Zur Feier des 10-jährigen Jubiläums veröffentlicht LP eine erweiterte Deluxe-Edition ihres vierten Albums, mit dem ihr der große Durchbruch gelang. Neben dem klassischen Titelsong „Lost on You“ – der kürzlich in den renommierten „Billions Club“ von Spotify aufgenommen wurde – enthält die neue, erweiterte Deluxe-Ausgabe den bislang unveröffentlichten Track „Strange (Live at Harvard and Stone)“. Darüber hinaus sind bisher unveröffentlichte Remixe von „Lost On You“ enthalten, die von DJ Pantelis, DiPap, MANSTA und Lolos stammen.

„Elephants on Acid“ ist das neunte Studioalbum von Cypress Hill und wurde von DJ Muggs produziert – es ist damit das erste Album unter seiner Regie seit „Till Death Do Us Part“ aus dem Jahr 2004. Für die Aufnahmen kam Muggs in Los Angeles wieder mit B Real und Sen Dog zusammen; zudem reiste er um die ganze Welt, um jene Atmosphäre und Klänge einzufangen, die das Album von Anfang bis Ende prägen. Cypress Hill nehmen den Hörer mit auf eine musikalische Reise: Sie führt von den Gassen Kairos im Song „Band of Gypsies“ über die mystische Stimmung von Joshua Tree – wo Ganja Sufi einen von Cannabis inspirierten Flow beisteuert – bis hin zu den Straßen von Los Angeles im Track „Crazy“. Letzterer bringt den Hörer zurück zu dem für Cypress Hill typischen Sound und besticht durch den gefühlvollen Gastgesang von Brevi Wood. Zu den weiteren Titeln von B Real und Sen Dog gehören „Warlord“ und „Put Em In The Ground“ – Songs, die den Fans zweifellos genau den klassischen Cypress-Hill-Sound liefern, den sie so lieben.

Michael Kiwanuka veröffentlicht sein 5. Studioalbum "Fudge", welches von Druck, Erwartungen, Zweifeln und dem spielerisch kindlichen Umgang damit handelt. Für Kiwanuka ist das Album eine höfliche Art zu sagen: Egal was du davon hälst, Ich werde es einfach tun! Das Album markiert das erste Werk seit 13 Jahren in dem Kiwanuka ohne sein bewährtes Produktionsteam arbeitet. Die ersten Ideen zum Album sind bereits in der Zeit des Lockdowns entstanden, besonders prägend war ein Interview auf Instagram mit dem verstorbenen Jazzpianisten Chick Corea. Besonders das Zitat: "Du musst herausfinden, was du schön findest, und darauf vertrauen und daran glauben" hat den Entstehungsprozess nachhaltig geprägt.

Michael Kiwanuka veröffentlicht sein 5. Studioalbum "Fudge", welches von Druck, Erwartungen, Zweifeln und dem spielerisch kindlichen Umgang damit handelt. Für Kiwanuka ist das Album eine höfliche Art zu sagen: Egal was du davon hälst, Ich werde es einfach tun! Das Album markiert das erste Werk seit 13 Jahren in dem Kiwanuka ohne sein bewährtes Produktionsteam arbeitet. Die ersten Ideen zum Album sind bereits in der Zeit des Lockdowns entstanden, besonders prägend war ein Interview auf Instagram mit dem verstorbenen Jazzpianisten Chick Corea. Besonders das Zitat: "Du musst herausfinden, was du schön findest, und darauf vertrauen und daran glauben" hat den Entstehungsprozess nachhaltig geprägt.

*Accident of Birth* ist das vierte Studioalbum von Iron-Maiden-Sänger Bruce Dickinson und erschien am 12. Mai 1997. Es war Dickinsons zweite Zusammenarbeit mit Roy Z und unterscheidet sich stilistisch stark von seinem ersten Album *Skunkworks*. Zudem arbeitete er für dieses Album mit Adrian Smith zusammen, der zu jener Zeit ebenfalls ein ehemaliges Mitglied von Iron Maiden war. Das oft als eines von Bruces besten Soloalben bezeichnete Werk brachte die bei Fans beliebten Songs „Man Of Sorrows“ und „Road To Hell“ hervor.

Eine sorgfältig zusammengestellte Kollektion, die Desmond Dekkers Einfluss auf Ska, Rocksteady und frühen Reggae unterstreicht. Mit herausragenden Titeln wie „Israelites“ und „007 (Shanty Town)“ fängt sie jenen Sound ein, der dazu beitrug, jamaikanische Musik einem internationalen Publikum nahezubringen.Dies ist eine kompaktere Version der „Essential Collection“ von 2023; sie erscheint anlässlich des National Album Day 2026 (10. Oktober 2026) sowohl als Pressung auf schwarzem „Ecorecord“-Vinyl als auch im Digisleeve-Format (1 CD) inklusive Booklet. Die Veröffentlichung bietet ein klares, warmes Klangbild und dient als prägnanter Überblick über Dekkers wichtigste Aufnahmen – eine verlässliche Ergänzung für Sammler und ein idealer Einstieg für alle, die den klassischen Reggae für sich entdecken möchten.

Das dritte Studioalbum der US-Punkrocker aus Orange County in Kalifornien. Angeblich soll es bis heute das meistverkaufte Album eines Independent-Labels sein. Weltweit verkaufte es sich über 11 Millionen Mal und schaffte es in Österreich bis auf Platz 2 der Albumcharts, in den USA und Deutschland ging es jeweils bis auf die vierte Position. Limitierte Neuauflage von 1.000 LPs auf gelb-schwarzem Vinyl, exklusiv für Deutschland. Der Punkrock-Klassiker »Smash« von The Offspring aus dem Jahr 1994.

Zum 30. Jubiläum erscheint Chris Isaaks »Baja Sessions« erstmals auf Vinyl. Das von Erik Jacobsen produzierte Album verbindet entspannten, surf-inspirierten Sound mit Interpretationen von Songs, die unter anderem durch Roy Orbison und Bing Crosby bekannt wurden, sowie akustischen Versionen eigener Isaak-Klassiker.

L.A. Witch sind aus dem boomenden südkalifornischen Rock-Underground mit einem Sound hervorgegangen, der Retro-Psychedelia und furchtlosen Dark-Wave miteinander verbindet. Nun kündigt die Band ihr neues Album »Doggod« an, das über Suicide Squeeze Records erscheint. Das Album wurde in Paris aufgenommen und zeigt die Band dabei, wie sie die Grenzen ihrer Formel erweitert, während sie über spirituelle Themen wie Liebe und Hingabe nachdenkt. L.A. Witch haben jetzt auch die Single »777« veröffentlicht, die die Fähigkeit der Band unterstreicht, Drive und Verträumtheit zu verbinden. Der Song ist zu gleichen Teilen dunstig und gefühlvoll, mit Punkgitarren und einem motorischen Groove, der mit Gitarrenharmonien gespickt ist. Das Endergebnis ist ebenso sonnenverbrannt wie spritzig.

Mit Selbstbewusstsein und Präzision kehrt der sich ständig weiterentwickelnde Musiker, Produzent und Rapper Ishmael Butler als Shabazz Palaces mit »It's a Style Sport« zurück. »It's a Style Sport« bleibt dem Stil von Shabazz Palaces treu - mit seiner gewagten Mischung aus experimentellem Hip-Hop und freier Poesie - und offenbart gleichzeitig eine nachdenklichere und direktere Seite des Musikers aus Seattle. »It's a Style Sport« zeigt, wie Butler das, was er in seiner legendären Karriere gelernt hat, zu einem verspielten, schillernden Portal zusammenfügt und sich damit erneut als Künstler mit chamäleonartigem Ehrgeiz beweist, angetrieben von Neugier, Mut und grenzenloser Fantasie. Das Album ist das Ergebnis einer gemeinschaftlichen Zusammenarbeit mit vielen Mitgliedern von Butlers Tourband: Evan Flory-Barnes am Kontrabass und E-Bass; Thaddeus Turner an Gitarre, Keyboards und Gesang; Kassa Overall am Schlagzeug; Gerald Turner am Bass und Gesang; Marquetta Miller am Gesang; und Carlos Overall am Saxophon. Butlers langjähriger Freund und Mitstreiter Erik Blood übernahm Instrumentierung, Produktion und Abmischung. Auf »It's a Style Sport« wird ein Bild von Butlers früheren Leben als Rapper und Performer seiner heutigen Persönlichkeit gegenübergestellt - provokativ und aufschlussreich zugleich. Im Kern ist »It's a Style Sport« eine Ode an die Rap-Szene vergangener Jahre, als der spielerisch-wettbewerbsorientierte Ehrgeiz das Genre dazu trieb, seine Kollegen stets zu übertrumpfen, zu überholen und an Raffinesse zu übertreffen.

  Das Album »Frogs In A Pond« von Surprise Chef ist eine Auseinandersetzung mit einer gemeinsamen menschlichen Erfahrung und deren Ausdruck. Das in Australien ansässige Quintett ließ sich von europäischen Filmkomponisten der späten 60er und frühen 70er Jahre inspirieren. Die Musik vermittelt musikalische Themen in einer filmischen Landschaft aus Stimmungen und Gefühlen, die Emotionen wecken, ohne dass der Zuhörer den Film gesehen haben muss, für den die Musik komponiert wurde – und verschiebt damit Grenzen, die ihrer Musik eine einzigartige Perspektive verleihen.

»The Black Parade« ist das dritte Album der Rock-Band aus Belleville/New Jersey. Das Album wurde bereits in der ersten Woche weltweit weit über 300.000 Mal verkauft. Der Erfolg des Konzeptalbums The Black Parade war so groß, dass My Chemical Romance ihre Musik auch beim Nachfolger, dem ausgezeichneten und unterschätzten Danger Days aus dem Jahr 2010, um eine übergreifende Erzählung herum aufbauten: The True Lives of the Fabulous Killjoys. The Black Parade hat My Chemical Romance verdientermaßen zur größten Rockband der Welt gemacht. Auch vierzehn Jahre nach seiner Veröffentlichung bleibt es das definitive Album der Emo-Generation. »The Black Parade (20th Anniversary Edition)« von My Chemical Romance enthält das Originalalbum mit vierzehn Titeln. »The Black Parade« erschien im Oktober 2006 und begleitet »The Patient« durch seine Reflexionen über das Leben und seinen Übergang ins Jenseits. Das Album basiert auf dem Konzept, dass der Tod die Menschen in Form ihrer frühesten, liebgewonnenen Erinnerung heimsucht. Gepresst als Einzel-LP auf beton-grauem Vinyl in einer Hülle mit einem Fach, mit einem neuen Kunst-Beileger und bedruckter Innenhülle.

