Nach ausverkauften Tourneen und Festivals rund um den Globus, einschließlich seines eigenen Musikfestivals, wird Yungblud sein mit Spannung erwartetes viertes Album »Idols« veröffentlichen. Mit Nummer-Eins-Alben in sieben Ländern und dem Ruf, sich über Konventionen hinwegzusetzen, beschreibt Yungblud »Idols« als »ein Projekt ohne Grenzen«, das sein bisher kühnstes und ambitioniertestes Werk darstellt.

Während sich WARNING auf die Veröffentlichung von »Rituals of Shame« – ihrer ersten neuen Musik seit zwanzig Jahren – vorbereitet, gibt sich Sänger und Gitarrist Patrick Walker bescheiden, was zu diesem Moment geführt hat. In den letzten zwei Jahrzehnten schrieb und veröffentlichte er weiterhin Musik, zufrieden damit, mit WARNING seine Ziele erreicht zu haben. In diesen Jahren wuchs das Interesse an WARNING stetig und die Band baute sich organisch eine treue Fangemeinde auf. Insbesondere das Album »Watching from a Distance« aus dem Jahr 2006 erlangte Kultstatus. In einer Phase des Umbruchs in seinem Leben wandte sich Walker dem Songwriting zu, und es wurde schnell klar, dass diese Songs zu WARNING gehörten. Anfang Januar 2025 begann er mit einem völlig leeren Blatt Papier und füllte es Stück für Stück mit Ideen, die sich zu den Songs von »Rituals of Shame« entwickelten. Sein Engagement für das Projekt wurde zu einer Vollzeitbeschäftigung. Nachdem die fünf Songs erfolgreich als Demo aufgenommen worden waren, zog sich Walker in ein abgelegenes Haus auf einem Hügel außerhalb von Florenz zurück, um die Texte zu verfeinern. Die Aufnahmen fanden im The Arch Studio statt, einer 140 Jahre alten ehemaligen Kirche in Southport, Großbritannien. Chris Fullard (Idles, Sunn O))), Ulver) übernahm Aufnahme und Mix. Walkers lebenslange musikalische Inspirationen lassen sich in »Rituals of Shame« nachverfolgen. Die ambitionierten Arrangements erinnern an Marillions komplexe, aber mitreißende episodische Songs. Sie bewahren eine Kargheit, die an June Tabors sparsame Arrangements erinnert: melodisch dicht, aber dennoch von einer gewissen Leichtigkeit durchdrungen. Patrick nennt John Brenner von Revelation als eine seiner prägendsten Inspirationsquellen und schreibt ihm zu, die Idee eingeführt zu haben, wie man harter Musik eine tiefe emotionale Dimension verleihen kann. Walker, der sich oft weigert, über die Details seiner Texte zu sprechen, räumt ein, dass die Entstehung dieses Albums eine direkte Reaktion auf die unmittelbaren Sorgen seiner damaligen Lebensphase war. Auch in »Rituals of Shame« greifen die immer wiederkehrenden Themen und Fixierungen auf, die den Großteil seines Werkes geprägt haben: Schuld, Scham, persönliches Versagen, Besessenheit, Sehnsucht und Trennung, aber vor allem, so sagt er, Liebe.

»A Different Shade of Blue« erscheint bei Pure Noise Records und ist die mit Spannung erwartete Fortsetzung des Debüts von 2016 (»Laugh Tracks«). Aufgenommen von Produzent Will Putney, wurde die neue LP langsamer und methodischer angegangen und sie verzichtete auf den bisherigen »live im Studio«-Aufnahmeansatz - um die Wucht noch durchdachter und noch gezielter zu kanalisieren. Unter Putneys Anleitung kreierte die Band eins der innvovativsten Hardcore Alben des Jahres 2019. Während einige musikalische Einflüsse leicht zu erkennen sind - Pantera, Hatebreed, Obituary etwa - hat sich die stilistische Palette der Band sprunghaft erweitert und umfasst Gothenburg-Stil Death Metal (At the Gates, Early In Flames), Slam Metal (Devourment, Dying Fetus), blutrünstiger Thrash (Sodom, Kreator), Black Metal (Craft) und die verblüffende Komplexität von Hardcorebands wie Snapcase und Bloodlet.

»The Jester Race« ist das zweite Studioalbum der schwedischen Metal-Band In Flames, das ursprünglich im Februar 1996 erschien. Es ist das erste Album mit Anders Fridén als Sänger der Band und gilt als klassisches Album des Melodic- Death-Metal-Genres.

