Seit 2013 treiben High Priest Of Saturn ihr Unwesen. Mit ihrem Debut verbreiteten sie ihren düsteren Stoner / Doom mit Echo getränkten Vocals und Hammond Orgel bereits eindrucksvoll. Als würden sich Acid King und Blood Ceremony sich irgendwo im fernen Kosmos begegnen. Zweieinhalb Jahre später sind sie zurück mit einem fest integrierten Keyboarder und einem eher Vintage / Psych-Rock Anspruch. »Son of Earth and Sky« wurde live und ohne viele Overdubs in den Brygga Lydstudio Trondheim eingespielt. Der Band war die Herangehensweise sehr wichtig: »The songwriting has been more of a collaborative effort this time, with everybody in the band participating to some extent. This, in addition to recording the tracks live and being able to play off each other and improvise some parts, has given the whole thing a more dynamic feel than the debut.« Ihren Hang zum epischen haben sie keinesfalls verloren. Drei der insgesamt fünf Stücke knacken die 9 Minuten Marke und zeigen eine Band, die sich auf ihre Stärken konzentriert hat und einen befreiten und schnörkellosen Blick auf die 60er und 70er Jahre wirft. Passend dazu zeigt das Artwork, das man es hier mit einem durchdachten Gesamtpaket zu tun hat.

Seit 2013 treiben High Priest Of Saturn ihr Unwesen. Mit ihrem Debut verbreiteten sie ihren düsteren Stoner / Doom mit Echo getränkten Vocals und Hammond Orgel bereits eindrucksvoll. Als würden sich Acid King und Blood Ceremony sich irgendwo im fernen Kosmos begegnen. Zweieinhalb Jahre später sind sie zurück mit einem fest integrierten Keyboarder und einem eher Vintage / Psych-Rock Anspruch. »Son of Earth and Sky« wurde live und ohne viele Overdubs in den Brygga Lydstudio Trondheim eingespielt. Der Band war die Herangehensweise sehr wichtig: »The songwriting has been more of a collaborative effort this time, with everybody in the band participating to some extent. This, in addition to recording the tracks live and being able to play off each other and improvise some parts, has given the whole thing a more dynamic feel than the debut.« Ihren Hang zum epischen haben sie keinesfalls verloren. Drei der insgesamt fünf Stücke knacken die 9 Minuten Marke und zeigen eine Band, die sich auf ihre Stärken konzentriert hat und einen befreiten und schnörkellosen Blick auf die 60er und 70er Jahre wirft. Passend dazu zeigt das Artwork, das man es hier mit einem durchdachten Gesamtpaket zu tun hat.

STORMKEEP, 2017 in Denver, Colorado gegründet, haben sich zu einer der Speerspitzen des zeitgenössischen Symphonic Black Metal entwickelt. Von Anfang an zeichnet sich die Musik der Band durch ein klares Identitätsgefühl aus: melodisch, atmosphärisch und tief in der klassischen Tradition des Genres verwurzelt, gleichzeitig geprägt von ihrer eigenen, fantasievollen Welt und ihrem erzählerischen Ansatz. Ihre erste offizielle Veröffentlichung, die EP „Galdrum“, erschien 2020 und etablierte STORMKEEP schnell als Band mit einer unverwechselbaren Vision. Ein Jahr später erweiterte ihr Debütalbum „Tales Of Othertime“ diese Welt weiter, brachte der Band große Anerkennung in der internationalen Black-Metal-Underground-Szene ein und katapultierte sie unter die vielversprechendsten Newcomer des Genres. Nun bei Vesperian Records unter Vertrag, kehren STORMKEEP mit ihrem zweiten Album „The Nocturnes Of Iswylm“ zurück. Die Platte setzt die Geschichte von „Tales Of Othertime“ fort und entwickelt die von der Band selbst als Black-Metal-Symphonie bezeichnete Musik weiter: eine Mischung aus Erhabenheit, mittelalterlicher Atmosphäre und fantastischem Storytelling, getragen von präzisem Songwriting und einem starken Sinn für den jeweiligen Ort.

STORMKEEP, 2017 in Denver, Colorado gegründet, haben sich zu einer der Speerspitzen des zeitgenössischen Symphonic Black Metal entwickelt. Von Anfang an zeichnet sich die Musik der Band durch ein klares Identitätsgefühl aus: melodisch, atmosphärisch und tief in der klassischen Tradition des Genres verwurzelt, gleichzeitig geprägt von ihrer eigenen, fantasievollen Welt und ihrem erzählerischen Ansatz. Ihre erste offizielle Veröffentlichung, die EP „Galdrum“, erschien 2020 und etablierte STORMKEEP schnell als Band mit einer unverwechselbaren Vision. Ein Jahr später erweiterte ihr Debütalbum „Tales Of Othertime“ diese Welt weiter, brachte der Band große Anerkennung in der internationalen Black-Metal-Underground-Szene ein und katapultierte sie unter die vielversprechendsten Newcomer des Genres. Nun bei Vesperian Records unter Vertrag, kehren STORMKEEP mit ihrem zweiten Album „The Nocturnes Of Iswylm“ zurück. Die Platte setzt die Geschichte von „Tales Of Othertime“ fort und entwickelt die von der Band selbst als Black-Metal-Symphonie bezeichnete Musik weiter: eine Mischung aus Erhabenheit, mittelalterlicher Atmosphäre und fantastischem Storytelling, getragen von präzisem Songwriting und einem starken Sinn für den jeweiligen Ort.

STORMKEEP, 2017 in Denver, Colorado gegründet, haben sich zu einer der Speerspitzen des zeitgenössischen Symphonic Black Metal entwickelt. Von Anfang an zeichnet sich die Musik der Band durch ein klares Identitätsgefühl aus: melodisch, atmosphärisch und tief in der klassischen Tradition des Genres verwurzelt, gleichzeitig geprägt von ihrer eigenen, fantasievollen Welt und ihrem erzählerischen Ansatz. Ihre erste offizielle Veröffentlichung, die EP „Galdrum“, erschien 2020 und etablierte STORMKEEP schnell als Band mit einer unverwechselbaren Vision. Ein Jahr später erweiterte ihr Debütalbum „Tales Of Othertime“ diese Welt weiter, brachte der Band große Anerkennung in der internationalen Black-Metal-Underground-Szene ein und katapultierte sie unter die vielversprechendsten Newcomer des Genres. Nun bei Vesperian Records unter Vertrag, kehren STORMKEEP mit ihrem zweiten Album „The Nocturnes Of Iswylm“ zurück. Die Platte setzt die Geschichte von „Tales Of Othertime“ fort und entwickelt die von der Band selbst als Black-Metal-Symphonie bezeichnete Musik weiter: eine Mischung aus Erhabenheit, mittelalterlicher Atmosphäre und fantastischem Storytelling, getragen von präzisem Songwriting und einem starken Sinn für den jeweiligen Ort.