Wolves In The Throne Room zählen seit über zwei Jahrzehnten zu den prägenden Vertretern des US-amerikanischen Black Metal. Ihr neues Album »Estuary« unterstreicht ihren langjährigen Fokus auf analoge Produktionstechniken und klassische Studioprozesse. Auch nach mehr als zwanzig Jahren weigern sich die Pioniere des Cascadian Black Metal beharrlich, sich zu wiederholen oder auf ihren Lorbeeren auszuruhen. Im Gegenteil: »Estuary« ist ihr bislang dynamischstes und stilistisch vielseitigstes Album. Mit ihrem starken Bezug zur Natur verfolgen Wolves In The Throne Room ihren eigenen Weg jenseits gängiger Entwicklungen innerhalb der heutigen Musiklandschaft. Wuchtige Percussion und brodelnde Gothic-Gitarren durchbrechen jede Form von Stagnation und verleihen dem Album eine spürbare Dynamik. Reich an alchemistischen und archetypischen Bildern erforscht das Album den Übergang von Zerfall zu Erneuerung und die Wiederentdeckung ursprünglicher Kräfte. Der Großteil des Albums wurde im bandeigenen Owl Lodge Studio in Olympia, Washington, produziert und aufgenommen. Die Schlagzeugspuren entstanden unter der Regie von Nicholas Wilbur im The Unknown, einer umgebauten ehemaligen Kirche in Anacortes, Washington. »Estuary« erscheint als Ltd. CD Mediabook, als schwarze sowie als farbige Gatefold LP inkl. LP-Booklet.

Wolves In The Throne Room zählen seit über zwei Jahrzehnten zu den prägenden Vertretern des US-amerikanischen Black Metal. Ihr neues Album »Estuary« unterstreicht ihren langjährigen Fokus auf analoge Produktionstechniken und klassische Studioprozesse. Auch nach mehr als zwanzig Jahren weigern sich die Pioniere des Cascadian Black Metal beharrlich, sich zu wiederholen oder auf ihren Lorbeeren auszuruhen. Im Gegenteil: »Estuary« ist ihr bislang dynamischstes und stilistisch vielseitigstes Album. Mit ihrem starken Bezug zur Natur verfolgen Wolves In The Throne Room ihren eigenen Weg jenseits gängiger Entwicklungen innerhalb der heutigen Musiklandschaft. Wuchtige Percussion und brodelnde Gothic-Gitarren durchbrechen jede Form von Stagnation und verleihen dem Album eine spürbare Dynamik. Reich an alchemistischen und archetypischen Bildern erforscht das Album den Übergang von Zerfall zu Erneuerung und die Wiederentdeckung ursprünglicher Kräfte. Der Großteil des Albums wurde im bandeigenen Owl Lodge Studio in Olympia, Washington, produziert und aufgenommen. Die Schlagzeugspuren entstanden unter der Regie von Nicholas Wilbur im The Unknown, einer umgebauten ehemaligen Kirche in Anacortes, Washington. »Estuary« erscheint als Ltd. CD Mediabook, als schwarze sowie als farbige Gatefold LP inkl. LP-Booklet.

Fontaines D.C. veröffentlichen ihr mit Spannung erwartetes fünftes Studioalbum »Dopamine Chamber«. Produziert von James Ford, folgt es auf das international gefeierte und in Großbritannien mit Platin ausgezeichnete Album »Romance« (2024). Mit jeder ihrer bisherigen Veröffentlichungen hat sich die irische Band neu erfunden und sich längst als eine der wichtigsten und stilprägendsten Rockbands ihrer Generation etabliert. »Dopamine Chamber« setzt diesen Weg konsequent fort und markiert zugleich den bislang radikalsten Schritt ihrer Entwicklung.Während Fontaines D.C. ihre frühen Werke noch auf einer gitarrengetriebenen Klangsprache aufbauten, rücken nun kalte Synthesizerflächen, elektronische Texturen, Samples und orchestrale Elemente in den Mittelpunkt. Mehrere Songs kommen vollständig ohne Gitarren aus und eröffnen neue musikalische Räume zwischen Post-Punk, Art-Pop und futuristischen Klanglandschaften. Thematisch erkundet »Dopamine Chamber« die Beziehung zwischen Lust, Eskapismus und Angst in einer zunehmend fragmentierten Gegenwart. Die Songs bewegen sich zwischen Verlangen und Bedrohung und spiegeln eine Welt, in der digitale Reizüberflutung, politische Krisen, künstliche Intelligenz und Popkultur untrennbar miteinander verwoben sind. Frontmann Grian Chatten beschreibt das Album als eine »Dopamine Chamber«, in der unterschiedlichste Klangwelten aufeinandertreffen. Während »Romance« noch ein Gleichgewicht zwischen menschlicher Wärme und Entfremdung suchte, gewinnt auf »Dopamine Chamber« die Verzerrung der Realität bewusst die Oberhand. Hoffnung tritt in den Hintergrund, stattdessen entsteht ein Werk, das sich wie eine düstere Bestandsaufnahme einer Welt im Umbruch anhört und zugleich eine Band zeigt, die neue musikalische Höhen erklimmt. Aufgenommen wurde das Album mit James Ford in London, in ländlichen Regionen Englands sowie in Palermo. ´ Mit »Dopamine Chamber« unterstreichen Fontaines D.C. einmal mehr ihren Status als eine der kreativsten und einflussreichsten Bands der Gegenwart. Das Album präsentiert eine Gruppe, die sich konsequent jeder Wiederholung verweigert und ihre künstlerischen Grenzen immer weiter verschiebt.

Das 2000er Debüt des Quintetts aus Rheinberg erbrachte erste Erfolge für die Band. Zuvor nur auf den „Schlachtrufe BRD“-Samplern vertreten, konnten sie Fans und Kritiker mit diesem Album gleichermaßen überzeugen. Erscheint auf gelb transparentem Vinyl, limitiert auf 500 Stück.

Olivia Rodrigo und Chappell Roan vereinen sich für den Remix von expectations jetzt als limitierte 73-Vinyl vorbestellbar. Der Song stammt ursprünglich von Olivias drittem Album you seem pretty sad for a girl so in love und erhält mit Chappell Roan eine neue Facette. Produziert von ihrem gemeinsamen musikalischen Wegbegleiter Daniel Nigro, markiert die Zusammenarbeit Chappells erstes Feature. Sichere dir jetzt diese besondere Kollaboration auf Vinyl!

Diese fünfköpfige Band verbindet ihre Liebe zur Popmusik und zu düsteren Stimmungen mit einer Punk-Einstellung. Inspiriert von einer Vielzahl unterschiedlicher Künstler haben sie einen Sound geschaffen, der ganz und gar ihr eigener ist – auf eine ganz eigene, schräge Art. Als Teil der niederländischen Indie-Welle, zu der auch Bands wie Personal Trainer, Real Farmer, Lewsberg und Pip Blom gehören, bestehen The Klittens aus Yaël Dekker (Gesang), Winnie Conradi (Gitarre), Katja Kahana (Gitarre), Marrit Meinema (Bass) und Laurie Zantinge (Schlagzeug) (Sängerin Dekker ist außerdem Mitglied von The Hobknobs zusammen mit Arie van Vliet von Lewsberg). Dieses Debütalbum folgt auf ihre EPs »Citrus« (2022) und »Butter« (2024).   Mit diesen EPs tourte die Band ausgiebig durch Europa und Großbritannien, unter anderem als Vorband von Otoboke Beaver und BODEGA während deren Europatourneen. Die Band verbindet ihre Liebe zur Popmusik und zu düsteren Stimmungen mit einer Punk-Einstellung und lässt sich von einer Vielzahl von Künstlern – wie The Ronettes, MF Doom, Dry Cleaning und Kate Bush – inspirieren, um einen Sound zu kreieren, der ganz und gar auf ihre eigene, schräge Art einzigartig ist. Kritiken zur »Butter«-EP von Klittens: »Auf der großartigen EP der Amsterdamer Band trifft Ehrgeiz auf schräge Coolness. 

»Meddle« ist der sechste Longplayer von Pink Floyd. Das Album erschien ursprünglich am 30. Oktober 1971 und gilt gemeinhin als die musikalische Weiterentwicklung Pink Floyds vom Psychedelic Rock zum Artrock.   Das Album feierte große Erfolge und erreichte in Großbritannien Platz 3 der Albumcharts. In den USA erhielt »Meddle« Doppelplatin.   Die Songs entstanden überwiegend in Zusammenarbeit von Roger Waters, Dave Gilmour, Nick Mason und Richard Wright. Aufgenommen wurde »Meddle« zwischen Januar und August 1971 in den Air Studios, den Abbey Road Studios und den Morgan Studios.

Bare ist Annie Lennox' drittes Soloalbum. Für dieses Werk schrieb sie sämtliche Songs selbst und erhielt eine Grammy-Nominierung in der Kategorie »Best Pop Vocal«.   Die Erstveröffentlichung erfolgte im Juni 2003. Das Album erreichte Platz 5 der Charts und wurde sowohl im Vereinigten Königreich als auch in den USA mit Gold ausgezeichnet. Darüber hinaus platzierte es sich in den Top 20 von rund einem Dutzend weiterer Länder.   Besonders hervorzuheben ist, dass dieses erfolgreiche Album bislang noch nie kommerziell auf Vinyl veröffentlicht wurde. Diese Ausgabe markiert somit die erste offizielle Vinylveröffentlichung von »Bare« und bietet Fans sowie Sammlern die Möglichkeit, einen Meilenstein in Annie Lennox' Solokarriere in einem hochwertigen analogen Format zu erleben.