Ursprünglich im Herbst 2007 veröffentlicht, wurde das dritte Studioalbum von DOWN von Warren Riker produziert und diente als echtes Zeitzeugnis, das über 60 tief empfundene Minuten klanglicher Frustration lieferte, mit Songs, die die Folgen des Hurrikans Katrina und persönliche Turbulenzen thematisierten. MetalSucks beobachtete eine „Momentaufnahme einer Band, die das tut, was sie am besten kann, und zwar ehrlich und aufrichtig, angestachelt durch eine unglückliche Katastrophe“, während Punk News eine Veröffentlichung lobte, die „alles umfasst, was Fans an diesen Musikern und am Einfluss des Südens auf Metal und Rock preisen. Die Atmosphäre ist sowohl angespannt und aufrüttelnd als auch abhärtend, melancholisch und introspektiv.“ Das Album erreichte Spitzenplätze auf den Jahresbestenlisten im In- und Ausland, darunter in angesehenen Publikationen wie Revolver, Metal Hammer und Rolling Stone. Die 2026er Edition von Over The Under bietet ein Audio-Remastering von Eric Koondel.

»Masterpeace«, ursprünglich 1999 veröffentlicht, ist ein Meilenstein in der Geschichte von Metal Church und markiert die Wiedervereinigung mit dem legendären Sänger David Wayne. Das Album verbindet den kraftvollen, klassischen Metal-Sound der Band mit frischer Energie und liefert Highlights wie »Sleeps With Thunder«, »Into Dust« und »Falldown«, die Fans weltweit begeistern. Mit der 2025 Remastered Edition erhält dieses wichtige Werk ein klangliches Upgrade, das die prägnanten Riffs und epischen Gesangsmelodien mehr denn je zur Geltung bringt. Ein zeitloses Album für Kenner des US-Metal und alle, die den unverwechselbaren Sound von Metal Church erleben wollen.

Der legendäre Slayer-Gitarrist Kerry King präsentiert mit »From Hell I Rise« sein erstes Soloalbum, das mit Spannung erwartetet wird. Laut King besteht die neue Musik aus »verschiedenen religiösen Themen, einigen Kriegsthemen, heavy stuff, punky stuff, doomy stuff, und spooky stuff, mit herkulischen Geschwindigkeiten erreicht. Wenn du jemals Slayer in irgendeinem Teil unserer Geschichte gemocht hast«, fügt er hinzu, »gibt es etwas auf dieser Platte, auf das du abfahren wirst, sei es klassischer Punk, schneller Punk, Thrash oder einfach nur Heavy Metal!« »From Hell I Rise (Extended Deluxe Edition)« feiert das Debüt-Soloalbum von Slayer-Gitarrist Kerry King. Es erschien ursprünglich am 17. Mai 2024 bei Reigning Phoenix Music. Das mit Spannung erwartete Debütalbum schaffte es 2024 in zahlreiche Bestenlisten, darunter auf Platz eins der »Besten Metal-Alben« im Rolling Stone Magazine. Zur Band gehören außerdem die Heavy-Metal-Größen Mark Osegueda von Death Angel am Gesang, der ehemalige Machine-Head-Gitarrist Phil Demmel, Hellyeah-Bassist Kyle Sanders und Slayer-Schlagzeuger Paul Bostaph. Die Deluxe-Version enthält ein neues Albumcover, ein überarbeitetes Layout mit diversen Fotos sowie 5 Bonus-Demo-Tracks mit Kerry Kings Gesang, was diese Ausgabe zu einem Muss für Sammler und langjährige Fans gleichermaßen macht.

Die Punkband Spiritual Cramp aus San Francisco hat ihr lang erwartetes selbstbetiteltes Debütalbum über das neu gegründete Label Blue Grape Music angekündigt. Produziert von Michael Bingham und Michael Fenton von der Band, wurde das Album zusätzlich von Carlos de la Garza (Paramore, M83, The Linda Linda's, Cherry Glazerr, etc.) produziert, der das Album auch gemischt hat.