Das Demo-Album der Pop-Punk-Superstars Blink-182, das ihren kometenhaften Aufstieg in die Stratosphäre der Mainstream-Musik einleitete. Diese rohen, frühen Aufnahmen zeigen die ganze Leidenschaft und den Elan des Songwriter-Duos Tom DeLonge und Mark Hoppus!

»Metallic K. O.« wurde erstmals 1976 veröffentlicht und war das vierte Album von Iggy & The Stooges, eine klassische, denkwürdige Aufnahme des konfrontativen letzten Auftritts der Stooges. Die Stooges hatte man seit »Raw Power« von 73 nicht mehr gehört, und der Sound von Kamikaze-Iggy, der zwischen neuen Songs Eiern und Gläsern auswich, die von den Hell's Angels geworfen wurden, verschaffte ihm ein neues Publikum in der noch jungen Punk-Szene. Es definierte Iggy als Punk-Urgestein, verkaufte sich über 100.000 Mal und wurde zum bestverkauften Album der Stooges. Jetzt wurde es auf den exakten Originalschnitt reduziert, der so viele schockierte und inspirierte. Beim Remastering von den Originalbändern wurde ein Fehler in der ursprünglichen Bandgeschwindigkeit gefunden - jetzt kann das Album in der richtigen Tonhöhe gehört werden! Wie Lester Bangs sagte: »Es ist das einzige Rockalbum, das ich kenne, bei dem man tatsächlich hören kann, wie Bierflaschen gegen die Gitarrensaiten prallen«. Das Originalalbum von 1976 (remastered) auf einer CD mit einem 12-seitigen Booklet, das die ganze Geschichte erzählt. Zu dieser Zeit verkaufte es die ersten drei Stooges-Alben. Iggy & The Stooges haben fast 30 Jahre lang nicht mehr gespielt.

»Gargoyle of the Garden State« ist das Solodebüt von Rachel Bolan, Bassist, Songwriter und Mitgründer von Skid Row. Nach über 40 Jahren, in denen er den Sound und die Attitüde der Band maßgeblich geprägt hat, tritt Bolan nun unter dem Namen »Bolan« mit seinem ersten Soloalbum und komplett neuem Material in den Vordergrund. Produziert wurde das Album vom mehrfachen Grammy-Preisträger Nick Raskulinecz (u. a. Foo Fighters, Rush, Alice in Chains, Skid Row). Auf elf Songs verbindet »Gargoyle of the Garden State« energiegeladenen Punk Rock mit eingängigen Hooks, starken Melodien und viel Attitüde. Unterstützt wird Bolan von zahlreichen Freunden und Weggefährten, darunter seine Skid Row-Bandkollegen Dave »Snake« Sabo, Scotti Hill und Rob Hammersmith sowie Corey Taylor, Danko Jones, Nuno Bettencourt, Damon Johnson und Steve Conte. »Gargoyle of the Garden State« ist laut, direkt und authentisch, entstanden aus der Idee, gemeinsam mit Freunden Musik zu machen und dabei eine gute Zeit zu haben. »›Gargoyle of the Garden State‹ is not a project, it is every bit of my soul«, sagt Bolan. »Like me, it knows when to be serious and also knows where the party is.«

Der gefeierte Künstler Fruit Bats kündigt die bevorstehende Veröffentlichung seines brandneuen Albums »The Landfill« über Merge Records an. Es zeigt den Grammy-nominierten Singer-Songwriter Eric D. Johnson (der unter dem Namen Fruit Bats auftritt) in einer äußerst produktiven Phase nach seinem von der Kritik gefeierten, intimen Fruit-Bats-Soloalbum »Baby Man« aus dem Jahr 2025. »The Landfill« ist eines der lebendigsten Alben mit voller Bandbesetzung im beliebten Fruit-Bats-Katalog. Der Albumtitel greift ein vertrautes Merkmal der Landschaft im Mittleren Westen auf, in der Johnson aufgewachsen ist: die stillen Hügel, die sich unerwartet aus dem ansonsten flachen Gelände erheben. Für Johnson wurden diese Orte zu einer kraftvollen Metapher. »The Landfill« stellt sich vor, auf einem gewaltigen Berg aus Geschichte – persönlicher, emotionaler und kultureller – zu stehen und von diesem ungewöhnlichen Aussichtspunkt aus zu überblicken, was vor einem liegt. Das Ergebnis ist ein Album, das sich mit Erinnerung, Folgen und Möglichkeiten beschäftigt, auf dem die Trümmer der Vergangenheit zum Boden werden, aus dem neue Visionen entstehen.

Der gefeierte Künstler Fruit Bats kündigt die bevorstehende Veröffentlichung seines brandneuen Albums »The Landfill« über Merge Records an. Es zeigt den Grammy-nominierten Singer-Songwriter Eric D. Johnson (der unter dem Namen Fruit Bats auftritt) in einer äußerst produktiven Phase nach seinem von der Kritik gefeierten, intimen Fruit-Bats-Soloalbum »Baby Man« aus dem Jahr 2025. »The Landfill« ist eines der lebendigsten Alben mit voller Bandbesetzung im beliebten Fruit-Bats-Katalog. Der Albumtitel greift ein vertrautes Merkmal der Landschaft im Mittleren Westen auf, in der Johnson aufgewachsen ist: die stillen Hügel, die sich unerwartet aus dem ansonsten flachen Gelände erheben. Für Johnson wurden diese Orte zu einer kraftvollen Metapher. »The Landfill« stellt sich vor, auf einem gewaltigen Berg aus Geschichte – persönlicher, emotionaler und kultureller – zu stehen und von diesem ungewöhnlichen Aussichtspunkt aus zu überblicken, was vor einem liegt. Das Ergebnis ist ein Album, das sich mit Erinnerung, Folgen und Möglichkeiten beschäftigt, auf dem die Trümmer der Vergangenheit zum Boden werden, aus dem neue Visionen entstehen.

Basic - das Trio aus Chris Forsyth (Gitarre), Mikel Patrick Avery (Percussion, Drumcomputer, Elektronik) und Douglas McCombs (Fender Bass VI) - hat sein neues Album mit sieben Titeln innerhalb von zwei Tagen in den Electrical Audio Studios in Chicago aufgenommen und die Overdubs sowie den Mix zusammen mit Je Zeigler in Philadelphia fertiggestellt. Die Aufnahmen sind groovig, aber leicht und locker, wobei die Songs viel größer klingen, als man es von einem Trio erwarten würde. Für reichlich Detail sorgen die ineinandergreifenden Gitarren und Averys einzigartige Kombination aus elektronischen Beats und akustischer Percussion, die er live mit verschiedenen selbstgebauten elektronischen Prozessoren bearbeitet und manipuliert. Kurz nach der Veröffentlichung ihres Debüts (»This Is Basic«, 2024) stieß Bassist McCombs (Tortoise, Brokeback) zu der Gruppe, und zusammen mit den in Philly ansässigen Kernmitgliedern Forsyth (Solar Motel Band) und Avery (Natural Information Society) tourte die Band mit dem Album die Westküste rauf und runter sowie durch den Nordosten und Mittleren Westen der USA und machte Halt bei einflussreichen Festivals wie Sound & Gravity und Big Ears. Die Chemie zwischen den dreien führte fast sofort zur Entwicklung von neuem Material, und die »Dream City«-EP erschien im Frühjahr 2025.