»Ersatz GB« erschien ursprünglich am 14. November 2011 bei Cherry Red Records und war das erste Album von The Fall bei diesem Label!   Mit diesem Album veröffentlichte die Band zum ersten Mal in ihrer Geschichte drei Studioalben in Folge, die mit derselben Besetzung aufgenommen wurden! Produziert wurde das Album von Mark E. Smith und Simon Archer, einem langjährigen Mitstreiter von The Fall und ehemaligen Bassisten der Band.   In seinen Begleitnotizen zum Album schrieb Smith: »Es gab hellere Mixe und Versionen, aber diese wurden verworfen, weil Helligkeit nicht zu ›Ersatz GB‹ passt!«

Das dritte Studioalbum von Holy Motors, »Heaven's Night«, verbindet die für die Band typischen westlichen Traumlandschaften mit eingängigen Pop-Melodien und New-Wave-Klängen, die für die estnische Band Neuland darstellen. Bemerkenswert ist vor allem eine neue Sanftheit in den Songs auf »Heaven's Night«, in denen Figuren vorkommen, die sich von den düsteren Sonnenuntergängen und der Outback-Melancholie des 2020 erschienenen Albums »Horse« lösen. Wie die Band selbst sagt, ist ihr neuer Sound »süß wie tropfender Honig, traurig wie Sommerregen«. Zweifellos ist »Heaven's Night« das bisher abwechslungsreichste Album von Holy Motors. Vom rasanten Galopp von »The Last Ones« bis zum poppigen Herzstück »Hellishly Hot« verleiht »Heaven's Night« der Welt der Band eine neue Wendung - eine, die etwas weniger gespenstisch und dafür etwas gefährlicher ist.  

Reissued Rise Against: Revolutions Per Minute (2026) anlässlich der aktuellen Feierlichkeiten zum 35-jährigen Jubiläum von Fat Wreck auf violettem Vinyl gepresst!   Ursprünglich 2003 über Fat Wreck Chords veröffentlicht, entstand das zweite Album von Rise Against »RPM« inmitten von Tourneen durch die USA, Kanada und Europa. Nach einigen Wochen im Studio Blasting Room Studio, wo sie gemeinsam mit Bill Stevenson (Descendents) und Jason Livermore die Aufnahmen einspielten, präsentierte sich das Quartett mit diesem von der Kritik gefeierten zweiten Studioalbum. »Revolutions Per Minute« verbindet auf meisterhafte Weise die rasante Energie des Punk mit scharfen, eingängigen Melodien. Tim McIlraths leidenschaftlicher Gesang transportiert gesellschaftskritische Texte in herausragenden Songs wie »Like the Angel« und »Black Masks & Gasoline«. Das Album prägte den Punk der 2000er Jahre maßgeblich, schlug die Brücke zwischen rohem Underground-Hardcore und Mainstream-Rock und gilt heute als Meisterwerk des Genres sowie als das definitive Underground-Werk der Band.  

Der »DJ-Kicks«-Mix von DjRUM vereint seine Arbeit als DJ, Produzent und Komponist. Aufgebaut um vier neue Eigenkompositionen sowie exklusive Beiträge – »Flip« von Skee Mask und »Clonk Dual« von Clark – entstand die Veröffentlichung aus Live-Vinyl-Mixes, die anschließend bearbeitet, collagiert und mit Overdubs erweitert wurden. Der Mix bewegt sich zwischen Ambient, Breakcore, klassischer Musik, Punk, Acid und experimentellen elektronischen Klängen und vereint eine breite Palette von Stilen zu einer durchgehenden Klangcollage.  

Die hochgeschätzte Sängerin, Songwriterin und Produzentin Mary Bragg aus Nashville legt 2026 ihr erstes neues Album seit über vier Jahren vor, das in den FAME Studios in Muscle Shoals zusammen mit dem Grammy-Gewinner John Paul White und dem gefeierten Produzenten, Toningenieur und Keyboarder Ben Tanner aufgenommen wurde.   Jeder Song ist im Grunde ein Geheimnis, das man einem Fremden anvertraut. Wenn die Wahrheit klar wird, erkennt sich der Fremde darin wieder. Mit ihrem sechsten Album in voller Länge präsentiert Bragg der Außenwelt eine Sammlung zutiefst persönlicher Geschichten.   Mary Bragg wird von einer Begleitband aus Größen des Southern Rock unterstützt, darunter Chad Gamble (Jason Isbell & the 400 Unit), Zac Cockrell (Alabama Shakes) und Jay Gonzalez (Drive-By Truckers), und liefert ein Album, das zugleich weitreichend und intim ist. »Secrets to Strangers« ist ihr eindrucksvollster Beweis für Seele, Verletzlichkeit und hart erkämpftes Selbstbewusstsein, getragen von prägnantem Songwriting und unbestreitbarer Kunstfertigkeit. Auch wenn frühere Beiträge in Rolling Stone, NPR und Forbes bereits für sie gesprochen haben, zeigt sich Bragg hier in absoluter Bestform.  

Mit »Lach doch mal« legen Bärchen und die Milchbubis ihr zweites Studioalbum seit ihrer viel beachteten Rückkehr vor. Bärchen und die Milchbubis »Jung kaputt spart Altersheime« schaffte in den 1980ern den bis heute eigenwilligen Spagat zwischen Chart-Anwärter und Punk-Slogan.   Seit der Werkschau »Endlich komplett betrunken« (2021) und dem ersten neuen Album, »Die Rückkehr des Bumm!« (2023), tritt das Trio um Annette Simons wieder live auf. Die Band, die bereits Anfang der 1980er-Jahre mit ihrer eigenwilligen Mischung aus Punk, Pop und scharfem Humor Kultstatus erlangte, knüpft dabei an ihre Stärken an und präsentiert zwölf neue Songs voller Energie, Haltung und Alltagsbeobachtungen. Zwischen humorvollen Seitenhieben, gesellschaftspolitischen Themen und persönlichen Geschichten entstehen Stücke, die gleichermaßen wütend, nachdenklich und verspielt wirken. Produziert von Tobias Levin (u.a. Tocotronic, Ja, Panik, Rocko Schamoni), verbindet das Album den charakteristischen Charme der Band mit einer zeitgemäßen Perspektive.   Gastbeiträge von Bela B, Stefanie Schrank und den Feigen Flittchen unterstreichen die kreative Offenheit dieser Veröffentlichung. »Lach doch mal« zeigt eine Band, die auch Jahrzehnte nach ihrer Gründung unverwechselbar geblieben ist.

Diese Neuauflage von »Miami Sound 2« von Soul Jazz Records würdigt die legendäre Ära von TK Records mit einer sorgfältig zusammengestellten Auswahl an Soul-, Funk-, Disco- und Boogie-Klassikern der 1970er Jahre von Künstlern wie Betty Wright, Timmy Thomas, Gwen McRae und T-Connection.   Verpackt in einem Gatefold-Cover mit zwei vollfarbigen Innenhüllen enthält sie ausführliche Liner Notes, ein neues Exklusivinterview mit Steve Alaimo, dem Mitbegründer von TK Records, sowie seltene Fotos von Larry Warmoth, dem hauseigenen Fotografen von TK. Mit einer Mischung aus Millionen-Hits, Rare-Groove-Favoriten und schwer zu findenden Perlen bietet die Sammlung einen lebendigen Überblick über den unverwechselbaren Miami-Sound, der die schwarze Musik der 1970er Jahre mitgeprägt hat.  

Als das selbstbetitelte Debütalbum von Gisbert zu Knyphausen im Jahr 2008 erschien, entwickelte es sich schnell zu einem der prägenden Werke des deutschsprachigen Singer-Songwriter-Genres.   Presse und Publikum reagierten gleichermaßen begeistert auf die besondere Mischung aus poetischer Beobachtungsgabe, persönlicher Verletzlichkeit und einer stets hoffnungsvollen Grundhaltung. Heute gilt das Album längst als moderner Klassiker, dessen Songs über die Jahre nichts von ihrer Relevanz und emotionalen Kraft verloren haben. Die Wiederveröffentlichung auf dem bandeigenen Label Rastplatz Krachgarten macht dieses wichtige Werk erneut verfügbar und richtet den Blick auf den Beginn einer außergewöhnlichen Karriere. Für den Handel bietet das Re-Release die Gelegenheit, einen zentralen Katalogtitel eines der bedeutendsten deutschen Liedermacher seiner Generation erneut prominent zu platzieren.   Als das selbstbetitelte Debütalbum von Gisbert zu Knyphausen im Jahr 2008 erschien, entwickelte es sich schnell zu einem der prägenden Werke des deutschsprachigen Singer-Songwriter-Genres. Presse und Publikum reagierten gleichermaßen begeistert auf die besondere Mischung aus poetischer Beobachtungsgabe, persönlicher Verletzlichkeit und einer stets hoffnungsvollen Grundhaltung. Heute gilt das Album längst als moderner Klassiker, dessen Songs über die Jahre nichts von ihrer Relevanz und emotionalen Kraft verloren haben. Die Wiederveröffentlichung auf dem bandeigenen Label Rastplatz Krachgarten macht dieses wichtige Werk erneut verfügbar und richtet den Blick auf den Beginn einer außergewöhnlichen Karriere. Für den Handel bietet das Re-Release die Gelegenheit, einen zentralen Katalogtitel eines der bedeutendsten deutschen Liedermacher seiner Generation erneut prominent zu platzieren.  

Jene Alben, die nie alt werden, die immer wieder mit ihrer innovativen Frische überraschen – auch nach wiederholtem Hören – und den verstreichenden Jahren trotzen.   Das 2016 erschienene Debütalbum von Heimat gehört zu jenen Platten, die man einfach gerne im Regal oder auf dem Plattenspieler stehen hat – wie ein beruhigender Talisman. Anlässlich seines 10-jährigen Jubiläums und dieser lang ersehnten Neuauflage haben wir beschlossen, dieses wegweisende Album so zu würdigen, wie es verdient: mit einem kraftvollen Remaster von Tioma Tchoulanov (UVB76, NzeNze), der eine verbesserte Dynamik bietet, und einer streng limitierten Auflage auf blauem Splatter-Vinyl.   Was für ein wunderschönes Objekt das ist, das – gemeinsam mit Armelle und Olivier Demeaux – zehn Jahre feiert, in denen die äußeren Grenzen der Musik erkundet wurden, in Frankreich und im Ausland, von SMAC-Veranstaltungsorten bis hin zu besetzten Häusern und anderen freudigen Initiativen. Ihre zutiefst aufrichtige Musik verliert nichts von ihrer naiven Spannung; die Intensität ist da, doch sie bleibt zurückhaltend, beherrscht, fast nervös, ohne sich in den Vordergrund zu drängen.   Hier ist also etwas, das dieses fantastische Album zu einem subtilen Meilenstein in einer pulsierenden Musiklandschaft macht. Eine wahrlich großartige Leistung!  

