farbigem Vinyl. Die Vinyl-Single übernimmt die Titelliste der ursprünglichen 12-Zoll-Veröffentlichung und wird auf transparent-gelbem Vinyl gepresst – passend zum atemberaubenden, originalen gelben „Buffalo Man“-Cover.

Earth-o-Naut ist ein Songwriter, Schlagzeuger, Musiker und Produzent. Er wurde in Liverpool geboren und wuchs in einer seiner Satellitenstädte, Skelmersdale, auf. Er wurde von seiner Mutter und seinen Onkeln mit Musik aus allen Genres großgezogen und verliebte sich in den Groove und das Handwerk des Songwritings und staunte darüber. Daran hat sich bis zum heutigen Tag nichts geändert.

Mit »The Red Book« legen Penguin Cafe eine neu kuratierte und erweiterte Wiederauflage ihres von Fans und Kritikern gefeierten Albums aus dem Jahr 2014 vor. Die Edition präsentiert erstmals auf Vinyl die bislang nur digital bzw. auf CD verfügbare Komposition »And Yet...« sowie zwei zusätzliche Stücke der limitierten Umbrella EP. Veröffentlicht wird das Re-Issue als limitierte, transluzente Vinylpressung und als CD - beide mit überarbeitetem Artwork von Studio Torsten Posselt, das auf einer Originalzeichnung der Bildhauerin Emily Young basiert, der Partnerin von Simon Jeffes. Gegründet 2009 von Arthur Jeffes, führt Penguin Cafe die Idee seines Vaters Simon Jeffes - des Gründers des legendären Penguin Cafe Orchestra - kongenial weiter. »The Red Book« erforscht musikalische Welten zwischen Vertrautheit und Fremde und verbindet »apollinisch«-sanfte, sphärische Klangräume mit »dionysisch«-impulsiven, folkartigen Stücken. Tracks wie »1420«, »Aurora«, »Odeon« oder »Black Hibiscus« demonstrieren diese stilistische Bandbreite in poetischer Klarheit. Eine faszinierende, warmherzige, tief musikalische Reise - und laut Brian Eno ein Projekt, das »einen einzigartigen Platz in der Musik einnimmt«. Ein unverzichtbares Re-Issue für Fans moderner Neoklassik, art-pop-affiner Akustikmusik und zeitloser Klangarchitektur. Mit The Red Book legen Penguin Cafe eine neu kuratierte und erweiterte Wiederauflage ihres von Fans und Kritikern gefeierten Albums aus dem Jahr 2014 vor. Die Edition präsentiert erstmals auf Vinyl die bislang nur digital bzw. auf CD verfügbare Komposition "And Yet..." sowie zwei zusätzliche Stücke der limitierten Umbrella EP. Veröffentlicht wird das Re-Issue als limitierte, transluzente Vinylpressung und als CD - beide mit überarbeitetem Artwork von Studio Torsten Posselt, das auf einerOriginalzeichnung der Bildhauerin Emily Young basiert, der Partnerin von Simon Jeffes. Gegründet 2009 von Arthur Jeffes, führt Penguin Cafe die Idee seines Vaters Simon Jeffes - des Gründers des legendären Penguin Cafe Orchestra - kongenial weiter. The Red Book erforscht musikalische Welten zwischen Vertrautheit und Fremde und verbindet "apollinisch"-sanfte, sphärische Klangräume mit "dionysisch"-impulsiven, folkartigen Stücken. Tracks wie 1420, Aurora, Odeon oder Black Hibiscus demonstrierendiese stilistische Bandbreite in poetischer Klarheit. Eine faszinierende, warmherzige, tief musikalische Reise - und laut Brian Eno ein Projekt, das "einen einzigartigen Platz in der Musik einnimmt". Ein unverzichtbares Re-Issue für Fans moderner Neoklassik, art-pop-affiner Akustikmusik und zeitloser Klangarchitektur.

Das Debütalbum »This Is Just the Beginning« von Kill Your Idols versammelt die frühen Aufnahmen der Band, darunter auch die ursprüngliche Kill Your Idols 12". Das Album fängt die rohe Intensität und den DIY-Ethos der Band ein und festigt ihren Platz in der New Yorker Hardcore-Szene der späten 90er Jahre. Dieses Album wurde zur Blaupause für ihren schnörkellosen Highspeed-Hardcore-Sound, der unzählige Bands beeinflussen sollte.