»Pneuma« ist ein Zyklus von acht Kompositionen des Kontrabassisten und Komponisten Henry Fraser, erschienen bei Kou Records, der sich mit Atem, Resonanz und der sich wandelnden Beziehung zwischen Form und Improvisation auseinandersetzt. Fraser betrachtet seine Solopraktik als eine Zusammenarbeit mit dem Instrument selbst und arbeitet direkt mit der Materialität und den akustischen Eigenschaften des Kontrabasses, sodass Klang, Raum und Struktur durch tiefes Zuhören gemeinsam entstehen können. Aufgenommen, abgemischt und koproduziert von Randall Dunn (Sunn O))), Thurston Moore) und Ben Greenberg (Uniform, Marc Ribot), erweitert das Album Frasers bisherige Solosprache durch ein erweitertes melodisches Register, vielschichtige Texturen und sorgfältig gestaltete Studioeingriffe. Ausgehend von sowohl vorgefertigten Motiven als auch neu improvisiertem Material entfaltet sich »Pneuma« in einer Reihe prägnanter Sätze, von denen jeder einer eigenständigen rhythmischen oder harmonischen Idee Gestalt verleiht und gleichzeitig zu einer größeren, zusammenhängenden Form beiträgt. Die Aufnahme, bei der der Schwerpunkt auf natürlicher Dynamik und räumlichen Details liegt, bewahrt die volle physische Präsenz des Instruments und rückt die Resonanz, die Obertöne und die leisen Mikrogesten des Basses in den Vordergrund. Bestimmte Stücke bestehen aus mehreren übereinandergelegten Darbietungen, was den Umfang und den Ausdrucksbereich der Musik dramatisch erweitert. Das Ergebnis ist ein intimes und zugleich immersives Hörerlebnis - akustische Musik, die sich gleichzeitig greifbar und weitreichend anfühlt. »Pneuma« dokumentiert Fraser in einem Moment künstlerischer Klarheit und bekräftigt sein Bekenntnis zu prozessorientierter Komposition und aufmerksamer Klangpraxis.

»Manifestations in the Shadow of an Uncertain Land« entfaltet sich durch aleatorische Komposition und intuitive Prozesse, geprägt von tief miteinander verflochtenen politischen und ästhetischen Traditionen. Verwurzelt in den gelebten Erfahrungen von Körpern und Köpfen, die sich mit der lokalen und globalen Last des Imperialismus auseinandersetzen, schöpft das Werk zudem aus der zeitlichen Logik von Film und Literatur, in der Erinnerung, Angst und Vorfreude nebeneinander existieren. Mit Stimme und modularer Elektronik arbeitet Lowe und behandelt Klang als skulpturale und filmische Kraft, geprägt von der entfremdeten Erinnerung an Chris Markers »Sans Soleil«, der politischen Desorientierung in Peter Watkins' »Punishment Park« und der prozeduralen Gewalt in Kafkas »In der Strafkolonie«. Anklänge an elektroakustische und zeitgenössische klassische Traditionen kommen eher durch die Atmosphäre als durch direkte Zitate zum Vorschein und führen die Musik durch Zustände der Kontemplation, des Schreckens, der Feierlichkeit und der Dynamik. Das Ergebnis ist ein spannungsgeladenes Klangfeld, das sich einer festen Bedeutung widersetzt und von Bruch und der Möglichkeit der Transformation geprägt ist.

Zum ersten Mal überhaupt erscheint »Sweet – Live At The Capitol« (1991) in einer sorgfältig restaurierten Neuauflage als CD-Digipack und limitierte weiße Vinyl-Platte. Aufgenommen auf dem Höhepunkt ihrer Live-Power in den frühen 90er Jahren, präsentiert Andy Scotts Sweet bei diesem Konzert energiegeladene Versionen ihrer Klassiker sowie weniger bekannte Albumtitel – und das alles vor einem begeisterten Publikum. Neben Gründungsmitglied Andy Scott bestand Sweet damals aus Mal McNulty (Slade), Bodo Schopf (Eloy/MSG) und Steve Grant (George Harrison/Eric Burdon). Die Neuauflage enthält remastertes Audiomaterial aus den Originalquellen, aktualisiertes Artwork und Liner Notes und präsentiert diesen seit langem vergriffenen Fan-Favoriten in definitiver Form. Die Show umfasst unverzichtbare Songs wie »Ballroom Blitz«, »Fox on the Run« und »Love Is Like Oxygen« und ist damit ein ideales Highlight im Katalog sowohl für langjährige Fans als auch für neue Hörer, die das Vermächtnis von Sweet entdecken. Da Sweet nach wie vor auf Tournee sind und ein treues Classic-Rock-Publikum für physische Formate besteht, ist »Live At The Capitol« eine starke, sammelwürdige Ergänzung für jede Rock-Sammlung. Die Pressung auf weißem Vinyl ist streng limitiert und richtet sich an Sammler und Käufer im Stil des Record Store Day, während das CD-Digipack einen attraktiven Katalogtitel im mittleren Preissegment mit starkem Margenpotenzial für den Einzelhandel bietet.

Nach den kurz nacheinander erschienenen Alben »Everything Must Go« und »Chain Yer Dragon« im Jahr 2025 kehren Goose mit »Big Modern!« zurück - einem energiegeladenen neuen Kapitel, das den charakteristischen Indie-Rock-Sound der Band um neonbeleuchtete Synthesizer, treibende Rhythmen und mitreißende, hymnische Hooks erweitert. Neue Tracks wie »Good2B« und »Good Times // End Times« erscheinen neben den Fan-Favoriten »Big Modern« und »Torero« und fangen den Abenteuergeist von Goose ein, während sie gleichzeitig einige ihrer bisher kühnsten und dynamischsten Studioaufnahmen liefern.

Neue Titel wie »Four Legs Good, Two Legs Bad«, »There Are Fairies In The Garden«, »The Judge And The Fisherman« und »Goonhilly Downs« zeugen von der anhaltenden kreativen Stärke der aktuellen Besetzung. Neu interpretierte Versionen von »The Demented Man« und »Those Days Of The Underground« sowie Live-Aufnahmen aus dem Studio von »PSI Power« und »The Traveller Of Space« verleihen Schlüsselmomenten aus dem Repertoire der Band neue Energie.