Knapp drei Jahre nach der Veröffentlichung des Debütalbums »Fear Fun« meldet sich Ex-Fleet Foxes Schlagzeuger Josh Tillman alias Father John Misty mit neuem Material zurück. Neben Phil Ek saß auch der großartige Jonathan Wilson auf dem Produzenten- und Gastmusikerstuhl und verhalf dem Album zum typischen Sound von Father John Misty.   Von dem in sich gekehrten Singer / Songwriter-Folk seiner vorherigen Soloalben ist nicht mehr viel übrig geblieben, denn hier werden bombastische Streicherarrangements ausgepackt, die die großartigen Songs in ein weiches Pop-Gewand hüllen. Dazu gesellen sich noch ein paar Mariachis, Chorgesänge, elektronische Drumsolos, Ragtime Jazz Combos und Soulsänger und machen diese Platte zu einem wahren Hörerlebnis.   ACHTUNG: Hierbei handelt es sich um ein neues Format, das ebenfalls als Digipack, aber ohne Booklet erscheint. Das Tracklisting bleibt identisch mit dem Vorgänger-Format

Alle Bloodhound-Gang-Fans aufgepasst! Denn mit »Show Us Your Hits«, dem allerersten Best Of Album der Band, meldet sich die Chaostruppe um Jimmy Pop und Evil Jared zurück!   Kaum eine Band hat in den vergangenen 15 Jahren für ähnlich viel Furore gesorgt wie die Bloodhound Gang. Der unverbesserliche Haufen aus Philadelphia ist für seine wilden Exzesse und Trinkteufel-Stunts genauso berüchtigt wie für die haarsträubenden Songtexte aus Jimmy Pops Feder und - nicht zuletzt - die grandios-eingängigen Melodien ihrer zahlreichen Hymnen.   Das Album vereint nicht nur alle großen Hits und Hymnen der Band, wie »The Bad Touch«, »Along Comes Mary« oder »Fire Water Burn«.Es wartet zudem mit einem Bonus-Track der Extra.Klasse auf. Denn Jimmy Pop macht den »Disco Pogo« zusammen mit Die Atzen. Aber auch ein kompletter neuer Song darf natürlich nicht fehlen. »Altogether Ooky« heisst er und ist ebenfalls die neue Single.   Ein absolutes Muss für alle Freunde der Bloodhound Gang!   Der respektlose Comedy-Rock und Rap-Rock der Bloodhound Gang ist hier auf dieser unverzichtbaren 1-LP-Hit-Sammlung versammelt, die auf exklusivem milchig-transparentem Vinyl gepresst ist und ein Sammlerposter enthält.   Das Set enthält die größten und zeitlosesten Hits der Band, angeführt vom internationalen Megahit »The Bad Touch« – einer Single, die sich millionenfach verkaufte und in Deutschland, Schweden sowie mehreren anderen europäischen Ländern Platz 1 erreichte, während sie in Großbritannien die Top 5 knackte. Ebenfalls enthalten sind die Fan-Favoriten »Fire Water Burn«, »The Ballad Of Chasey Lain«, »Along Comes Mary«, »Foxtrot Uniform Charlie Kilo«, »Uhn Tiss Uhn Tiss Uhn Tiss« und »I Hope You Die«, die die erfolgreichste Ära der Band vom Platin-Album »Hooray For Boobies« bis hin zu »Hefty Fine« abdecken.   Die Bloodhound Gang haben weltweit Millionen von Alben verkauft; ihr Album »Hooray For Boobies« erreichte sowohl in Deutschland als auch in Österreich Platz 1 und wurde in den USA mit Platin ausgezeichnet. Diese speziell zusammengestellte Single-LP-Ausgabe vereint die größten Chart-Hits der Band, Kultklassiker und Live-Favoriten und bietet das ultimative Bloodhound-Gang-Erlebnis in einem kompakten, sammelfreundlichen Format.  

Nicht Obi Wan Kenobi sondern Darth Vader hat IHNEN viel gelehrt. Denn ANGELIKA EXPRESS haben sich für "Die Dunkle Seite Der Macht" entschieden. Und das bereits seit 2002. Denn seit ihrem selbstbetiteltem Debütalbum begeistern uns ANGELIKA EXPRESS mit Gassenhauern wie "Geh Doch Nach Berlin" oder "Rock Fucker Rock". Jetzt gibt es Gassenhauer-Nachschub! Mit ihrem vierten und bisher facettenreichsten Studioalbum "Die Dunkle Seite Der Macht" entführen uns die Kölner Anzugpunks ab Ende November mit hemdsärmeligem Charme in eine Welt zwischen alltäglichem Abgrund und trotziger Partystimmung. Von hitverdächtigen Indie-Krachern wie "Ekelhaft Glücklich" und "Wo Ist Herr Schlimm", über das dunkel-swingende "Kristin", bis zum ungewohnt flockigen "Lebenslänglich Beatles" werden erfrischend raue Songperlen mit Popappeal und Punk im Herzen präsentiert. Beweise dafür sind auch das bissige "CDU Und Du" und eine an THE CLASH gemahnende Hymne auf den Kölner Partyuntergrund ("Die Kanonen Von Ehrenfeld"). Die Sahne auf dem saftigen Kuchen ist der Gastgesang von Aydo Abay (KEN, Ex-BLACKMAIL) der im breitbeinigen "International Punkrock Jetset" seinen Beitrag leistet. Doch "Die Dunkle Seite Der Macht" ist weit mehr als "nur" ein Musikalbum. So wurde das üppige Booklet von Mastermind und Kunstfreak Robert Drakogiannakis aufwändig in Öl auf Leinwand gepinselt. In den kommenden Monaten sollen nun die Arbeiten in einer Ausstellung präsentiert werden. ANGELIKA EXPRESS - die Band, die immer Ideen hat, wie man aus einem Album mehr als ein Album macht. Beim Vorgänger "Goldener Trash" fielen sie bereits durch die Ausgabe einer "Angelika Aktie" auf. Eine Aktion, die weitreichende mediale Aufmerksamkeit ungewohnter Art bescherte, von der "Financial Times" bis zur abendlichen "heute"-Sendung im ZDF. So ist in Zeiten der kriselnden Musikindustrie Robert Drakogiannakis mittlerweile ganz nebenbei zum Ansprechpartner Nr. 1 avanciert, wenn es um das Thema Selbstmanagement von Musikern geht. "Die dunkle Seite der Macht" erscheint nun via Cargo Records auf dem bandeigenen Label PENG

Hulder tauchte 2018 aus der Underground-Tape-Szene auf und gewann durch aufeinanderfolgende Demo- und Compilation-Veröffentlichungen, die mit seltener Überzeugungskraft die Fahne des dunklen mittelalterlichen Black Metal hissten, rasch eine treue Anhängerschaft. »Godslastering: Hymns of a Forlorn Peasantry«, das ursprünglich 2021 erschienene Debütalbum der Band, war das Werk, das die Ernsthaftigkeit des Projekts unter Beweis stellte: acht Titel, die die rohe Disziplin der frühen Kassetten zu etwas architektonisch Vollständigerem, texturreicherem und mitreißend umgesetztem ausweiteten. Das Album bewegt sich zwischen zwei Stilen, ohne jemals an Kohärenz zu verlieren: Es gibt Stücke von reduzierter, von Blastbeats getriebener Intensität, in denen die Gitarren beißen und sich die Atmosphäre wie Frost auf Stein verdichtet, und es gibt Passagen mit Akustikgitarre, mittelalterlichem Keyboard und gemächlichen Melodien, die dem Album eine echte emotionale Tiefe verleihen, ohne seine Schärfe zu mildern. »De Dijle«, benannt nach dem Fluss, der durch Hulders Heimatstadt Mechelen fließt, verankert das Album in einer konkreten Geografie: die belgische Tiefebene als Quelle von Folklore, Dunkelheit und einem Gefühl uralter Kontinuität, das sich durch das lyrische Gewebe zieht. »A Forlorn Peasant's Hymn« ist der fesselndste strukturelle Moment: Er beginnt mit einem ätherischen, klaren Gesang, bevor er in ätzenden Black Metal zerbricht – ein Kontrast, der funktioniert, weil das Songwriting ihn verdient, anstatt ihn einfach nur als Effekthascherei einzusetzen. Die Produktion weist genau das richtige Maß an Vernebelung auf: voll genug, um jedem Element Raum zum Atmen zu geben, und roh genug, um die Underground-Wurzeln hörbar zu halten.