Vor zehn Jahren gründeten drei Mitarbeiter von JI's Market and Cafe die Band Styrofoam Winos. Lou Turner, Trevor Nikrant und Joe Kenkel fanden zueinander durch ihre gemeinsame Begeisterung für Bob Dylan, Patti Smith, Leonard Cohen und Country-Platten aus dem Schnäppchenkorb. Sie beflügelten sich gegenseitig in ihrer Begeisterung und waren total aus dem Häuschen bei jedem neuen Song, den sie entdeckten. Nachdem ein Freund weggezogen war und ein Schlagzeug zurückgelassen hatte, lernten alle drei Winos, Schlagzeug zu spielen. Die ersten Versuche im gemeinsamen Songwriting entstanden aus Jam-Sessions und Erasure Poetry, bei der man Wörter in alten Büchern schwärzte, um neue Gedichte zu schaffen. Sie sangen alle mal die Leadstimme und tauschten regelmäßig die Instrumente. Michael Hurley zum ersten Mal zu sehen, hinterließ einen bleibenden Eindruck und gab der Band einen ihrer kreativen Leitsterne. Jahre später gab Snock den Winos selbst seinen Segen, ihre Kassette mit Coverversionen seiner Songs zu veröffentlichen. Die Styrofoam Winos sind immer mit dem Strom geschwommen, was »Any River« zu einem passenden Titel für ihr 2026er Album macht, dem Nachfolger von »Real Time« aus dem Jahr 2024. Ihre spielerische Herangehensweise wird durch das Können erfahrener Musiker untermauert, die bereits viele hundert Konzerte gespielt haben - sowohl gemeinsam als auch als Tourmitglieder von Ryan Davis and the Roadhouse Band, MJ Lenderman and the Wind und als Solokünstler. Das ist eine ihrer größten Stärken, die man gar nicht hoch genug einschätzen kann: Sie sind extrem gute Musiker! Wenn drei talentierte Menschen eine so tiefe Chemie entwickeln, ist das Ergebnis einfach grandios. Jeder Song auf »Any River« entstand aus Jam-Sessions in Turners und Nikrants Heimstudio, und schon bald folgte ein gemeinsames Google-Dokument mit den Texten. Sie nahmen in Louisville auf - ihr erstes Album außerhalb von Nashville - zusammen mit Roadhouse-Bandkollege und Equipment Pointed Ankh-Mastermind Jim Marlowe. Marlowes zurückhaltende Produktion brachte die einzigartige Synergie der Band voll zur Geltung. Das führt zu einem weiteren wesentlichen Punkt dieser Band. Es gelingt ihnen, eine perfekte Balance zwischen Ehrfurcht und Respektlosigkeit gegenüber den musikalischen Traditionen zu finden, in denen sie arbeiten. Ihr Wissen über den Kanon ist gelehrt, aber diesem Wissen folgt immer ein Augenzwinkern. Kein Moment auf der Platte verkörpert dies besser als das Trompetensolo in »New Friend«. Es ist eine geschickte Darbietung, aber die Art und Weise, wie Kenkel unter die Tonika absinkt, bevor er die letzten Noten des Solos auflöst, ist urkomisch. Bei Live-Auftritten spielt er das Solo Note für Note auf einer Kazoo, während er gleichzeitig Schlagzeug spielt. Diese Musik stammt von erfahrenen Verwandlungskünstlern, die sich einer einfachen Kategorisierung entziehen und dennoch sofort wiedererkennbar bleiben.

Die vollständigen originalen Studioaufnahmen des aus San Diego stammenden, über Boston geformten Alternative-Trios - remastert, restauriert und in einem opulenten Boxset vereint. »Wait A Lifetime« versammelt die unvergleichlichen Alben der Band Junk und This Afternoon Malady sowie R.I.P., erweitert um ihr unvollendetes drittes Album, Singles, Split-Veröffentlichungen und Beiträge zu Compilations. Das begleitende 68-seitige Booklet zeichnet die gesamte Geschichte anhand eines Essays von Nina Cocoran und Dutzender zeitgenössischer Fotos nach. Alles ist untergebracht in einer beeindruckenden, kaschierten und lackierten Box. Sink in die Erde - und flieg.

Die vollständigen originalen Studioaufnahmen des aus San Diego stammenden, über Boston geformten Alternative-Trios - remastert, restauriert und in einem opulenten Boxset vereint. »Wait A Lifetime« versammelt die unvergleichlichen Alben der Band Junk und This Afternoon Malady sowie R.I.P., erweitert um ihr unvollendetes drittes Album, Singles, Split-Veröffentlichungen und Beiträge zu Compilations. Das begleitende 68-seitige Booklet zeichnet die gesamte Geschichte anhand eines Essays von Nina Cocoran und Dutzender zeitgenössischer Fotos nach. Alles ist untergebracht in einer beeindruckenden, kaschierten und lackierten Box. Sink in die Erde - und flieg.