Mit Snowdrop verwandeln MONO Trauer und Verlust in ein monumentales, hoffnungsvolles Werk zwischen orchestraler Wucht und intimer Tiefe. Als MONO ihr vorheriges Album »OATH« 2023 gemeinsam mit ihrem langjährigen Produktionspartner und Freund Steve Albini aufgenommen hatten, konnten sie sich nicht vorstellen, dass es das letzte Studioalbum sein würde, das sie zusammen machten. Albini starb im darauffolgenden Jahr tragisch, und dieser Verlust hinterließ eine unermessliche Leerstelle - nicht nur im Leben all jener, die Steve persönlich kannten, sondern bei jedem, der eine emotionale Verbindung zu einem der Tausenden von Alben hat, an deren Entstehung er in den vergangenen vier Jahrzehnten beteiligt war. Er brachte Klarheit in das Chaos und eine selbstlose Hingabe an die Kunst und die Künstler, die ihresgleichen suchte. Auf persönlicher wie auf praktischer Ebene stellte sein Tod MONO vor tiefe Trauer und große Unsicherheit. Albini war zu einem grundlegenden Bestandteil des unverwechselbaren MONO-Sounds geworden, und allein der Gedanke daran, ihn ersetzen zu müssen, war mehr als entmutigend. Und dann kam: Brad Wood (Touché Amoré, The Smashing Pumpkins). Ausgewählt aufgrund seiner Vertrautheit mit MONOs kreativen und technischen Arbeitsprozessen - ebenso wie seiner jahrzehntelangen Freundschaft mit Steve Albini - betrat Brad Wood im September 2025 das legendäre Electrical Audio Studio, um aufzunehmen, was schließlich zu »Snowdrop« werden sollte. Gemeinsam mit dem in Chicago ansässigen Dirigenten und Orchesterleiter Chad McCullough verpflichteten MONO ein zehnköpfiges Orchester und einen achtköpfigen Chor für die acht monumentalen Stücke, aus denen »Snowdrop« besteht. Die Band spielte, und Wood nahm in demselben heiligen Raum auf, in dem die meisten MONO-Alben ihrer 25-jährigen Geschichte entstanden waren - die Songs auf Snowdrop tragen daher ein besonderes Gewicht. Abgemischt wurde das Album von Wood in seinem Seagrass-Home-Studio in Los Angeles; es klingt zugleich intim und umhüllend. Wo leicht ein Schatten über »Snowdrop« hätte liegen können, findet sich stattdessen eine außergewöhnliche Atmosphäre der Dankbarkeit. Statt in Herzschmerz zu verweilen, entsteht eine eindringliche Wertschätzung für das gut gelebte Leben mit einem geliebten Freund - und eine Sehnsucht danach, was noch kommen mag. »Snowdrop« ist der Klang einer Band, die Schock und Trauer in Hoffnung und Staunen verwandelt - und neue Klarheit im befreienden Gefühl des Nichtwissens findet.

Pluralone, das Soloprojekt des Songwriters und Multi-Instrumentalisten Josh Klinghoffer, kehrt mit »A Drop In The Ocean« zurück - seinem vierten Album unter dem Namen Pluralone und dem ersten seit »This Is The Show« aus dem Jahr 2022. Bekannt unter anderem für seine Arbeit mit den Red Hot Chili Peppers und Pearl Jam, bringt Klinghoffer dieselbe melodische Sensibilität und emotionale Direktheit, die seine Karriere geprägt haben, in ein eher akustisches, songwriterorientiertes Werk ein, bei dem Stimme, Texte und intime Arrangements im Mittelpunkt stehen. »A Drop In The Ocean« setzt auf Wärme und Unmittelbarkeit statt auf dichte Produktion und unterstreicht seine Stärken als Komponist und Arrangeur - das Ergebnis ist eine fokussierte und persönliche Sammlung von Tracks.

Das im Jahr 2000 erstmals veröffentlichte Album „The Secret Language Of Birds“ zeigte Ian Anderson von seiner introspektivsten und stilistisch vielfältigsten Seite. Es präsentierte eine zutiefst persönliche Sammlung von Liedern, die Folk, Rock, Weltmusik und klassische Einflüsse mit müheloser Eleganz vereinen. Das Album, geschrieben und aufgenommen in Andersons Heimstudio, besticht durch seine intime Atmosphäre und seinen organischen Charme. In den abwechslungsreichen Stücken verschmilzt Andersons charakteristisches Flötenspiel mit akustischen Instrumenten, subtilen Rhythmen und ausdrucksstarken Erzählungen zu einer Klanglandschaft, die gleichermaßen pastoral und weltgewandt wirkt. Von der besinnlichen Schönheit des Titeltracks über die verspielte Energie von „The Habanero Reel“ bis hin zum cineastischen Klang von „Panama Freighter“ offenbart jedes Stück eine andere Facette seiner musikalischen Sprache. Die Texte von „The Secret Language Of Birds“ greifen Themen wie Natur, Reisen und stille Beobachtung auf und bieten eine Reihe lebendiger musikalischer Vignetten, die sich persönlich und zugleich universell anfühlen. Das Album besticht durch seine feine Balance aus Melodie und Stimmung und ist bei den Fans sehr beliebt. Es wird für seine Wärme, seinen Witz und seine subtile Raffinesse gefeiert.

Die legendäre Progressive-Rock-Band YES kehrt mit ihrem 24. Studioalbum »Aurora« zurück. Als YES erstmals Ideen für das spätere Album »Aurora« skizzierte, war der Prozess locker und explorativ. Zu Beginn gab es kein vorgefertigtes Konzept, sondern lediglich eine Sammlung musikalischer Fragmente, die nach und nach zueinander fanden und Gestalt annahmen. Unter diesen frühen Skizzen befand sich ein Stück mit dem Titel »Aurora«, und es wurde schnell klar, dass dieser Name eine gewisse Bedeutung hatte. Er suggerierte Licht, Aufbruch und ein Gefühl von Weite – Eigenschaften, die bei der Band tiefen Anklang fanden. Steve Howe erklärt: »Die Arbeit an diesem Album war eine Freude, eine Gelegenheit zu spielen, zu experimentieren und alles in die Musik zu stecken. Es ging schon immer um Zusammenarbeit; jemand kann einen Song schreiben, aber erst wenn jeder seinen Beitrag dazu leistet, ist es wirklich ein Yes-Song. Wir versuchen nicht, die Vergangenheit nachzuahmen; wir tragen den Geist von Yes weiter und verwandeln ihn in etwas Neues.« Mit ihrem 24. Studioalbum beweisen Yes nicht nur Langlebigkeit, sondern auch anhaltende Neugier, den Wunsch, weiter zu erforschen, weiter zu verfeinern und ihre Schaffenskraft immer wieder neu zu entdecken. »Aurora« ist als limitierte Deluxe-Edition mit 180g hellgrüner Doppel-LP + 2 CDs + Blu-ray, Artbook und Poster sowie als limitierte Deluxe-Edition mit 2 CDs + Blu-ray und Artbook erhältlich. Beide Ausgaben enthalten das atemberaubende Artwork von Roger Dean und Freya Dean sowie eine Bonus-CD mit Instrumentalversionen und eine Blu-ray mit Dolby Atmos, 5.1-Surround-Sound und 24-Bit-Stereo-Mischungen. Das Album ist außerdem als Gatefold-2LP (180g) mit LP-Booklet und als Special-Edition-CD im Digipack erhältlich.