Es ist fast sieben Jahre her, seit The Throne Within erschien – ein Album, das von spirituellen und metaphysischen Themen geprägt war. Mit Against schlägt die Band einen bodenständigeren Weg ein und konzentriert sich auf das Erlebnis, über vernünftige Grenzen hinaus gedrängt zu werden und sich zu weigern, klein beizugeben. Das Album fängt genau diesen Moment des Widerstands ein – „jenes Feuer des Aufbegehrens, das letztlich Titel und Botschaft des Werks bestimmt“, wie Ram es ausdrückt. Das vom Sänger selbst entworfene Album-Artwork spiegelt eine bewusste Hinwendung zur Schlichtheit wider. Im Gegensatz zu früheren, symbolträchtigen Cover-Gestaltungen liegt der Fokus nun ganz auf dem ikonischen Emblem der Band – dem Schädel mit Widderhörnern –, wodurch die Identität der Gruppe unverkennbar bleibt. Letztlich ist Against ein klares Bekenntnis, eine Bekräftigung der eigenen Identität und Zielsetzung. Oder, um es mit ihren eigenen Worten zu sagen: „Fürchtet die Rückkehr der HEAVY-METAL-TYRANNEI!“

Der Komponist und Multi-Instrumentalist Koen Holtkamp hat mehr als zwei Jahrzehnte damit verbracht, ein Werk an der Schnittstelle von Ambient, experimenteller und elektroakustischer Musik zu schaffen. Bekannt für seine Rolle im einflussreichen Duo Mountains sowie für ein Solowerk, das sich durch Textur und räumliches Bewusstsein auszeichnet, erforscht Holtkamp seit langem, wie Klang mit der Umgebung und der Wahrnehmung interagiert. Mit »Nightlife« tritt er in eine neue Phase dieser Auseinandersetzung ein, die ebenso sehr von einem physischen Umzug wie von künstlerischer Weiterentwicklung geprägt ist. Nachdem er Brooklyn verlassen hatte, um in die relativ ländliche Umgebung des New Yorker Hudson Valley zu ziehen, tauchte Holtkamp tief in die Natur ein und nahm einen langsameren Lebensrhythmus an – eine Veränderung, die die Entstehung des Albums unmittelbar beeinflusste. Anstatt sich Hals über Kopf in ein neues Projekt zu stürzen, ließ er sich vom Raum selbst leiten und konzentrierte sich auf Experimentieren und Spiel, statt auf ein festgelegtes Ergebnis. Im Laufe der Zeit entstand aus seinem modularen System ein neues Instrument, das auf Physical-Modeling-Techniken basiert, welche den Klang gezupfter Saiten nachahmen. Ausgehend von einer tiefen Verbundenheit mit akustischen Traditionen – von Gitarrensoli bis hin zur Kora und anderen Saiteninstrumenten – begann er, diese Einflüsse in eine elektronische Sprache zu übersetzen und schuf so Musik, die sich trotz ihrer synthetischen Natur greifbar, überschwänglich und sogar intim anfühlt. Während die Stücke Gestalt annahmen, erweiterte Holtkamp das Projekt zu einer Art imaginärem Ensemble. Das Album, das mit Blick auf bestimmte Mitwirkende komponiert wurde, enthält umfangreiche Beiträge des Schlagzeugers Greg Fox sowie des Saxophonisten und Flötisten Matt Bauder, deren Spiel das Material subtil umgestaltet und ihm fließendere, liedhafte Formen verleiht, ergänzt durch einen Gastauftritt von Ben Vida am Synth-Bass. Doch auch wenn »Nightlife« gelegentlich an eine Band in Bewegung erinnert, widersetzt sich seine Struktur einem traditionellen Zusammenhalt. Akustische und elektronische Klangkomponenten koexistieren und erzeugen ein hyperdimensionales Raumgefühl, wobei jedes Element bewusst in seiner eigenen, unverwechselbaren Umgebung platziert ist, was eine komplexe und zugleich einladende Kulisse schafft, die sich sowohl jenseitig als auch vollkommen natürlich anfühlt. Ein Großteil des Albums entstand während nächtlicher Sessions, die zu einer Art persönlichem Ritual wurden und letztlich den Titel inspirierten. »Nightlife« entfaltet sich als eine Reihe fein detaillierter Klangwelten, in denen Stille, Textur und subtiles Zusammenspiel Vorrang vor Dynamik haben. Jedes Stück lädt zum aufmerksamen Zuhören ein, bleibt dabei jedoch offen und ungezwungen und spiegelt sowohl eine Veränderung des Tempos als auch eine Vertiefung der Konzentration wider. Das Ergebnis vertieft Holtkamps anhaltendes Interesse daran, wie Klang die Räume, in denen wir leben, prägen kann und von ihnen geprägt wird.

Röhrender Gitarrensound, voluminöser Bass und treibende Drums! Das Powertrio aus Dortmund verbindet perfekt Stoner, Grunge, Psychedelic und Post Punk in ihren abwechslungsreichen Kompositionen. Seit Erscheinen ihres im November 2024 von Muiskmedien gefeierten Debütalbums »Neuzeit«, begeisterte LBC Musikfans auf mehr als 60 Shows in ganz Europa. Ihr zweites Studioalbum erklimmt durch die Live-Erfahrung nun ein noch höheres Level, vereint Klangstrukturen so verschiedenster Genres wie Grunge, Post Punk. Hard und Stoner Rock, teilweise in einem Song - das Markenzeichen von Last Bolt Ceremony! Heavy Psych Post Grunge für Fans von Fu Manchu, Daily Thompson, The Picturebooks, Truly, Okay You Win.

Mit »Glimmerence« veröffentlicht die Berliner Sängerin und Songwriterin Mirna Bogdanovic ihr drittes Album - eine eindringliche Sammlung poetischer Songs zwischen Jazz, Art-Pop und emotionalem Storytelling. Der eigens geprägte Titel beschreibt einen Schwebezustand zwischen Liebe und Illusion und bildet den roten Faden dieser zutiefst persönlichen Musik. Gemeinsam mit einigen der profiliertesten Musiker der Berliner Jazzszene entstehen fein nuancierte Klangwelten, in denen Stimme, Text und Arrangement untrennbar miteinander verschmelzen. Bogdanovic verbindet vokale Ausdruckskraft mit erzählerischer Tiefe und macht jeden Song zu einer atmosphärischen Momentaufnahme voller Nähe und Intensität. Mit einer eindrucksvollen Neuinterpretation von Chris Isaaks »Wicked Game« setzt das Album einen kraftvollen Schlusspunkt. »Glimmerence« ist ein vielschichtiges, emotionales Werk über Sehnsucht, Verletzlichkeit und Selbstermächtigung - und ein starkes Statement einer der spannendsten Stimmen des zeitgenössischen europäischen Jazz.

Danielle Ponder, die in Rochester geborene und in Atlanta verwurzelte Singer-Songwriterin mit einer der beeindruckendsten Stimmen der Musikszene, kündigt ihr zweites Album »Everything Has Changed« an, das über Dead Oceans erscheint – ihr Label-Debüt, das in Zusammenarbeit mit Phoebe Bridgers veröffentlicht wird. Außerdem präsentiert sie die erste Single, »Sun and Moon« eine unwiderstehliche Hymne an den zermürbenden Kreislauf einer Liebe, die erst dann auftaucht, wenn du dich bereits abwendest. Produziert von Grammy-Preisträger Mike Elizondo zusammen mit Barney Lister, verbindet der Song Ponders gewaltige Stimme mit einem Groove, der seine ganze Tiefe verbirgt: wie viel von uns selbst wir an Menschen abgeben, die das Hinterherlaufen mit Liebe verwechseln. »You ain't no catcher, you just want to chase me«, singt sie und verwandelt Herzschmerz in persönliche Erlösung. Danielle Ponder hat es satt, auf eine zukünftige Version ihrer selbst zu warten. Sie lebt ganz selbstbewusst im Hier und Jetzt. Diese Erkenntnis ist die Triebfeder für »Everything Has Changed«, Ponders mit Spannung erwartetes zweites Album, aufgenommen mit Grammy-Preisträger Mike Elizondo sowie Bartees Strange, Avis Reese und Ray Jones. Die LP ist Ponders bislang selbstbewusstestes Statement: Sie entstand in einer Zeit tiefgreifender Veränderungen, in der sich die beliebte Sängerin von einer Anwältin zu einer vollwertigen musikalischen Kraft entwickelte Diese künstlerische Freiheit zieht sich wie ein roter Faden durch das Album, wie auf der Lead-Single ›Power« zu hören ist, die sowohl als Erklärung als auch als Bekräftigung für die schwarze Diaspora dient. Zu den weiteren Höhepunkten zählen das aufschlussreiche »Sun and Moon«, die erhabene Blues-Ballade »God of You« und das erschütternd verletzliche »Open Windows«. »Everything Has Changed« zerlegt die Geschichten, die Ponder sich einst selbst erzählte, und findet Frieden in dem, was übrig bleibt - alles Themen, die einen Großteil ihres Lebensweges geprägt haben. Musik war ihr Leben lang stets präsent, doch im Erwachsenenalter gewann zunächst die Vernunft die Oberhand. Während sie mit der Band ihrer Familie auftrat und später eigene Projekte entwickelte, verfolgte Ponder eine juristische Karriere mit Schwerpunkt auf der Reform der Strafjustiz. Erst mit Ende 30 erlaubte sie sich, ernsthaft davon zu träumen, Musik als mehr als nur ein Nebenprojekt zu betrachten. 2021, im Alter von 39 Jahren, wagte sie schließlich den Sprung, ließ die Rechtswissenschaft hinter sich und widmete sich ganz ihrer künstlerischen Laufbahn. Das Wagnis zahlte sich aus: Sie unterzeichnete ihren ersten Plattenvertrag im Jahr 2022 und wurde damit zur Vorreiterin auf ihrem eigenen ungewöhnlichen Weg zu weltweitem Ruhm. Ihr Debütalbum »Some of Us Are Brave« präsentierte Ponder als eine der faszinierendsten neuen Stimmen der Soul-Musik - dank Singles wie »Someone Like You«, »Roll The Credits«, und dem kraftvollen Titelsong. Die LP wurde von Kritikern hoch gelobt und erzielte Dutzende bedeutender Sync-Platzierungen, darunter die jüngste Apple-Kampagne für das iPhone 16 Pro. Seitdem hatte sie vier große Fernsehauftritte, darunter bei »Jimmy Kimmel Live!«.Ponder hat zudem Konzerte in ganz Nordamerika und Europa ausverkauft, darunter Festivalauftritte bei Bonnaroo, Lollapalooza, Afropunk und dem Montreux Jazz Festival.Doch während »Some of Us Are Brave« ihr den Durchbruch bescherte, dokumentiert »Everything Has Changed« ihre Weiterentwicklung.

