Mit „What Are The Odds“ veröffentlicht Jorja Smith ihr drittes Studioalbum. Gemeinsam mit ihrem langjährigen Produzenten P2J verbindet sie ihren unverwechselbaren Soul-Sound mit Einflüssen aus UK Garage, Grime, 2-Step, Soulful House und Afro House und präsentiert ihr bislang tanzbarstes Werk.Die zwölf Songs erzählen von Freundschaft, Liebe, Verlust, persönlichem Wachstum und Selbstfindung. Titel wie „For Life“, „Pretend“ und „Young Heart“ zeigen Jorja Smiths ehrliches Songwriting, während der Titelsong „What Are The Odds“ ihre persönliche Entwicklung und das Erwachsenwerden in der Öffentlichkeit reflektiert.Das Album enthält die Singles „What's Done Is Done“ und „Alive“ featuring Wizkid sowie den Song „This City“ mit einem neu aufgenommenen Gastbeitrag von Devlin. Entstanden unabhängig und ohne kreativen Druck, zeigt „What Are The Odds“ Jorja Smith auf dem Höhepunkt ihrer kreativen Entwicklung – selbstbewusst, offen und musikalisch vielseitig.

Mit „What Are The Odds“ veröffentlicht Jorja Smith ihr drittes Studioalbum. Gemeinsam mit ihrem langjährigen Produzenten P2J verbindet sie ihren unverwechselbaren Soul-Sound mit Einflüssen aus UK Garage, Grime, 2-Step, Soulful House und Afro House und präsentiert ihr bislang tanzbarstes Werk.Die zwölf Songs erzählen von Freundschaft, Liebe, Verlust, persönlichem Wachstum und Selbstfindung. Titel wie „For Life“, „Pretend“ und „Young Heart“ zeigen Jorja Smiths ehrliches Songwriting, während der Titelsong „What Are The Odds“ ihre persönliche Entwicklung und das Erwachsenwerden in der Öffentlichkeit reflektiert.Das Album enthält die Singles „What's Done Is Done“ und „Alive“ featuring Wizkid sowie den Song „This City“ mit einem neu aufgenommenen Gastbeitrag von Devlin. Entstanden unabhängig und ohne kreativen Druck, zeigt „What Are The Odds“ Jorja Smith auf dem Höhepunkt ihrer kreativen Entwicklung – selbstbewusst, offen und musikalisch vielseitig.

Die Titel von Gravest Gravy wurden im Oktober 1977 in den Ardent Studios während der Aufnahmesessions für *Gravest Hits* eingespielt und waren auf sieben 1/4-Zoll-Tonbändern festgehalten. Die Bänder wurden von Brian Kehew digitalisiert; die Auswahl der Titel traf Henry Rollins, für die Tontechnik zeichneten Ian MacKaye und Don Zientara (Inner Ear Studios) verantwortlich, und das Mastering übernahm Pete Lyman (Infrasonic Sound). Gravest Gravy enthält bisher unveröffentlichte Coverversionen von „Hungry“ (Paul Revere and the Raiders), „Problem Child“ (im Original von Roy Orbison) und dem Jimmy-Lloyd-Song „Rocket In My Pocket“ sowie diverse frühe Aufnahmen von Stücken, die später offiziell auf dem zweiten Album der Band, *Psychedelic Jungle*, erschienen – darunter „The Natives Are Restless“ (mit anderem Text), „Can’t Find My Mind“ und „Rockin’ Bones“. Ebenfalls enthalten ist der bei Fans beliebte Song „Weekend on Mars“, der zuvor lediglich als Live-Aufnahme auf *The Smell of Female* erhältlich war.