Die legendäre Progressive-Rock-Band YES kehrt mit ihrem 24. Studioalbum »Aurora« zurück. Als YES erstmals Ideen für das spätere Album »Aurora« skizzierte, war der Prozess locker und explorativ. Zu Beginn gab es kein vorgefertigtes Konzept, sondern lediglich eine Sammlung musikalischer Fragmente, die nach und nach zueinander fanden und Gestalt annahmen. Unter diesen frühen Skizzen befand sich ein Stück mit dem Titel »Aurora«, und es wurde schnell klar, dass dieser Name eine gewisse Bedeutung hatte. Er suggerierte Licht, Aufbruch und ein Gefühl von Weite – Eigenschaften, die bei der Band tiefen Anklang fanden. Steve Howe erklärt: »Die Arbeit an diesem Album war eine Freude, eine Gelegenheit zu spielen, zu experimentieren und alles in die Musik zu stecken. Es ging schon immer um Zusammenarbeit; jemand kann einen Song schreiben, aber erst wenn jeder seinen Beitrag dazu leistet, ist es wirklich ein Yes-Song. Wir versuchen nicht, die Vergangenheit nachzuahmen; wir tragen den Geist von Yes weiter und verwandeln ihn in etwas Neues.« Mit ihrem 24. Studioalbum beweisen Yes nicht nur Langlebigkeit, sondern auch anhaltende Neugier, den Wunsch, weiter zu erforschen, weiter zu verfeinern und ihre Schaffenskraft immer wieder neu zu entdecken. »Aurora« ist als limitierte Deluxe-Edition mit 180g hellgrüner Doppel-LP + 2 CDs + Blu-ray, Artbook und Poster sowie als limitierte Deluxe-Edition mit 2 CDs + Blu-ray und Artbook erhältlich. Beide Ausgaben enthalten das atemberaubende Artwork von Roger Dean und Freya Dean sowie eine Bonus-CD mit Instrumentalversionen und eine Blu-ray mit Dolby Atmos, 5.1-Surround-Sound und 24-Bit-Stereo-Mischungen. Das Album ist außerdem als Gatefold-2LP (180g) mit LP-Booklet und als Special-Edition-CD im Digipack erhältlich.

Die erste britische Pressung seit der Vinyl-Ausgabe von Hangman Records aus dem Jahr 1991! Jetzt erweitert um zwei zusätzliche Titel: ihre ersten beiden Singles - »Headcoat Girl« und »Davey Crockett«! »Da saßen wir also, um einen Küchentisch herum, und tüftelten an Ideen und Melodien für ›Girlsville‹. ›Wild Man‹ - wow! ›Round Every Corner‹ (von Billy für uns geschrieben), ›First Plane Home‹, ein Kinks-Cover, das wir immer live spielten, ebenso wie ›Meet Jacqueline‹ (anscheinend von Albert Hammond geschrieben, seltsam!). Jeder Track war ein Hit, finde ich. Dann machten wir uns auf, die Welt zu erobern - mit unseren Alben ›Have Love Will Travel‹, ›Bozstik Haze‹ (nicht lila!) und ›Punk Girls‹ sowie zahlreichen 7"-Knallern. Was für ein Spaß, bis ›Here Comes Cessation‹ kam. Na ja, dachten wir zumindest...« - MISS LUDELLA BLACK - JAN 2026

Die Musik auf Horse Lords' »Demand to Be Taken to Heaven Alive!« wirkt zugleich unglaublich detailliert und zutiefst menschlich. Die zwölf versammelten Stücke sind vielschichtig, verflochten, tonal und rhythmisch komplex – moiré-artige Muster aus Interaktion und Verzahnung, die sich sowohl körperlich als auch geistig entfalten, voller klanglicher Gänge mit einem unausweichlichen Groove. Künstler sind nicht notwendigerweise Wissenschaftler, Logiker oder spirituelle Führer, doch durch ihr persönliches Verständnis von Ordnung und Erfahrung eröffnen sie einen unmittelbaren Zugang zu gesteigerten Zuständen von Materialität und Immaterialität. Horse Lords wurden 2010 in Baltimore gegründet; sie gingen aus einer anderen Gruppe namens Teeth Mountain hervor und starteten als Trio mit Gitarrist Owen Gardner, Bassist Max Eilbacher und Schlagzeuger Sam Haberman, bevor der Altsaxofonist Andrew Bernstein zum Kernensemble hinzustieß. Obwohl das Quartett aus einer fruchtbaren Noise- und Experimental-Rock-Szene hervorgegangen ist - einem legendären Umfeld für Künstler und Außenseiter, das viele einflussreiche Bands hervorgebracht hat (Lungfish, Matmos) - war ihr Ansatz über sechs Alben, zahlreiche Kollaborationen und als gefeierte Liveband weit vielseitiger, als es die punktierten Rhythmen instrumentaler elektrischer Rockmusik vermuten lassen. Für dieses Projekt wird die Band durch Bassklarinettistin Madison Greenstone, Posaunist Weston Olencki und - erstmals bei Horse Lords - durch Gesang von Nina Guo und Evelyn Saylor ergänzt. Der Entstehungsprozess von »D2BT2HA!« brachte geografische Hürden mit sich, da die vier Mitglieder seit 2021 in unterschiedlichen Städten leben. Nach sechzehn Jahren als funktionierende Band übersteigt ihre gemeinsame Sprache jedoch jeden Ort. Die aus Deutschland stammenden Gardner, Eilbacher und Bernstein trafen sich in Berlin für die Aufnahmen, während Haberman die Schlagzeugparts in Baltimore erarbeitete. Beim Hören würde man dies nicht unbedingt erkennen, und gemeinsames, räumlich getrenntes Arbeiten ist heutzutage ohnehin keine Seltenheit mehr. Die Band merkt an, dass »es wichtiger war, den Konzepten und Visionen der jeweils anderen zu vertrauen, als Abschnitte immer wieder zu spielen, um zu überprüfen, ob die Musik funktioniert - obwohl dieses Vertrauen nur durch sehr enges gemeinsames Arbeiten möglich wurde«. Obwohl »D2BT2HA!« nicht im engeren Sinne eine Suite ist, beeinflusst und durchdringt sich die Musik in komplexen Verknüpfungen selbst. Horse Lords erklären: »Uns gefällt die Vorstellung von Kunst als Werkzeug zur Perspektivveränderung - dass man Ideen rotieren kann und sie aus einem anderen Blickpunkt sehen/hören/fühlen kann.« Oder, wie es der Swami Satchidananda Saraswati zugeschriebene Satz ausdrückt: »Understanding is standing under where you are already standing.« Das Eröffnungsstück »Eureka 378-B« ist ein Arrangement von sakraler Harfenmusik aus dem 19. Jahrhundert, getragen vom Gesang von Guo und Saylor; seine Melodie entfaltet sich weit und setzt einen tonalen Startpunkt für vieles, was folgt. Dazu kommen die kurzen »Rotations«, die Fragmente aus anderen Stücken isolieren. Offensichtlich tragen die Titel der Stücke einiges an Bedeutung, und »D2BT2HA!« bildet da keine Ausnahme - Transzendenz und Erhebung sind der Musik inhärent, und wenn jede Kunst politisch ist, so sind die Tendenzen von Horse Lords optimistisch und gemeinschaftsorientiert. Transformation und Neubetrachtung sind nicht nur kompositorische Strategien, sondern eine philosophische Haltung, was sich in Titeln wie »A City Yet To Come«, dem Titeltrack oder utopischen Bezügen zeigt. Wie sie selbst sagen: »Wir versuchen Musik zu machen, die den Status quo herausfordert und dem Hörer einen Weg zur Befreiung eröffnet. Das Studium und die Erforschung von Klang und Musik hat eine spirituelle und ekstatische Dimension, und wir haben große Ehrfurcht vor ihrer Wirkung auf den Einzelnen und die Welt.« »D2BT2HA!« enthält unzählige klangliche und konzeptuelle Schichten, doch angesichts der unverkennbaren Kraft und Menschlichkeit der Musik ist der Prozess, sie zu entschlüsseln, begeisternd und zutiefst lohnend. Selten ist eine Platte, die einen so unmittelbar packt und zugleich bei jedem Hören vollkommen neu erscheint.