Seit fast zwei Jahrzehnten verbreiten der King und seine Cumberland Three ihren Rhythm & Punk-Spaß in der ganzen Welt und bringen jede Menge ausgelassene Energie, Albernheiten, gute Laune und Schweiß mit! Mit diesem Quartett ist jede Show eine Party! Anlässlich ihres 20-jährigen Jubiläums, in dem sie unermüdlich weltweit auftraten und Dutzende von Platten veröffentlichten, haben King Salami & The Cumberland Three tief in ihrem umfangreichen Katalog gegraben, um 16 ihrer besten Tracks auszuwählen. Das Ergebnis ist diese energiegeladene Zusammenstellung, ein Album voller Spaß, das verrückte Klassiker wie »The Pulpo Dance«, »Pineapple Mama«, »Shake it Wild« und »Do the Wurst« enthält, neben ihrem weniger bekannten Instrumentalstück »Itch!«, das kürzlich in der Dreamies-Katzenfutter-Fernsehwerbung zu hören war.

»Prince of Failure« markiert eine bedeutende Veränderung in Daniel Tompkins' kreativer Welt. Geschrieben und entwickelt über mehrere Jahre mit Paul Ortiz (Chimp Spanner), zeichnet das Album eher einen langen inneren Prozess nach als einen einzelnen Moment der Inspiration. Das Material reflektiert über Neurodivergenz, Maskierung und das psychologische Gewicht eines Lebens, das nicht den Erwartungen entspricht - Themen, die sowohl die Erzählung als auch den Sound des Albums prägen. Der Prinz wird eher als Archetyp denn als Persona vorgestellt: ein Name für die innere Stimme, die durch Selbstzweifel, Perfektionismus und Fehlinterpretationen entsteht. Indem er sie definiert, gibt Tompkins ihr einen neuen Rahmen. Die Songs bewegen sich durch Zustände der Desorientierung, Isolation und Wiederholung, bevor sie zu einer ruhigeren Form der Akzeptanz gelangen. Der Schwerpunkt liegt auf der Beobachtung und nicht auf der Lösung. Musikalisch entwickelt das Album die Atmosphäre von Daniel Tompkins' früherem Solowerk in ein dunkleres, reflektierenderes Gebiet. Pauls raumgreifende Arrangements, elektronische Texturen und kraftvolle Gitarrenarbeit stehen neben dem intimen, engmaschigen Gesang und schaffen ein starkes Gefühl der Unmittelbarkeit, ohne die dynamische Bandbreite zu opfern, die mit Tompkins' progressivem Hintergrund und seiner Arbeit mit TesseracT verbunden ist. Das Tempo ist zurückhaltend und überlegt, mit Zwischenspielen und wiederkehrenden Motiven, die das Gefühl eines kontinuierlichen psychologischen Bogens verstärken. Die Entscheidung, das Album unter dem Namen »Prince of Failure« zu veröffentlichen, spiegelt die kollaborative Identität des Projekts wider und grenzt es von Tompkins' früheren Rollen ab. Es erlaubt dem Werk, unter eigenen Bedingungen zu existieren, ohne Bezugnahme auf frühere Erwartungen. »Prince of Failure« ist nun eine offizielle kreative Partnerschaft zwischen Tompkins und Ortiz, eine gemeinsame Vision mit langfristigen Absichten.

»Prince of Failure« markiert eine bedeutende Veränderung in Daniel Tompkins' kreativer Welt. Geschrieben und entwickelt über mehrere Jahre mit Paul Ortiz (Chimp Spanner), zeichnet das Album eher einen langen inneren Prozess nach als einen einzelnen Moment der Inspiration. Das Material reflektiert über Neurodivergenz, Maskierung und das psychologische Gewicht eines Lebens, das nicht den Erwartungen entspricht - Themen, die sowohl die Erzählung als auch den Sound des Albums prägen. Der Prinz wird eher als Archetyp denn als Persona vorgestellt: ein Name für die innere Stimme, die durch Selbstzweifel, Perfektionismus und Fehlinterpretationen entsteht. Indem er sie definiert, gibt Tompkins ihr einen neuen Rahmen. Die Songs bewegen sich durch Zustände der Desorientierung, Isolation und Wiederholung, bevor sie zu einer ruhigeren Form der Akzeptanz gelangen. Der Schwerpunkt liegt auf der Beobachtung und nicht auf der Lösung. Musikalisch entwickelt das Album die Atmosphäre von Daniel Tompkins' früherem Solowerk in ein dunkleres, reflektierenderes Gebiet. Pauls raumgreifende Arrangements, elektronische Texturen und kraftvolle Gitarrenarbeit stehen neben dem intimen, engmaschigen Gesang und schaffen ein starkes Gefühl der Unmittelbarkeit, ohne die dynamische Bandbreite zu opfern, die mit Tompkins' progressivem Hintergrund und seiner Arbeit mit TesseracT verbunden ist. Das Tempo ist zurückhaltend und überlegt, mit Zwischenspielen und wiederkehrenden Motiven, die das Gefühl eines kontinuierlichen psychologischen Bogens verstärken. Die Entscheidung, das Album unter dem Namen »Prince of Failure« zu veröffentlichen, spiegelt die kollaborative Identität des Projekts wider und grenzt es von Tompkins' früheren Rollen ab. Es erlaubt dem Werk, unter eigenen Bedingungen zu existieren, ohne Bezugnahme auf frühere Erwartungen. »Prince of Failure« ist nun eine offizielle kreative Partnerschaft zwischen Tompkins und Ortiz, eine gemeinsame Vision mit langfristigen Absichten.