Im Oktober 2026 veröffentlichen Teenage Fanclub ihr neues Album »Do Not Dare To Dream« bei Merge Records. Das 13. Studioalbum einer der beständigsten und beliebtesten Indie-Rock Bands knüpft an das hochgelobte 2023er-Album »Nothing Lasts Forever« an und zeigt, wie die Gruppe ihre charakteristische Mischung aus melodischen Gitarren, warmen Harmonien und nachdenklichem Songwriting weiterentwickelt und ihre unverwechselbare Mischung aus melodischen Gitarren, warmen Harmonien und nachdenklichen Texten verfeinert. Heute freut sich die Band, die Lead-Single des Albums »Day In The Sun«, eine melodische Meditation über Erneuerung und einen Perspektivwechsel, zusammen mit einem dazugehörigen Musikvideo zu veröffentlichen, das von Donald Milne vor Ort im Black Bay Studio auf Great Bernera gedreht wurde. Norman Blake und Raymond McGinley machen seit 37 Jahren gemeinsam Musik bei Teenage Fanclub, und auch wenn manche Aspekte des Bandlebens mit der Zeit einfacher geworden sind, können ihnen die einfachsten Dinge immer noch einen Strich durch die Rechnung machen. Blake sagt dazu: »Es ist schwierig, wenn es darum geht, sich einen Namen für ein Album auszudenken. Vor allem, wenn man schon 12 davon gemacht hat.« Der Titel »Do Not Dare To Dream« leitet sich ab von Blakes »I Do Not Dare To Dream«, einem mitreißenden, hymnischen Song, der von klangvollen Akustikgitarren getragen und am Ende von einem Duell elektrischer Gitarren begleitet wird, die sich wie eine beruhigende Umarmung umeinander schlingen. Blake erklärt, dass der Titel jene Memes verspotten soll, die die Menschen dazu auffordern, zu träumen, was für ihn irgendwie lächerlich ist. »Ich glaube nicht, dass die Welt so funktioniert.« Das 13. Album von Teenage Fanclub ist voller Songs, die ruhig und entschlossen sind und eine Bestandsaufnahme des angespannten Zustands der Welt vornehmen, ohne der Verzweiflung zu verfallen. Blakes warme, von Orgelklängen untermalte Midtempo-Ballade »Day In The Sun« und Raymond McGinleys ,Over And Over» sprechen beide davon, wie jeder einen neuen Sinn im Leben finden kann, indem er sein Herz öffnet. »Wir können immer noch fröhlich und optimistisch sein, auch wenn die Lage nicht gerade rosig ist«, sagt McGinley. Blake und McGinley werden auf »Do Not Dare To Dream« von ihren Bandkollegen Euros Childs (Keyboards und Gesang), Francis Macdonald (Schlagzeug) und David McGowan (Bass) begleitet. Dieses Quintett spielt nun schon so lange zusammen, dass keiner der beiden Hauptsongwriter und Gitarristen von Teenage Fanclub das Bedürfnis verspürt, sich vor dem Gang ins Studio über ihre Songs den Kopf zu zerbrechen oder Arrangements auszuarbeiten. Sie warten lieber auf die Beiträge der übrigen Bandmitglieder. Die Aufnahmen fanden im Black Bay Studio in der Ortschaft Kirkibost auf der schottischen Insel Great Bernera in den Äußeren Hebriden statt. Wie langjährige Fans wahrscheinlich wissen, nimmt Teenage Fanclub jedes Album an einem neuen Ort auf, damit die einzigartige Atmosphäre dieses Ortes die Musik beeinflussen kann. Great Bernera war ihr bislang abgelegenster Aufnahmeort, was der Band half, sich auf die Arbeit zu konzentrieren, sie aber auch in einen Zustand der Ehrfurcht versetzte, da sie von der tosenden See und antiken Ruinen umgeben waren. Das Ergebnis ist eine Sammlung von Liedern, die von der richtigen Perspektive von Musikern durchdrungen ist, die schon eine Weile im Geschäft sind, aufgenommen an einem Ort, der schon noch länger existiert. Wie Blake es ausdrückt: »Ich glaube, es läuft einfach so ab, dass man von einer Sache zur nächsten übergeht, und ehe man sich versieht, sind 30 Jahre vergangen.« McGinley fügt hinzu: »Ja, es ist schon eine ganze Weile her, seit wir mit dem angefangen haben, was wir tun, aber für uns kommt es uns vor, als wäre überhaupt keine Zeit vergangen. An dem Ort, an dem wir das Album aufgenommen haben, wurde schon vor Tausenden von Jahren gesungen. Das Leben ist kurz, aber die Musik ist ewig.«

Das einzige Trennungsalbum, das man besitzen sollte. Mit seinen schwebenden Harmonien, taschenraubartigen Rhythmen und den in der Ferne um 2 Uhr morgens heulenden »Krankenwagen«-Gitarrensoli verbreitete sich Idas zweites Album aus dem Jahr 1996 von Brooklyn aus über herausnehmbare Auto-CD-Player und Mixtapes von Fernliebenden. Ursprünglich auf dem traditionsreichen Label »Simple Machines« veröffentlicht, enthält diese zum 30-jährigen Jubiläum erschienene Deluxe-Edition von »I Know About You« bei Numero ein halbes Dutzend Extras, eine Fülle an fotografischem Material sowie neue Einblicke von Jenny Toomey und Sara Marcus. Taschentücher sind nicht im Lieferumfang enthalten.

Wewantsounds freut sich, sein Reissue-Programm zu Ziad Rahbani mit »Ana Moush Kafer« fortzusetzen – einem Klassiker der libanesischen Legende Ziad Rahbani, der 1985 auf dem Höhepunkt des libanesischen Bürgerkriegs in seinem By-Pass-Studio in Beirut aufgenommen wurde. Das Album, das Rahbanis charakteristische Mischung aus arabischer Musik mit Einflüssen von Jazz-Funk und Bossa Nova präsentiert, hat im Laufe der Jahre Kultstatus erlangt. Ursprünglich auf Kassette veröffentlicht, war es bisher noch nie auf Vinyl erhältlich. Diese neu remasterte Ausgabe präsentiert das originale »Relax-In«-Kassetten-Cover von 1985 und enthält neue Liner Notes von Mario Choueiry vom Institut du Monde Arabe in Paris.

Mit »Welcome to Earth« verwandeln Death Valley Girls persönliche Verluste in ein ebenso berührendes wie lebensbejahendes Psychedelic-Rock-Album über Heilung, Gemeinschaft und Verbundenheit. Der Weg zu »Welcome to Earth« von den Death Valley Girls beginnt in der Asche des Eaton-Feuers in Kalifornien. Nachdem sie ihr Zuhause in Altadena und kurz darauf auch ihren geliebten Hund Tommy verloren hatte, sah sich die Leadsängerin und Songwriterin Bonnie Bloomgarden mit Fragen konfrontiert, auf die es keine einfachen Antworten gab: Was überlebt eine Katastrophe? Was bleibt nach einem Verlust übrig? Wie baut man ein Leben wieder auf, wenn die Dinge, die es einst ausmachten, verschwunden sind? Das Album, das aus diesen Fragen hervorging, gehört zu den intimsten und tiefgründigsten Werken, die die Death Valley Girls je geschaffen haben. Im gesamten Schaffen der Band haben sie Musik sowohl als Feier als auch als Suchaktion betrachtet.Alben wie »Glow in the Dark«, »Darkness Rains«, »Under the Spell of Joy« und »Islands in the Sky« verwandelten ihren Space-Rock-Sound in ein Mittel zur spirituellen Suche, um inmitten des alltäglichen Chaos Momente der Transzendenz zu finden. Doch »Welcome to Earth« unterscheidet sich deutlich von seinen Vorgängern. Es konzentriert sich weniger darauf, der Welt zu entfliehen, als vielmehr darauf, zu verstehen, wie man nach einer Verwüstung verbunden bleibt. Was dabei entstand, war nicht unbedingt ein Psych-Punk-Album über Verlust, sondern über Verbundenheit: die unsichtbaren Fäden, die Menschen, Tiere, Erinnerungen, Landschaften und Leben über die Zeit hinweg miteinander verbinden.Der Titel des Albums fungiert sowohl als Begrüßung als auch als Mahnung - ein Willkommen aus der Natur an eine Spezies, die ihren Platz in ihr weitgehend vergessen hat.Immer wieder kehren die Lieder zu der Möglichkeit zurück, dass Trennung die hartnäckigste Illusion der Menschheit sein könnte. Diese Vorstellung von Verbundenheit reicht über die Lieder selbst hinaus.

Seit fast zwanzig Jahren tourt der schwedische Singer-Songwriter Kristian Matsson als »The Tallest Man on Earth« um die Welt und hat sich damit einen einzigartigen Platz in der zeitgenössischen Folkmusik erobert. Seine Diskografie wurde lange Zeit durch die Brille der amerikanischen Folk-Tradition betrachtet. Doch »Just Beyond Endless Mountain«, das im Oktober 2026 über Anti- Records erschienen ist, stellt diese Perspektive still und leise auf den Kopf. Nach seiner Rückkehr in seine Heimat Dalarna in Mittelschweden hörte Matsson sich plötzlich die Musik an, die er jahrelang hinter sich lassen wollte: die Polkas, die alten Feldaufnahmen und die Klänge der lokalen Traditionen, die ihn seit seiner Kindheit umgeben hatten. Das Ergebnis ist keine Rückkehr in die Vergangenheit, sondern ein Schritt in neues musikalisches Terrain. Die schwedische Volksmusik hat seine Melodien, seine Stimme und seine Art, Songs zu schreiben, neu geprägt. The Tallest Man on Earth ist zurück mit seinem bislang am tiefsten verwurzelten Album. »Just Beyond Endless Mountain« schlägt ein unerwartetes neues Kapitel in einer Karriere auf, die sich nie mit Altbekanntem zufrieden gegeben hat.

Das einzige Trennungsalbum, das man besitzen sollte. Mit seinen schwebenden Harmonien, taschenraubartigen Rhythmen und den in der Ferne um 2 Uhr morgens heulenden »Krankenwagen«-Gitarrensoli verbreitete sich Idas zweites Album aus dem Jahr 1996 von Brooklyn aus über herausnehmbare Auto-CD-Player und Mixtapes von Fernliebenden. Ursprünglich auf dem traditionsreichen Label »Simple Machines« veröffentlicht, enthält diese zum 30-jährigen Jubiläum erschienene Deluxe-Edition von »I Know About You« bei Numero ein halbes Dutzend Extras, eine Fülle an fotografischem Material sowie neue Einblicke von Jenny Toomey und Sara Marcus. Taschentücher sind nicht im Lieferumfang enthalten.