Mit »Ombrelloni & Gru« legt die Crucchi Gang ihr drittes Album vor – und bleibt ihrer Idee treu: große deutschsprachige Songs in ein italienisches Licht zu tauchen, bis man sich fragt, welche Version eigentlich das Original ist. Der Titel sagt schon alles: Sonnenschirme und Kräne, Ferien und Arbeit, Leichtigkeit und Industrie. Genau in diesem Spannungsfeld bewegt sich auch das Album. Inspiriert von Italien als Sehnsuchtsort, Alltagskulisse und Erinnerungsraum versammelt die Platte Künstlerinnen und Künstler aus Deutschland und Österreich, die Italien auf ganz eigene Weise in sich tragen – biografisch, musikalisch oder emotional. Zu hören gibt es italienische Versionen von Songs unter anderem von Buntspecht, Fettes Brot, Dilla, SALÒ, Ideal, Hildegard Knef, Hannes Wader, Blumengarten und sogar David Bowie. Ombrelloni & Gru ist eine Platte über Italien – und über das, was zwischen Deutschland und Italien entsteht: mit Charme, Melancholie, Witz und sehr viel Amore.

Mit "Sowiesoso" schufen Hans-Joachim Roedelius und Dieter Moebius (Cluster) 1976 eines der klarsten und zugleich visionärsten Werke der europäischen Elektronikmusik. Nach dem viel beachteten Zuckerzeit öffnet sich das Duo hier einer reduzierten, transparenten Klangsprache: sanft kreisende Sequenzen, subtile Rhythmen und melodische Fragmente entfalten eine stille, konzentrierte Schönheit. Aufgenommen im eigenen Studio mit bewusst minimalem Equipment, lebt Sowiesoso von Autonomie und Präzision.Wiederholung und Variation stehen in feinem Gleichgewicht, fern von Effekthascherei oder technischer Selbstinszenierung. Die Musik wirkt utopisch, aber geerdet - geprägt von der Landschaft Norddeutschlands ebenso wie von Clusters konsequenter Suche nach einer neuen musikalischen Sprache. Zum 50. Jubiläum erscheint das Album als limitierte LP-Edition auf 180g-Vinyl, handnummeriert limitiert - eine würdige Neuauflage eines zeitlosen Meilensteins.

Def Leppard, Großbritanniens größte Arena-Rockband, veröffentlicht »Greatest Hits« … ein Album mit den größten Hits der Band aus ihrer glanzvollen Karriere. Seit ihrem Debüt im Jahr 1980 haben sie weltweit über 65 Millionen Alben verkauft und sich als eine der fleißigsten und beständigsten Live-Bands der Rockmusik erwiesen (allein in den letzten 15 Jahren spielten sie vor über 50 Millionen Fans). Def Leppard gehören nach wie vor zu den nur fünf Rockgruppen, die zwei separate Originalalben vorweisen können, die sich in den USA jeweils über 10 Millionen Mal verkauft haben (darunter »Pyromania«). Die anderen sind The Beatles, Led Zeppelin, Pink Floyd und Van Halen. Das neu gemasterte Set ist nun als Black Vinyl erhältlich.

Nach über fünfzig Jahren, in denen sie ihren energiegeladenen Rock ›n‹ Roll für Fans auf der ganzen Welt gespielt haben, liefern George Thorogood & The Destroyers immer noch die »Baddest Show on Earth«. Mit vier bisher unveröffentlichten Titeln präsentiert diese Live-Sammlung den charakteristischen mitreißenden Sound der Band mit Hits wie »Bad to the Bone«, »Move It On Over«, »Who Do You Love?« und vielen mehr. Niemand macht es, nun ja, »badder«.

Nach fast drei Jahrzehnten kehrt Sublime mit »Until The Sun Explodes« zurück, ihrem ersten Album in voller Länge mit Jakob Nowell als Frontmann. Mit Gastbeiträgen von H.R. von Bad Brains, Fletcher Dragge von Pennywise, G Love und anderen bleibt das Album dem klassischen Sound der Band treu und schlägt gleichzeitig ein neues Kapitel auf.