»The Best Of Judas Priest« bietet einen sorgfältig kuratierten Überblick über die beeindruckende Karriere der legendären Heavy-Metal-Band. Als Pioniere des Genres und prägende Kraft der Metal-Kultur haben Judas Priest seit ihrer Gründung im Jahr 1969 über 50 Millionen Alben verkauft und mit unvergesslichen Hymnen wie »Breaking The Law«, »You've Got Another Thing Comin'«, »Electric Eye«, »Turbo Lover« und »Painkiller« Musikgeschichte geschrieben. Diese Zusammenstellung, die alle Schaffensphasen der Band umfasst, eröffnet neuen Hörern einen idealen Zugang zum bleibenden Vermächtnis von Judas Priest. Gleichzeitig lädt sie langjährige Fans dazu ein, ihre Lieblingssongs der weltberühmten Rocklegenden in einer stimmigen Auswahl neu zu entdecken.

Supertramp veröffentlichen die definitiven Vinyl-Pressungen ihrer Studioalben. Das Tonmaterial von »Free As A Bird« wurde in den Abbey Road Studios von Miles Showell überarbeitet, wo auch das Masterband mit halber Geschwindigkeit geschnitten wurde, das für die Vinylpressung verwendet wurde. Die LP ist auf 180g schwerem schwarzem Vinyl gepresst. Es handelt sich um das neunte Studioalbum der Band, das 1987 erschien.

Supertramp veröffentlichen die definitiven Vinyl-Pressungen ihrer Studioalben. Das Tonmaterial von »Brother Where You Bound« wurde in den Abbey Road Studios von Miles Showell überarbeitet, wo auch das Masterband mit halber Geschwindigkeit geschnitten wurde, das für die Vinylpressung verwendet wurde. Die LP ist auf 180g-schwerem schwarzem Vinyl gepresst. Es handelt sich um das achte Studioalbum der Band, das 1985 erschien.

Die legendäre Rainbow, Ritchie Blackmores Post-Purple-Giganten, wird auf diesem hochkarätig besetzten Tribute-Album gebührend gefeiert! Mit Auftritten von nicht weniger als sechs Rainbow-Veteranen: Bob Daisley, Graham Bonnet, Don Airey, Joe Lynn Turner, Doogie White und Ronnie Romero! Darüber hinaus mit großartigen Beiträgen von Rock-/Metal-Größen wie Sebastian Bach und Steve Morse, den Glam-Rock-Helden Angel, Mike Tramp von White Lion, Rick Wakeman und vielen mehr. PLUS ein ganz besonderer Gastauftritt von Candice Night, der Sängerin von Blackmore's Night! Die Liner Notes stammen von Jason Myers von den Classic-Metal-Revivalisten Icarus Witch!

Die legendäre Rainbow, Ritchie Blackmores Post-Purple-Giganten, wird auf diesem hochkarätig besetzten Tribute-Album gebührend gefeiert! Mit Auftritten von nicht weniger als sechs Rainbow-Veteranen: Bob Daisley, Graham Bonnet, Don Airey, Joe Lynn Turner, Doogie White und Ronnie Romero! Darüber hinaus mit großartigen Beiträgen von Rock-/Metal-Größen wie Sebastian Bach und Steve Morse, den Glam-Rock-Helden Angel, Mike Tramp von White Lion, Rick Wakeman und vielen mehr. PLUS ein ganz besonderer Gastauftritt von Candice Night, der Sängerin von Blackmore's Night! Die Liner Notes stammen von Jason Myers von den Classic-Metal-Revivalisten Icarus Witch!

Up to now we felt that the Smell Of Female album was a little short to put on CD. However, now due to circumstances within our control we can reissue it on CD with the addition of live versions of "Beautiful Gardens" and "She Said" from the same gig, plus "Surfin' Dead" from the sound-track of the movie Return Of The Living Dead. So forget all previous short measure issues - this is the real thing.