Tramhaus aus Rotterdam wurden nach der Veröffentlichung ihres Debütalbums »The First Exit« (2024) und zahlreichen Shows in ganz Europa (und weit darüber hinaus!) bereits als »DIE holländische Post-Punk-Sensation« beschrieben und wahrgenommen. Im Oktober2026 erscheint »Blister« über Siluh Records. Die Band bewegt sich seit ihrer Gründung 2020 zwischen treibendem Post-Hardcore und Indierock-/Shoegaze-Anleihen, garniert mit einem Schuss kalkulierter Dissonanz. Dabei verorten sich Tramhaus,über die musikalischen Einflüsse hinaus, explizit als Teil einer organisch gewachsenen, internationalen Szene, eines Netzwerks aus unabhängigen Agenturen, Labels und Veranstaltern mit deren Hilfe die Band nach der Veröffentlichung ihres Debütalbums innerhalb ein, zwei Jahren zum Szene-Tipp avancierte. Kraftvoll, laut und selbstbewusst gewinnt Blister bei wiederholtem Hören an Format. Das Album besticht durch eine neue Eleganz sowie spürbarem Raumgefühl und enormer Wucht. Dies rührt zum Teil aus einer gewachsenen, detaillierteren Produktion her, die auch die vielen Zwischentöne einfängt.

»Edge Conditions« bietet einen neuen Einblick in die beatlastige elektronische Musik von Jeremiah Chiu. Sein 2023 im Vintage Synth Museum in LA aufgenommenes Album »Electric Time« – ein Werk, bei dem der erste Gedanke gleich der beste war – gewährte einen Einblick in seinen Solo-Schaffensprozess und seinen Sound und entwickelte sich schnell zu einem Fan-Favoriten. In vielerlei Hinsicht ist dieses neue Werk ein kompletter Neuanfang. Nach zwei eher ambient-lastigen Duo-Alben mit Marta Sofia Honer und zwei improvisierten Trance-Jazz-LPs mit dem L.A.-Quintett SML versetzt »Edge Conditions« Chiu in eine Welt vielschichtiger, mal tanzbarer, mal chilliger Rhythmus-Exkursionen im Stil des klassischen Four Tet oder Aphex Twin.

Alex Cameron präsentiert auf seinem fünften Album seine bislang düstersten und introspektivsten Songs. Die melancholische Stimmung schärft sein Songwriting, ohne dabei sein Gespür für eingängige Melodien zu verlieren. Der australische Künstler beweist einmal mehr, warum er zu den faszinierendsten Geschichtenerzählern des modernen Indie-Pop zählt.

Kleine Jazzensembles haben in Billie Holiday immer das Beste hervorgebracht. Vor allem, wenn sie so ausgezeichnet besetzt waren wie jene, die ihr auf »Body And Soul« zur Seite stand und in der als Solisten Ben Webster und Harry »Sweets« Edison glänzten. Wie der Poet und Romancier Al Young in den Linernotes des Albums feststellt, waren die beiden nicht nur begnadete Solisten, sondern ebenso einfühlsame Begleiter. Eine bessere Band hätte sich Lady Day für die Vertonung der Jazzstandards von »Body And Soul« kaum wünschen können. Die Verve Essentials bieten hochwertige LP-Ausgaben berühmter Alben des legendären Jazzlabels zu einem attraktiven Preis. Sie werden von Hi-Res-Mastern gefertigt, bei Optimal auf 140-Gramm-Vinyl gepresst und in originalgetreuen Single-Sleeve-Covern verpackt. Der perfekte Einstieg für neue Jazzfans oder eine erschwingliche Möglichkeit, Lücken in der Sammlung zu schließen.

Auch wenn einige Kritiker Coltranes Ballads als zu leicht befanden, an diesem Album gibt es nichts auszusetzen. Der Jazz-Saxophonist tut, was er immer tat: Mit unermüdlichem Willen, sich persönlich wie auch künstlerisch weiterzuentwickeln, erkundet er neue Modi seines Spiels. Auf »Ballads« betont er dessen sanfte Seite - ein Weg, den er mit Johnny Hartman und Duke Ellington ging. Diese Zusammenarbeit mit McCoy Tyner ist weder angriffslustig noch nach außen gerichtet. Coltrane ist ganz bei sich, manchmal vorhersehbar, und doch sind dies die Vorzüge des Albums. John Coltrane (1926-1967) entwickelte seine völlig eigene Spielweise, die besonders durch seine Melodieführung und seinen unverwechselbaren Sound geprägt war. Er gilt damit als einer der ganz Großen der Jazz-Geschichte. Mit »Ballads« wurden besonders seine raffinierten und gefühlvollen Interpretationen einiger Standard-Balladen zusammengestellt, die seinen »göttlichen« Sound besonders betonen und zu den Klassikern Coltranes zählen. Ob zum Dinner oder zum Entspannen – diese Coltrane-Compilation lässt sich genießen wie ein tiefgreifender Bordeaux aus dem Medoc. Charakterstark und unverkennbar! Jazz, wie er klingen muss! »Ballads« ist ein besonderes Coltrane-Meisterwerk und dauerhafter Bestseller, aufgenommen im Dezember 1961 mit Coltranes klassischem Quartett: dem Pianisten McCoy Tyner, dem Bassisten Jimmy Garrison und dem Schlagzeuger Elvin Jones. Auf die Frage nach dem Grund für ein solches Unternehmen antwortete Coltrane: »Vielfalt«. Die Aufnahme fängt das berühmte John Coltrane Quartet in einer Performance zeitloser Balladen ein. Coltrane war einer der größten Balladenspieler des Jazz, und seine lyrischen Gaben kommen hier deutlich zur Geltung. Die Verve Essentials bieten hochwertige LP-Ausgaben berühmter Alben des legendären Jazzlabels zu einem attraktiven Preis. Sie werden von Hi-Res-Mastern gefertigt, bei Optimal auf 140-Gramm-Vinyl gepresst und in originalgetreuen Single-Sleeve-Covern verpackt. Der perfekte Einstieg für neue Jazzfans oder eine erschwingliche Möglichkeit, Lücken in der Sammlung zu schließen.

Zeitloser Jazz von zwei der größten Namen im Jazzbusiness. »Ella and Louis« ist ein Studioalbum von Ella Fitzgerald und Louis Armstrong aus dem Jahr 1956, begleitet vom Oscar Peterson Quartett. Nachdem sie bereits in den späten 1940er Jahren für das Label Decca zusammengearbeitet hatten, war dies das erste von drei Alben, die Fitzgerald und Armstrong gemeinsam für Verve Records aufnehmen sollten! Das vielleicht bestgelaunte Jazz-Album aller Zeiten und ein künstlerischer & aufnahmetechnischer Glanzpunkt. Nachdem Ella Fitzgerald und Louis Armstrong am Abend zuvor gemeinsam bei einem All-Star-Konzert aufgetreten waren, gingen sie am 16. August 1956 in ein Studio in L. A. um dieses Juwel von einem Album aufzunehmen. Obwohl sie keine Zeit für Proben hatten, stimmte sofort die Chemie, das Ergebnis ist eine der wenigen wirklich unverzichtbaren Aufnahmen des Jazz. Die Verve Essentials bieten hochwertige LP-Ausgaben berühmter Alben des legendären Jazzlabels zu einem attraktiven Preis. Sie werden von Hi-Res-Mastern gefertigt, bei Optimal auf 140-Gramm-Vinyl gepresst und in originalgetreuen Single-Sleeve-Covern verpackt. Der perfekte Einstieg für neue Jazzfans oder eine erschwingliche Möglichkeit, Lücken in der Sammlung zu schließen.

»Getz/Gilberto«, der Bossa-Nova-Klassiker von Stan Getz, João und Astrud Gilberto, ist eines der berühmtesten Verve-Alben und eine der meistverkauften Jazz-LPs aller Zeiten. Der Zufall schreibt manchmal die schönsten Geschichten. So wie im Fall von »Getz/Gilberto«. Denn eigentlich hatte Astrud Gilberto ihren Mann João Gilberto nur als Dolmetscherin zu den Aufnahmen begleitet.Dann aber ließ Stan Getz Astrud, obwohl sie gar keine professionelle Sängerin war, die Titel »The Girl From Ipanema» und »Corcovado« einsingen. Das Album, an dessen Einspielung auch Jobim und die Schlagzeug-Legende Milton Banana beteiligt waren, wurde zu einem weltweiten Hit und gewann als erste Jazzproduktion überhaupt den Grammy für das beste Album des Jahres. »Getz / Gilberto«, der Bossa-Nova-Klassiker von Stan Getz, João und Astrud Gilberto, ist eines der berühmtesten Verve-Alben und eine der meistverkauften Jazz-LPs aller Zeiten. Der Zufall schreibt manchmal die schönsten Geschichten. So wie im Fall von »Getz / Gilberto«. Denn eigentlich hatte Astrud Gilberto ihren Mann João Gilberto nur als Dolmetscherin zu den Aufnahmen begleitet. Dann aber ließ Stan Getz Astrud, obwohl sie gar keine professionelle Sängerin war, die Titel »The Girl From Ipanema« und »Corcovado« einsingen. Das Album, an dessen Einspielung auch Antônio Carlos Jobim und die Schlagzeug-Legende Milton Banana beteiligt waren, wurde zu einem weltweiten Hit und gewann als erste Jazzproduktion überhaupt den Grammy für das beste Album des Jahres. Die Verve Essentials bieten hochwertige LP-Ausgaben berühmter Alben des legendären Jazzlabels zu einem attraktiven Preis. Sie werden von Hi-Res-Mastern gefertigt, bei Optimal auf 140-Gramm-Vinyl gepresst und in originalgetreuen Single-Sleeve-Covern verpackt. Der perfekte Einstieg für neue Jazzfans oder eine erschwingliche Möglichkeit, Lücken in der Sammlung zu schließen.