Das bahnbrechende dritte Album von Cream wird in dieser speziellen, erweiterten 3-LP-Ausgabe von »Wheels Of Fire: In The Studio« dokumentiert. Das 3-LP-Set enthält eine neu remasterte Stereoversion der neun Studiotracks von »Wheels Of Fire«. Ursprünglich 1968 unter Verwendung von CSG-bearbeiteten Aufnahmen veröffentlicht, präsentiert diese neu remasterte, von CSG befreite Version das Album nun phasenkorrigiert und liefert die Aufnahmen mit größerer Detailtreue und einem klaren Klangbild. Ebenfalls enthalten ist eine neu remasterte Mono-Version des Studioalbums. Diese Mono-Version, die aus den persönlichen Referenzbändern des verstorbenen Cream-Produzenten Felix Pappalardi stammt, wurde noch nie zuvor veröffentlicht. Das Set enthält außerdem eine neu zusammengestellte Raritäten-Sammlung mit 11 seltenen Aufnahmen, von denen acht bisher unveröffentlicht sind. Dazu gehören frühe Versionen, alternative Mixe und Single-Versionen. Zu den Höhepunkten dieser Sammlung zählen »White Room (Early Version Mono Mix)« und »Deserted Cities Of The Heart (Mono Rough Mix / No Strings)« sowie sechs weitere alternative Stereo- und Mono-Mixe. Diese Veröffentlichung auf 180g-schwerem schwarzem Vinyl wird in einer Gatefold-Hülle mit metallischem Pantone-Finish präsentiert.

Audioslaves »Out of Exile« ist ein kraftvolles und emotionsgeladenes Album, das ein Muss für alle Fans von Rockmusik ist. Mit herausragenden Tracks wie »Your Time Has Come«, »Be Yourself« und »Doesn't Remind Me« zeigt das Album die unglaublichen musikalischen und songwriterischen Fähigkeiten der Band. Die Texte auf »Out of Exile« sind roh und ehrlich, und die Musik ist ebenso eindringlich. Von Anfang bis Ende ist es ein intensives und unvergessliches Hörerlebnis. Wenn Sie ein Fan von klassischem Rock oder alternativem Metal sind, sollten Sie sich »Out of Exile« nicht entgehen lassen. Verschlafen Sie diese Veröffentlichung von Audioslave nicht - sie ist ein Muss für jeden Musikliebhaber. »Out Of Exile« ist neu gepresst auf schwarzem 180-Gramm-Vinyl und neu gemastert von Levi Seitz von Black Belt Mastering.

Lex Legion ist eine brandneue Band, die sich aus alten Freunden mit einer unglaublichen Heavy-Metal-Tradition zusammensetzt. Die Band besteht zu vier Fünfteln aus der klassischen King-Diamond-Besetzung der späten 80er Jahre mit Mikkey Dee (Schlagzeug), Pete Blakk (Gitarre), Andy La Rocque (Gitarre) und Hal Patino (Bass), ergänzt durch den atemberaubenden Gesang von Nils K. Rue (Pagan's Mind), und kann zudem auf gemeinsame Erfahrungen bei Motörhead, Scorpions und Death zurückblicken. Das gleichnamige Debütalbum von Lex Legion ist ein zielstrebiger, zukunftsorientierter Rückgriff auf Hardrock / Metal von Weltklasse, der sich durch geschmackvolle »Less-is-more«-Arrangements, virtuose Musikalität sowie unerbittliche Melodien und Harmonien auszeichnet.

Der französische Solokünstler KOUDLAM präsentiert einen atmosphärisch düsteren Electronic-Mix. Goodbye erscheint im Jewelcase-Format inklusive 32-seitigem 4c-Booklet auf PAN EUROPEAN RECORDINGS. Bereits auf seiner 2008 erschienenen Debüt-EP Live In Teotihuacán (einer Hommage an die untergegangene, antike mexikanische Megacity) widmete sich der französische Electronic-Act KOUDLAM thematisch der (vorbestimmten) Vergänglichkeit zivilisatorischer Hochkulturen. Nun erscheint auf dem Label Pan European Recordings der erste Longplayer des bei seinen Live-Performances lediglich mit Mikro und Laptop ausgestatteten charismatischen Solokünstlers. Goodbye ist ein apokalyptisches Werk, auf dem sich sphärische Elektronik-Sounds und dezente Sequenzer-Bässe mit zarten Flötenklängen (gespielt von RUIS AHUIZOTL), gesampelten Tribal-Beats und aztekischen Shamanengesängen zu düsteren Soundscapes verbinden, über die KOUDLAM seinen entrückt wirkenden (und teilweise elektronisch verfremdeten) Gesang legt. So verwundert es nicht, dass der französische Regisseur JACQUES AUDIARD den Track See You All unbedingt für seinen in Cannes mit neun Cesars prämierten Film Un Prophete haben wollte. 