„Goodbye Logik“ veröffentlichten Madsen am 11. August 2006 ihr zweites Studioalbum. Nach dem gleichnamigen Debüt ein Jahr zuvor markierte das Folgewerk einen wichtigen Schritt in der Entwicklung der Band: Die Energie und Direktheit der frühen Jahre blieb erhalten, gleichzeitig wurden das Songwriting und die thematische Bandbreite exponentiell erweitert. Der Longplayer erreichte erstmals die Top 10 der deutschen Album-Charts und etablierte Madsen dauerhaft in der deutschsprachigen Rocklandschaft.Zum 20-jährigen Jubiläum erscheint „Goodbye Logik“ am 21. August 2026 nun als neu aufgelegte und strikt auf 1.000 Exemplare limitierte LP in transparentem Vinyl. Die Wiederveröffentlichung rückt ein Album in den Mittelpunkt, das viele zentrale Elemente des Madsen-Kosmos bereits vereinte: persönliche Beobachtungen, gesellschaftliche Kommentare und eine klare Haltung, getragen von Songs zwischen Indie-Rock, Punk-Einflüssen und melodischen Pop-Refrains.Mit Titeln wie „Du schreibst Geschichte“, „Ein Sturm“, „Der Moment“ oder dem titelgebenden „Goodbye Logik“ enthält das etliche Songs, die bis heute zum festen Repertoire der Band gehören. Die elf Stücke dokumentieren eine Phase, in der Madsen ihren eigenen Stil weiter schärften und gleichzeitig den Übergang von einer aufstrebenden Festival-Band zu einer festen nationalen Größe vollzogen.Die „20th Anniversary Edition“ lädt dazu ein, „Goodbye Logik“ in seiner ursprünglichen Form neu zu und/oder wiederzuentdecken – als Momentaufnahme einer Band, die Mitte der 2000er Jahre ihren Platz gefunden hatte und deren Songs auch zwei Jahrzehnte später nichts von ihrer Unmittelbarkeit und Dringlichkeit verloren haben.Als besonderes Schmankerl liegt jeder Vinyl ein signierter Kunstdruck im Breitbild-Format bei, das ein unveröffentlichtes Band-Foto von Ingo Pertramer zeigt. Zudem hat Sebastian Madsen persönliche Linernotes mit Blick in den eigenen Band-Historie-Rückspiegel verfasst.

Spezielle Neuauflage von Clairos zweitem Album „Sling“. Das Album, das im Bundesstaat New York geschrieben und aufgenommen wurde, beschäftigt sich mit den Möglichkeiten der Elternschaft und ist voller ergreifender, intimer Details und Themen. Co-produziert von Jack Antonoff.

Das Konzert »Twenty One Pilots: More Than We Ever Imagined« vom 20. Februar 2025 im Estadio GNP Seguros in Mexiko-Stadt vor 65.000 Fans.