Die legendäre Rainbow, Ritchie Blackmores Post-Purple-Giganten, wird auf diesem hochkarätig besetzten Tribute-Album gebührend gefeiert! Mit Auftritten von nicht weniger als sechs Rainbow-Veteranen: Bob Daisley, Graham Bonnet, Don Airey, Joe Lynn Turner, Doogie White und Ronnie Romero! Darüber hinaus mit großartigen Beiträgen von Rock-/Metal-Größen wie Sebastian Bach und Steve Morse, den Glam-Rock-Helden Angel, Mike Tramp von White Lion, Rick Wakeman und vielen mehr. PLUS ein ganz besonderer Gastauftritt von Candice Night, der Sängerin von Blackmore's Night! Die Liner Notes stammen von Jason Myers von den Classic-Metal-Revivalisten Icarus Witch!

»Placebo RE:CREATED« ist eine definitive Hommage zum 30-jährigen Jubiläum des selbstbetitelten Debütalbums der Band. Als »Director’s Cut« konzipiert, greift die Band bei diesem Projekt ihre Original-Masterbänder auf und betrachtet sie durch die Brille von drei Jahrzehnten Live-Auftritten. Die Veröffentlichung bringt das Album klanglich ins 21. Jahrhundert und vervollständigt die Vision des Albums, während seine ursprüngliche Integrität sorgfältig bewahrt wird. Es ist ein Gleichgewicht zwischen moderner Weiterentwicklung und Bewahrung; ein ausgefeiltes Statement zu dem Werk, mit dem alles begann. Heute sind Diskussionen um Identität, Geschlechtsausdruck und Individualität präsenter – und oft umstrittener – denn je. Vor diesem Hintergrund wirken die Anfänge von Placebos Debütalbum wieder erstaunlich relevant. »Placebo RE:CREATED« feiert nicht nur das Vermächtnis des Originalalbums, sondern unterstreicht auch seine anhaltende kulturelle Bedeutung und bekräftigt, wie fortschrittlich die Platte bei ihrer Veröffentlichung war. »Bei diesem Projekt ging es darum, das Album endlich fertigzustellen und es klanglich ins 21. Jahrhundert zu katapultieren, ohne dabei die Integrität und den Geist des Originals zu verlieren. Es geht nicht darum, es zu verbessern – es ist perfekt –, sondern darum, es zu vollenden. Als wir das erste Album aufnahmen, fehlte uns noch die Erfahrung und das Studio-Know-how, um unsere Visionen vollständig umzusetzen. Über die Jahre entwickelten die Songs auf der Bühne ein Eigenleben; sie wuchsen, entwickelten sich und vollendeten sich gewissermaßen von selbst. Es ist eine Hommage an unsere Anfänge und ein Schnittpunkt zwischen dem, was wir damals waren und dem, was wir heute sind; eine Möglichkeit, diese Unschuld zu ehren und den Songs gleichzeitig die Kraft, das Selbstvertrauen und die Energie der Band zu verleihen, die wir geworden sind.« Dreißig Jahre später kehrt Placebo mit »Placebo RE:CREATED« mit einer neuen Perspektive zu diesem wegweisenden Album zurück. Das neue Album enthält überarbeitete und erweiterte Versionen aller zehn Titel des Originalalbums sowie zwei Bonustracks der Originalveröffentlichung. Es fängt die Entwicklung dieser Songs über Jahrzehnte hinweg ein und bewahrt dabei ihren ursprünglichen, rohen Charakter. Zu den Titeln gehören die wegweisenden Singles »Nancy Boy« und »36 Degrees«, die Placebos Ruf für furchtlose Texte und genreübergreifenden Sound begründeten. Die neuen Aufnahmen verstärken die Dringlichkeit und die Attitüde, die die Originale so wirkungsvoll machten, und spiegeln gleichzeitig das Wachstum und die Erfahrung der Band seit ihrem Debüt wider. »Wir betrachten dieses Album als Director’s Cut. Wir haben es nicht komplett neu aufgenommen. Wir haben die Original-Masterbänder verwendet und 30 Jahre Live-Erfahrung mit diesen Songs in das Album einfließen lassen.« Das Album wurde von Brian Molko und Rob Kirwan anhand der Original-Masterbänder neu erstellt und von Adam Noble abgemischt. Das Ergebnis ist eine Sammlung, die die Unmittelbarkeit und den Trotz des Originals bewahrt und gleichzeitig den Sound in neue Gefilde führt – ein Spiegelbild sowohl der langen Geschichte der Band mit diesen Songs als auch ihrer kontinuierlichen kreativen Weiterentwicklung. Special German Limited Edition - 2LP-Deluxe-Edition mit dem Originalalbum »RE: CREATED« auf weißem 12"-Vinyl mit UV-Druck. Verpackt in einer dreiteiligen Gatefold-Hülle im Buchformat mit versteckter weißer 7"-Single.