Mission of Mercy ist Campbells viertes Album mit den Dirty Knobs, jenem eng verbundenen Musiker- und Weggefährtenkollektiv, das er in den letzten Jahren seiner früheren Band, Tom Petty and the Heartbreakers, behutsam zusammengestellt hatte. Nach Pettys Tod im Jahr 2017 veröffentlichte Campbell 2020 das Album *Wreckless Abandon* unter dem Namen The Dirty Knobs; darauf folgte 2022 das mitreißende *External Combustion* von Mike Campbell & The Dirty Knobs – wobei er sich zunächst noch zögerlich dagegen gesträubt hatte, seinen eigenen Namen vor den der Band zu setzen. Diesen Veröffentlichungen ließ er 2024 das exzellente *Vagabonds, Virgins and Misfits* folgen. Jede dieser Veröffentlichungen markierte einen künstlerischen Fortschritt, der maßgeblich aus dem riesigen Archiv unveröffentlichter Musik schöpfte – Material, das der äußerst produktive Gitarrist über Jahrzehnte hinweg in beinahe täglichen Songwriting-Sessions komponiert hatte. Härter und treibender als ein Großteil des späteren Materials der Heartbreakers, balancierten die Songs Campbells Liebe zum Bluesrock der 60er Jahre mit seiner überraschenden Begabung für zarte Charakterporträts, Liebeslieder und Balladen aus. Der eher zurückhaltende Campbell fand sich nur zögerlich in die Rolle des Frontmanns, Sängers und Songwriters ein, bewarb die Alben jedoch mit Sommertourneen. Das Leben „on the road“ brachte einen zwar demütig machenden, aber zugleich freudvollen Prozess des Publikumsaufbaus von Grund auf mit sich – eine Erfahrung, die Campbell seit 1979, dem durchschlagenden Erfolg des Heartbreakers-Albums *Damn the Torpedoes*, nicht mehr gemacht hatte. Sommer für Sommer knüpfte Campbell neue Bande zu alten Fans – von denen viele noch immer mit dem Verlust Pettys rangen –, aber auch zu einer stetig wachsenden Zahl neuer Anhänger, die sich von dem wuchtigen Gitarren-Boogie der Knobs angezogen fühlten. Von der Bühnenmitte aus beobachtete Campbell, wie immer mehr Menschen nicht nur bei den Heartbreakers-Songs mitsangen, die er geschickt in die Setlists einstreute, sondern auch bei seinen eigenen Stücken. Es war eine Reihe heilsamer, buchstäblicher Reisen quer durchs Land – stets in Begleitung seiner Frau und seiner Hunde –, die ihn von den untersten Plätzen in Drei-Bands-Programmen hin zu Support-Slots für Größen wie The Who und Chris Stapleton führten und ihn schließlich als Headliner jene Theaterbühnen bespielen ließen, auf denen er schon immer hatte auftreten wollen. Sein neuestes Werk, *Mission of Mercy*, erkundet und erweitert einmal mehr jenen Sound und Stil, den Mike Campbell einst mitbegründet hat. Als Sammlung wunderschön eingespielter und aufgenommener, gitarrenlastiger Rocknummern und nachdenklicher Stücke zeigt das Album einen Campbell, der sich vom reinen Boogie-Schema löst und musikalische Ausflüge in Gefilde mit Bongos, Jazz-Elementen und sogar Streicherarrangements unternimmt. Die energiegeladenen Knobs haben sich gefunden und zu ihrer aktuellen Besetzung gefestigt – mit einem bemerkenswerten Neuzugang: Steve Ferrone, der swingende und akribische, aus Brighton stammende Schlagzeuger, der über 20 Jahre lang den verlässlichen Takt für die Heartbreakers vorgab, ist nun eine feste Größe hinter dem Schlagzeug. Chris Holt – ein versierter Multiinstrumentalist und Sänger, der nebenbei bei den ungestümen Country-Rock-Aufsteigern „The Eagles“ aushilft – steuert die zweite Gitarre, Keyboards und absolut stimmsichere Harmonien bei. Und Bassist Lance Morrison – den Campbell als „unsere Geheimwaffe“ bezeichnet – verzahnt sein pulsierendes, melodisches Bassfundament bombenfest mit Ferrones Spiel. „Ich habe eine großartige Band“, sagt Campbell. „Ich habe großes Glück. Dieses Album bietet von allem ein bisschen etwas. Ich möchte zeigen, dass ich mich weiterentwickelt habe, und auch mal etwas wagen.“ Er lacht. „Beim vierten Album sollte man das auch besser tun!“ Campbell räumt ein, dass einige Songs – etwa der elektrisierende Akustik- und Slide-Gitarren-Opener „No Regrets“ im Stil von *Wildflowers* oder das wuchtige Gitarren- und Klavierstück „I Remember“ im Stil von *Long After Dark* – „ganz klar in der Tradition der Heartbreakers stehen“. Doch das Album wurzelt fest in jenem Sound und jener Kraft, die Campbell im Laufe der letzten zehn Jahre und mehrerer Alben gemeinsam mit den Knobs entwickelt hat – gestützt auf einen eisernen Kern aus Rocknummern wie „Bongo Mania“ (mit Kate Pierson von den B-52s), „Wrecking Ball“ und „Done to Me“. Klanglich fühlt sich *Mission of Mercy* genau so an – und klingt auch genau so –, wie es ist: ein waschechtes Mike-Campbell-Album. Und das gilt auch für die Texte: „In letzter Zeit hat mir das Texteschreiben große Freude bereitet – auch deshalb, weil ich das früher nie gemacht habe. Ich setze mich nicht mehr so ​​oft mit Stift und Papier hin. Ich schreibe alles auf meinem Handy; die Texte kommen jetzt einfach, wann immer sie wollen. Im Schlaf, oder auch direkt nach dem Aufwachen. Manchmal schreibe ich ganze Textpassagen nieder und komponiere erst danach die Musik dazu – genau umgekehrt zu dem, was ich all die Jahre zuvor getan habe.“ Die Ergebnisse sind oft bittersüß, selbst wenn sie rau und wild klingen – voller Charaktere, die auf der Suche nach spirituellen Verbindungen und irdischer Erlösung sind; Charaktere, denen dabei oft genau das fehlt: Worte – ganz gleich, ob sie nun herausgebrüllt oder sanft gesungen werden.

Der britische Singer-Songwriter Myles Smith hat sich als eine der faszinierendsten neuen Stimmen Großbritanniens etabliert und verbindet gefühlvolles Songwriting mit melodischer Aufrichtigkeit. Sein weltweiter Hit »Stargazing« war 2024 der Titel eines britischen Künstlers, der am längsten in den amerikanischen Billboard Hot 100 vertreten war, und verzeichnete weltweit fast 2 Milliarden Streams. Kürzlich veröffentlichte er »Drive Safe« zusammen mit Niall Horan und trat vor mehr als 100.000 Fans bei ausverkauften internationalen Headliner-Shows auf. In diesem Jahr überreichte er den Rising Star Award bei den BRIT Awards, den er 2025 selbst gewonnen hatte, und ist bei den MOBO Awards als »Best Male Act« nominiert. Und nun kündigt Myles Smith sein bevorstehendes Debütalbum »My Mess, My Heart, My Life« an. Die Ankündigung erfolgt zusammen mit der Nachricht einer ausgedehnten Welttournee 2026, bei der Myles seine bislang größten Headliner-Shows in Nordamerika, Europa und Großbritannien geben wird, mit einem Höhepunkt bei einem wegweisenden Konzert in London in der O2 Arena. In den letzten zwei Jahren hat sich Myles Smith rasch zu einer der faszinierendsten neuen Stimmen Großbritanniens entwickelt, indem er folkige Erzählkunst mit mitreißenden Popmelodien und emotional direktem Songwriting verbindet. Seine Durchbruchssingle – mit 2 Milliarden Streams – »Stargazing« wurde zu einem globalen Phänomen, sammelte Hunderte Millionen Streams und machte sein Publikum weltweit mit seiner Musik bekannt. Der Song markierte einen entscheidenden Moment in seinem Aufstieg und etablierte Myles als einen Künstler, der in der Lage ist, zutiefst persönliche Momente in Songs zu verwandeln, die auf universeller Ebene Anklang finden. Für Myles stellt »My Mess, My Heart, My Life« sein bisher persönlichstes und ambitioniertestes Werk dar. Das Album erkundet emotionales Chaos, Verletzlichkeit und das Gefühl der Befreiung, das entsteht, wenn man sich dem Leben direkt stellt, und entfaltet sich als Reise durch drei miteinander verbundene Welten: Mess, Heart und Life. Das Album wird mehrere von Myles' bekanntesten Veröffentlichungen der letzten Zeit enthalten, darunter den weltweiten Durchbruch »Stargazing«, das nachdenkliche Duett »Drive Safe« mit Niall Horan, den Fan-Favoriten »Nice To Meet You«, die mitreißende Hymne »Gold« und das euphorische »Stay (If You Wanna Dance)« – Songs, die seinen Ruf für emotional offenes Songwriting und kraftvolles melodisches Storytelling gefestigt haben.