Black Marble erwachte im Herbst 2012 zum Leben, inspiriert vom Synthwave-Revival der frühen 2000er Jahre in New York City. Heute, vierzehn Jahre später und sieben Veröffentlichungen weiter, macht Chris Stewart weiterhin Platten, während er über Maschinen gebeugt sitzt, die sich beim Einschalten warm anfühlen und die man überreden muss, um in der Stimmung zu bleiben. Seine Alben, die ausschließlich von Stewart geschrieben, aufgenommen und veröffentlicht werden, bleiben einzigartige Visionen, mit Songs, die versuchen, ein diffuses Pastiche zu vermitteln, das nun von dem Wunsch geprägt ist, das Ganze in eine Botschaft zu hüllen, die davon erzählt, wo er gewesen ist und wohin er gehen will. In seiner neuesten Vision, »Life in Small Spaces«, kommentiert Stewart die Musikindustrie und seine Rolle darin und reflektiert darüber, wie sich Underground-Musik im Laufe der Zeit verändert hat und wie ein Leitbild, die Dinge einfach zu halten und sich selbst treu zu bleiben, das einzige Ideal für das Leben in dieser komplizierten Landschaft ist. Stewarts Wunsch, die Zeit mit intakten Idealen zu überbrücken, zeigt sich im Songwriting, das die Pop-Sensibilität des Projekts beibehält und gleichzeitig neue Tricks in den Hut zaubert. »Life in Small Spaces« tauscht Synth-Wände gegen mehr Gitarre ein und greift dabei auf frühe amerikanische College-Radio-Staccato-Gitarrenlinien zurück, die an Pylon, The Necessaries und R Stevie Moore erinnern, sowie auf Live-Drum-Samples - eine Anspielung auf den einfachen, metronomartigen Stil von Wire. Stewart erklärt den Grund für die Veränderung als einen Weg, »diese glockige, hypnotische Qualität zu erzeugen. Wie ein Radio-Drehknopf, der zwischen zwei Sendern steht.« Visuell zeigt »Life in Small Spaces« Stewart allein auf dem Cover in einem kargen Raum, umgeben von einer Explosion aus Konfetti - ein Bild, das eine in sich geschlossene Welt widerspiegelt, die zwar klein, trostlos und überladen wirken mag, aber ganz und gar seine eigene ist. Ein passender Rahmen für ein Album, das Begrenzung als eine Form der Klarheit begreift und die Geschichte davon erzählt, sich für ein einfaches Leben zu entscheiden, Stabilität und Komfort aufzugeben zugunsten einer Existenz voller mutiger und fesselnder Verbindungen. Dies spiegelt zudem Black Marbles Vertrauen nicht nur in seine Kunst wider, sondern auch in die Gemeinschaft, die sich im Laufe der Jahre um das Projekt herum entwickelt hat. »›Life in Small Spaces‹ ist das, worüber ich als Künstler sprechen möchte. Es ist genau dort, wo ich mich in diesem Moment befinde, und ich weiß, dass ich mit meinen Gefühlen nicht allein bin.« Dieses Gefühl ist kein Vorbehalt. Es ist der springende Punkt. »Life in Small Spaces«, mit seiner introspektiven Lyrik, die geschickt in Black Marbles strahlender Musikalität verborgen ist, ist eine ernsthafte Analyse der Belastungen, die Künstler prägen. Es ist eine Einladung, einen minimalistischeren Lebensstil zugunsten kreativen Ausdrucks und Freiheit zu akzeptieren und bewusst zu wählen - und niemals deine Werte für die verlockende Illusion von Erfolg opfern zu müssen.

YHWH Nailgun waren schon immer von einer schonungslosen Direktheit geprägt. Was einst als rohes Duo begann, hat sich längst zu einer kompromisslosen Band entwickelt, deren Klang ebenso aggressiv wie eigenständig ist. Mit ihrem neuen Album Magazine schärfen sie dieses Profil weiter und entziehen sich bewusst jeder klaren Einordnung. Das kurze, nur etwa elf Minuten lange Werk wirkt wie ein konzentrierter Ausbruch von Energie. Schon der Opener »Ghost of Love« baut sich langsam auf, bevor Schlagzeug und grelle Gitarren plötzlich mit voller Wucht einsetzen. Diese Idee des »Ein- und Ausblendens« verstehen sie nicht nur als Stilmittel, sondern als Hinweis darauf, dass ihre Musik über das Hörbare hinaus weiterexistiert. Im Vergleich zum Debüt 45 Pounds zeigt sich Magazine reduzierter und präziser. Das Schlagzeug klingt roher, fast karg, während der Fokus stärker auf Klarheit liegt-vor allem bei Zack Borzones Stimme. Statt sich hinter Effekten zu verstecken, tritt sein Gesang nun unverhüllt hervor. Seine Texte, voller düsterer Bilder und religiöser Symbolik, gewinnen dadurch an Gewicht: Visionen von Asche, Blut und mythischen Kreaturen entfalten eine unmittelbare, beinahe bedrückende Intensität. Religiöse Motive waren schon immer zentral für die Band, doch auf Magazine werden sie klarer ausgesprochen. Der Name YHWH verweist selbst auf das unaussprechliche Gottesbild; nun stehen Themen wie Gott, Teufel und Moral offen im Raum. Im abschließenden Track »To the Devil« kulminiert dies in einer fast beschwörenden Atmosphäre, die zugleich beunruhigt und fasziniert. Trotz ihrer extremen Klangsprache verfolgen YHWH Nailgun keinen konfrontativen Ansatz gegenüber anderen Genres. Ihr Fokus liegt allein auf dem eigenen kreativen Raum-fern von Trends oder Erwartungen. Magazine wirkt dadurch wie ein Fragment eines endlosen musikalischen Flusses: kurz, intensiv und bewusst unvollständig, als würde die eigentliche Musik jenseits des Albums weiterlaufen.