Erneut aufgenommen im legendären Kerwax Studio von Christophe Chavanon, komplett auf analogem Band und mit analoger Technik, ist die neueste LP von Witchthroat Serpent, »Demons Left To Roam«, eine weitere Hymne an die düsteren Träume und Ängste des letzten Jahrhunderts, an moralische Panik und die gruseligen Kostüme von Halloween in den 30er Jahren. Mächtige und raue Gitarrenwände, dröhnender Stereobass und plündernde, rituelle Trommeln. Lieder voller Horrorgeschichten und satanischer Litaneien, getragen von gespenstischem Gesang.

Im Oktober 2026 veröffentlichen Teenage Fanclub ihr neues Album »Do Not Dare To Dream« bei Merge Records. Das 13. Studioalbum einer der beständigsten und beliebtesten Indie-Rock Bands knüpft an das hochgelobte 2023er-Album »Nothing Lasts Forever« an und zeigt, wie die Gruppe ihre charakteristische Mischung aus melodischen Gitarren, warmen Harmonien und nachdenklichem Songwriting weiterentwickelt und ihre unverwechselbare Mischung aus melodischen Gitarren, warmen Harmonien und nachdenklichen Texten verfeinert. Heute freut sich die Band, die Lead-Single des Albums »Day In The Sun«, eine melodische Meditation über Erneuerung und einen Perspektivwechsel, zusammen mit einem dazugehörigen Musikvideo zu veröffentlichen, das von Donald Milne vor Ort im Black Bay Studio auf Great Bernera gedreht wurde. Norman Blake und Raymond McGinley machen seit 37 Jahren gemeinsam Musik bei Teenage Fanclub, und auch wenn manche Aspekte des Bandlebens mit der Zeit einfacher geworden sind, können ihnen die einfachsten Dinge immer noch einen Strich durch die Rechnung machen. Blake sagt dazu: »Es ist schwierig, wenn es darum geht, sich einen Namen für ein Album auszudenken. Vor allem, wenn man schon 12 davon gemacht hat.« Der Titel »Do Not Dare To Dream« leitet sich ab von Blakes »I Do Not Dare To Dream«, einem mitreißenden, hymnischen Song, der von klangvollen Akustikgitarren getragen und am Ende von einem Duell elektrischer Gitarren begleitet wird, die sich wie eine beruhigende Umarmung umeinander schlingen. Blake erklärt, dass der Titel jene Memes verspotten soll, die die Menschen dazu auffordern, zu träumen, was für ihn irgendwie lächerlich ist. »Ich glaube nicht, dass die Welt so funktioniert.« Das 13. Album von Teenage Fanclub ist voller Songs, die ruhig und entschlossen sind und eine Bestandsaufnahme des angespannten Zustands der Welt vornehmen, ohne der Verzweiflung zu verfallen. Blakes warme, von Orgelklängen untermalte Midtempo-Ballade »Day In The Sun« und Raymond McGinleys ,Over And Over» sprechen beide davon, wie jeder einen neuen Sinn im Leben finden kann, indem er sein Herz öffnet. »Wir können immer noch fröhlich und optimistisch sein, auch wenn die Lage nicht gerade rosig ist«, sagt McGinley. Blake und McGinley werden auf »Do Not Dare To Dream« von ihren Bandkollegen Euros Childs (Keyboards und Gesang), Francis Macdonald (Schlagzeug) und David McGowan (Bass) begleitet. Dieses Quintett spielt nun schon so lange zusammen, dass keiner der beiden Hauptsongwriter und Gitarristen von Teenage Fanclub das Bedürfnis verspürt, sich vor dem Gang ins Studio über ihre Songs den Kopf zu zerbrechen oder Arrangements auszuarbeiten. Sie warten lieber auf die Beiträge der übrigen Bandmitglieder. Die Aufnahmen fanden im Black Bay Studio in der Ortschaft Kirkibost auf der schottischen Insel Great Bernera in den Äußeren Hebriden statt. Wie langjährige Fans wahrscheinlich wissen, nimmt Teenage Fanclub jedes Album an einem neuen Ort auf, damit die einzigartige Atmosphäre dieses Ortes die Musik beeinflussen kann. Great Bernera war ihr bislang abgelegenster Aufnahmeort, was der Band half, sich auf die Arbeit zu konzentrieren, sie aber auch in einen Zustand der Ehrfurcht versetzte, da sie von der tosenden See und antiken Ruinen umgeben waren. Das Ergebnis ist eine Sammlung von Liedern, die von der richtigen Perspektive von Musikern durchdrungen ist, die schon eine Weile im Geschäft sind, aufgenommen an einem Ort, der schon noch länger existiert. Wie Blake es ausdrückt: »Ich glaube, es läuft einfach so ab, dass man von einer Sache zur nächsten übergeht, und ehe man sich versieht, sind 30 Jahre vergangen.« McGinley fügt hinzu: »Ja, es ist schon eine ganze Weile her, seit wir mit dem angefangen haben, was wir tun, aber für uns kommt es uns vor, als wäre überhaupt keine Zeit vergangen. An dem Ort, an dem wir das Album aufgenommen haben, wurde schon vor Tausenden von Jahren gesungen. Das Leben ist kurz, aber die Musik ist ewig.«

Nachdem The Afghan Whigs vor gut drei Jahren mit »Do To The Beast« ihr Comebackalbum präsentierten, folgt 2017 endlich der mit Spannung erwartete Nachfolger. »In Spades« heißt die Platte, die Frontmann Greg Dulli bereits als »spooky« bezeichnete. Wie unheimlich und mystisch das neue Album wirklich klingt, verriet die Band bereits im März mit der ersten Singleauskopplung »Demon In Profile«. Neun weitere Songs warten auf »In Spades«, in denen The Afghan Whigs musikalisch so ziemlich alles verbinden, was sie bisher ausmachte: Rock und Alternative, Hardrock und Punk, Progressive und Soul. Hinzu kommt eine gesunde Portion Pop. Aufgenommen haben die US-Amerikaner die Platte im letzten Jahr in Rick Nelsons Studio Marigny Sound in New Orleans, in Studios in Los Angeles, Memphis und Joshua Tree. Sie erscheint bei Sub Pop.

Nach eineinhalb Jahrzehnten haben sich Afghan Whigs nun wieder mit einem neuen Album zurückgemeldet, es trägt den Titel »Do To The Beast«. Die Band wurde 1988 in Cincinnati, Ohio gegründet und war ihren Zeitgenossen, mit ihrer wilden, stürmischen Mischung aus Alternative Rock, klassischem Soul und den Obsessionen ihres Frontmanns Greg Dulli, immer mindestens eine Nasenlänge voraus. Der neue Longplayer stellt somit nicht nur eine Heimkehr – zum Label Sub Pop, das die Band 1989 als ersten Act unter Vertrag nahm, der nicht aus Seattle bzw. dem Nordwesten kam und die beiden Alben »Up In It« (1990) und »Congregation« (1992) veröffentlichte – sondern auch einen Blick in die Zukunft einer der anerkanntesten Rock Bands der letzten 25 Jahre dar. Somit ist »Do To The Beast« ein passender, wilder Titel für die wohl intensivste, kathartischste Platte in der Karriere von Greg Dulli und sorgt für einen herrlich frischen Wind im Afghan-Whigs-Kanon: Dazu gehören die brutale Selbstprüfung von »Gentlemen« (1993), die Film-Noir-Erzählung von »Black Love« (1996) und der Überschwang von »1965« (1998). »Do To The Beast« versprüht eine faszinierende musikalische Energie und ein rhythmisches Gewicht, das inmitten des Aderlasses Transzendenz und Hoffnung suggeriert. Das Album wurde zwischen L.A., New Orleans, Cincinnati und Joshua Tree aufgenommen – die aktuellen und vergangenen Heimatstätten der Band. Zur aktuellen Besetzung gehören die beiden Gründungsmitglieder Greg Dulli und John Curley, sowie die Kernband, bestehend aus den Gitarristen Dave Rosser und Jon Skibic, dem Multiinstrumentalisten Rick Nelson und Schlagzeuger Cully Symington. Außerdem bei »Do To The Beast« mit dabei: Der Soul-Bilderstürmer Van Hunt, Marc McGuire (Emeralds), Johnny »Natural» Nagera (der Musical Director von Usher), Alain Johannes (Queens Of The Stone Age, Arctic Monkeys), Clay Tarver (Bullet Lavolta, Chavez), Dave Catching (Queens Of The Stone Age, Eagles Of Death Metal). Afghan Whigs bieten mit »Do To The Beast« ein modernes und vielschichtiges Album. Einfach grandios, es gibt viel zu entdecken!

Auf »Congregation« aus dem Jahr 1992, dem dritten Album der Afghan Whigs, kommen die Soul- und Psychedelic-Einflüsse der Band besonders gut zur Geltung; das Album trug maßgeblich dazu bei, den Sound der Band für die folgenden Jahre zu prägen. »Congregation« ist auf Vinyl bereits seit vielen Jahren vergriffen, da die ursprüngliche Auflage längst ausverkauft ist. 2xLP im Gatefold-Cover und mit maßgefertigter Schutzhülle Gepresst auf Pearl Flip / Horizon-Vinyl!

»Eure Gebete wurden erhört: weniger Songs über Bush und mehr Songs über Jesus!« Neuauflage zum 20-jährigen Jubiläum von »Wolves In Wolves' Clothing«. Das 2006 erschienene zehnte Studioalbum von NOFX ist eine mitreißende Mischung aus aggressiver politischer Satire und melodischem Skate-Punk. Frontmann Fat Mike fängt die gesellschaftspolitische Unruhe während der zweiten Amtszeit von Präsident Bush ein und nimmt mit scharfer Feder organisierte Religion, Unternehmensgier und blinden Patriotismus ins Visier. Fan-Favoriten wie »Seeing Double at the Triple Rock« und »Leaving Jesusland« zeigen das typische schnelle Tempo, die präzisen Harmonien und den schwarzen Humor der Band. 2026 endgültig zurück auf gelbem Vinyl! · Produziert von Bill Stevenson im Blasting Room · NOFX' von der Kritik gefeiertes zehntes Studioalbum – Songs, die gut zu einem Drink passen! · Erreichte ursprünglich Platz 46 der Billboard 200 und die Top 40 in mehr als acht Ländern weltweit · Enthält die Hit-Singles »Seeing Double At The Triple Rock«, »USA-Holes« und »Leaving Jesusland«