  »A Date With Elvis« erschien ursprünglich 1986 auf Big Beat und ist ein absoluter Cramps-Klassiker, der seither ununterbrochen lieferbar war und Generationen von Musikfans mit dem einzigartigen musikalischen Voodoo der Cramps vertraut machte. Zum Sommer 2026 kehrt die heißgeliebte Ace-Pressung auf orangefarbenem Vinyl in die Plattenregale zurück. Nach dem Release ging die Band u. a. auf große Europa-Tour und spielte u. a. in Deutschland in restlos ausverkauften Hallen, wie z. B. dem Hyde Park in Osnabrück. Ein Gig, bei dem Sänger Lux Interior zwischenzeitlich mit Sauerstoff versorgt werden musste.

Das folkige Frühwerk des Kultmusikers erstmals auf CD.Der 1992 verstorbene Cellist, Sänger und Komponist Arthur Russell verband in seiner Musik Avantgarde, Dance und Pop. Er arbeitete mit so verschiedenen Künstlern wie dem Beat-Poeten Allen Ginsberg, Philip Glass und David Byrne zusammen. Ende der 1970er gelangen ihm sogar einige Underground-Disco-Hits, zu Lebzeiten hatte er aber fast nur in New Yorker Musikerkreisen einen Namen. Erst nach seinem Tod öffnete sich sein Werk einer größeren Öffentlichkeit. Weit gehend unbekannt war bisher, dass sich seine früheren Songs eher am Folk als an Beats orientierten. "Love Is Overtaking Me" ist eine Zusammenstellung einiger dieser frühen Aufnahmen aus dem umfangreichen Archiv des Künstlers, die CD kompiliert 21 bisher unveröffentlichte Demos und Lo-Fi-Aufnahmen von Pop-, Folk- und Countrysongs - darunter einige seiner zugänglichsten Titel. Parallel erscheint 2008 die Dokumentation "Wild Combination - A Portrait Of Arthur Russell" auf DVD.

Mit "The Gods Laugh" erreicht Alison Cotton einen neuen Grad an emotionaler Tiefe und klanglicher Klarheit. Das Album ist ein eindringliches Werk zwischen Folk, Drone und Minimalismus, getragen von Improvisation, Wiederholung und einer meditativen Offenheit. Ausgehend von langsam kreisenden Drones entfalten sich Stücke von großer innerer Spannung, die Raum für Intuition und Resonanz lassen. Entstanden in einer Phase persönlicher Umbrüche, wirkt The Gods Laugh zugleich fragil und kraftvoll.Alison Cotton arbeitet überwiegend mit akustischen Instrumenten - Viola, Harmonium, Klavier, Dulcimer, Recorder - ergänzt durch sparsame rhythmische und elektronische Akzente. Die meist in einem Take eingespielten Aufnahmen bewahren eine besondere Unmittelbarkeit. Das Album bestätigt Alison Cotton als eine der eigenständigsten Stimmen der zeitgenössischen britischen Folktradition - experimentell, erdverbunden und zutiefst berührend.

»The Diary« von Scarface kehrt zum ersten Mal seit 2014 auf Vinyl zurück, jetzt erweitert auf einer Doppel-LP und mit dem bisher unveröffentlichten Bonustrack »Ease Up Now«. Neu gemastert, enthält diese definitive Ausgabe das Original-Artwork von 1994, das von dem gefeierten Designer Mr. Krum sorgfältig für Vinyl restauriert wurde. Mit Fan-Lieblingen wie »No Tears« und »I Seen a Man Die« präsentiert sich dieser Platin-zertifizierte Klassiker mit verbessertem Sound und einem erweiterten Format und ist damit die bisher umfangreichste Ausgabe. Ursprünglich am 18. Oktober 1994 veröffentlicht, debütierte »The Diary« auf Platz 2 der Billboard 200 Album Charts und war damit eine der kommerziell erfolgreichsten Veröffentlichungen von Scarface. Die Exclusive Indie Edition auf rotem Vinyl mit 8x10 Hochglanzeinleger enthält Bonus Track »Ease Up Now«.