Black Marble erwachte im Herbst 2012 zum Leben, inspiriert vom Synthwave-Revival der frühen 2000er Jahre in New York City. Heute, vierzehn Jahre später und sieben Veröffentlichungen weiter, macht Chris Stewart weiterhin Platten, während er über Maschinen gebeugt sitzt, die sich beim Einschalten warm anfühlen und die man überreden muss, um in der Stimmung zu bleiben. Seine Alben, die ausschließlich von Stewart geschrieben, aufgenommen und veröffentlicht werden, bleiben einzigartige Visionen, mit Songs, die versuchen, ein diffuses Pastiche zu vermitteln, das nun von dem Wunsch geprägt ist, das Ganze in eine Botschaft zu hüllen, die davon erzählt, wo er gewesen ist und wohin er gehen will. In seiner neuesten Vision, »Life in Small Spaces«, kommentiert Stewart die Musikindustrie und seine Rolle darin und reflektiert darüber, wie sich Underground-Musik im Laufe der Zeit verändert hat und wie ein Leitbild, die Dinge einfach zu halten und sich selbst treu zu bleiben, das einzige Ideal für das Leben in dieser komplizierten Landschaft ist. Stewarts Wunsch, die Zeit mit intakten Idealen zu überbrücken, zeigt sich im Songwriting, das die Pop-Sensibilität des Projekts beibehält und gleichzeitig neue Tricks in den Hut zaubert. »Life in Small Spaces« tauscht Synth-Wände gegen mehr Gitarre ein und greift dabei auf frühe amerikanische College-Radio-Staccato-Gitarrenlinien zurück, die an Pylon, The Necessaries und R Stevie Moore erinnern, sowie auf Live-Drum-Samples - eine Anspielung auf den einfachen, metronomartigen Stil von Wire. Stewart erklärt den Grund für die Veränderung als einen Weg, »diese glockige, hypnotische Qualität zu erzeugen. Wie ein Radio-Drehknopf, der zwischen zwei Sendern steht.« Visuell zeigt »Life in Small Spaces« Stewart allein auf dem Cover in einem kargen Raum, umgeben von einer Explosion aus Konfetti - ein Bild, das eine in sich geschlossene Welt widerspiegelt, die zwar klein, trostlos und überladen wirken mag, aber ganz und gar seine eigene ist. Ein passender Rahmen für ein Album, das Begrenzung als eine Form der Klarheit begreift und die Geschichte davon erzählt, sich für ein einfaches Leben zu entscheiden, Stabilität und Komfort aufzugeben zugunsten einer Existenz voller mutiger und fesselnder Verbindungen. Dies spiegelt zudem Black Marbles Vertrauen nicht nur in seine Kunst wider, sondern auch in die Gemeinschaft, die sich im Laufe der Jahre um das Projekt herum entwickelt hat. »›Life in Small Spaces‹ ist das, worüber ich als Künstler sprechen möchte. Es ist genau dort, wo ich mich in diesem Moment befinde, und ich weiß, dass ich mit meinen Gefühlen nicht allein bin.« Dieses Gefühl ist kein Vorbehalt. Es ist der springende Punkt. »Life in Small Spaces«, mit seiner introspektiven Lyrik, die geschickt in Black Marbles strahlender Musikalität verborgen ist, ist eine ernsthafte Analyse der Belastungen, die Künstler prägen. Es ist eine Einladung, einen minimalistischeren Lebensstil zugunsten kreativen Ausdrucks und Freiheit zu akzeptieren und bewusst zu wählen - und niemals deine Werte für die verlockende Illusion von Erfolg opfern zu müssen.