»The Diary« von Scarface kehrt zum ersten Mal seit 2014 auf Vinyl zurück, jetzt erweitert auf einer Doppel-LP und mit dem bisher unveröffentlichten Bonustrack »Ease Up Now«. Neu gemastert, enthält diese definitive Ausgabe das Original-Artwork von 1994, das von dem gefeierten Designer Mr. Krum sorgfältig für Vinyl restauriert wurde. Mit Fan-Lieblingen wie »No Tears« und »I Seen a Man Die« präsentiert sich dieser Platin-zertifizierte Klassiker mit verbessertem Sound und einem erweiterten Format und ist damit die bisher umfangreichste Ausgabe. Ursprünglich am 18. Oktober 1994 veröffentlicht, debütierte »The Diary« auf Platz 2 der Billboard 200 Album Charts und war damit eine der kommerziell erfolgreichsten Veröffentlichungen von Scarface.  

Vier Jahre nach ihrem gefeierten Debüt »International Love Affair« kehrt Tigerbalm (Rose Robinson) mit dem aufregend kaleidoskopischen Album »Bubblegum Discos« zu Ubiquity Records zurück. Als mutige Weiterentwicklung ihres global geprägten Nu-Disco-Sounds spiegelt das Album ein neu gewonnenes Selbstbewusstsein wider sowie den Wunsch, mit handverlesenen Musikern und Sängern aus aller Welt zusammenzuarbeiten. In lebhaften Klangfarben gehalten, präsentiert »Bubblegum Discos« Tigerbalms zwei große musikalische Leidenschaften: die brasilianische Musikkultur und Vintage-Dancefloor-Hits vom afrikanischen Kontinent, angereichert mit Anspielungen auf Italo-Disco, Proto-House und Soca. Die erste Hälfte des Albums ist stark von südamerikanischen Einflüssen geprägt. »Nayar«, entstanden in Zusammenarbeit mit Giorgio Lopez aus Neapel, macht den Anfang mit leicht vom Reggaeton inspiriertem Nu-Disco, gefolgt vom brasilianischen Disco-Rausch von »Diga Me« und dem luftigen Samba-Disco von »Vera En Paraty«. Robinson liefert ihren allerersten Leadgesang auf dem teilweise improvisierten Neo-Boogie-Track »Coco Makoko«. Das Album wendet sich dann Afrika zu, mit herausragenden Beiträgen von Andre Espeut, der in Montreal lebenden haitianischen Sängerin Waahli auf dem hornlastigen »Do Da Soca« und dem Afrobeats-Sänger Idd Aziz auf dem körperbetonten »Afro-Disco«. Der Abschluss »Conga« rundet das Ganze mit schweren, afrozentrischen Disco-Rhythmen und tiefem Dub-Bass ab. Actiongeladen und makellos produziert: »Bubblegum Discos« ist der Sound einer Künstlerin, die ihr frühes Versprechen mehr als nur einhält.

»I Was Walkin' Through The Woods« versammelt Buddy Guys frühe Aufnahmen für Chess Records - alle aufgenommen in den frühen 1960er Jahren. Diese Sammlung hebt die glühende Gitarrenarbeit hervor, die zeigt, warum Guy einer der talentiertesten Bluesmusiker der neuen Generation in Chicago war. Zu den wichtigsten Titeln gehören »First Time I Met The Blues« und »I Found A True Love«. Holen Sie sich den Sound von Amerikas größtem Blues-Label in High Fidelity mit der Chess Records Acoustic Sounds Series nach Hause. Diese audiophilen Neuauflagen klassischer Alben und Compilations aus der Chess-Diskografie wurden von den analogen Originalbändern remastert und bei Quality Record Pressings (QRP) auf 180-Gramm-Vinyl gepresst. Jede Scheibe ist in einer auf hochwertigem Karton gedruckten Klapphülle verpackt.

Das Album Real Folk Blues von John Lee Hooker aus dem Jahr 1966 ist das letzte von mehreren Real-Folk-Blues-Alben von Chess Records, die 2026 als Teil der Chess Records 75 Series von Chess Records und Acoustic Sounds neu aufgelegt werden. Während die übrigen LPs der Serie von Muddy Waters, Howlin' Wolf und anderen Kompilationen älterer Aufnahmen waren, wurde das Hooker-Album im Mai 1966 in Chicago neu aufgenommen. Hooker zeigte sich in seiner unnachahmlichen Spontaneität, überarbeitete einige seiner älteren Songs und improvisierte neue, begleitet von seinem Detroiter Gitarristen Eddie Burns und den Chicagoer Sidemen Lafayette Leake und S. P. Leary.