Berlin, 2026. Manchmal braucht es Zeit, bis eine Band findet, was sie wirklich sagen will. R. O.S. A. haben diese Zeit nicht gebraucht. Die Berliner Hardcore-Punk-Band - bestehend aus Hassan (Gesang), Til (Schlagzeug), Jörg (Gitarre) und Max (Bass), allesamt Veteranen von Patsy O'Hara, Empty Vision, Tackleberry und Ratfeast - meldeten sich 2025 mit drei Digitalsingles zurück und wussten von Anfang an, wohin die Reise geht. »No Peace For You« umfasst elf neue sowie neu eingespielte Songs, u. a. rerecordete Versionen der drei E. P.-Songs - Cold Moon, Black Noise und Ugly Boys. Die Grundkoordinaten der Band? Dunkel, hallend, direkt, mit einer metallischen Kante, für Fans von GAG, Gulch oder anderen Chainpunk-Wahnsinnigen. Die Neuaufnahmen sind kein Nachschärfen des Alten, sondern eine Standortbestimmung: So klingt die Band jetzt, mit einem Album hinter sich statt einem Demo vor sich.

Matrix Music Arhiv (MMA) freut sich, die Neuauflage des äußerst begehrten Albums »Resistance« der wegweisenden jugoslawischen Elektronik-Rock-Band Borghesia anzukündigen, das ursprünglich 1989 bei Play It Again Sam/PIAS (Europa), Wax Trax (USA) und Jugoton (ehemaliges Jugoslawien) veröffentlicht wurde. Erhältlich als 2LP, 2CD und 1MC (MC nur das Originalalbum). Die Neuauflage enthält eine sorgfältig remasterte Version sowie das exklusive Bonus-Live-Album »Dal Vivo A El Paso«, das im Dezember 1988 während ihres Auftritts in Turin, Italien, im Rahmen einer ihrer Europatourneen aufgenommen wurde. Diese Aufnahme enthält ganz andere, rohe und teilweise »aufgemischte« Versionen ihrer frühen Titel wie »Naked, Uniformed, Dead«, »Am I?« und »Him (On)«. Die historische Aufnahme fängt die Atmosphäre und Energie ihrer damaligen Live-Auftritte perfekt ein. Borghesia (italienisch für »Bourgeoisie«), die 1982 in Ljubljana (Slowenien) gegründet wurden, hatten ihre Kunst stets als weitaus umfassender als nur klanglich betrachtet. Borghesias grenzüberschreitende, transdisziplinäre Mischung aus filmischem Ausdruck, unverwechselbaren körperlichen Performance-Praktiken, dem Einsatz neuer Technologien und bewusst aggressiver EBM-Musik (Electronic Body Music) war nicht nur bahnbrechend hinsichtlich der ganzheitlichen, visuell-akustischen Präsenz eines Kunstkollektivs, sondern hatte auch einen entscheidenden Einfluss auf die allgemeine Ästhetik der überaus bedeutenden jugoslawischen Subkulturlandschaft der 1980er Jahre. Borghesia war eine der ersten Bands aus dem Osten hinter dem Eisernen Vorhang, die das VHS-Videomedium nutzte, um ihre Kunst zu verbreiten, und gehörte zudem zu den wenigen Projekten aus dem sozialistischen Jugoslawien, denen es gelang, den Vorhang selbst zu durchbrechen und ein internationales Publikum zu erreichen. Eine Reihe ihrer Veröffentlichungen aus der fruchtbaren Schaffensphase zwischen 1987 und 1991, darunter auch das Album »Resistance« selbst, erschien beim legendären belgischen Label Play It Again Sam (PIAS). Die Band löste sich Mitte der 1990er Jahre auf und nahm ihre Arbeit 2014 wieder auf. Im Einklang mit dem einzigartigen sozialen Engagement, der Progressivität und der politischen Kritik von Borghesia ist »Resistance« eines ihrer kraftvollsten Statements. Es ist das ultimative »Fight the Power«-Manifest, das Punk- und Hip-Hop-Alben jener Zeit wie Kinderlieder klingen lässt. Das ist keine Musik, zu der man einfach nur mit dem Kopf nickt; es ist eine taktische Botschaft für den nächtlichen Widerstand bis zum heutigen Tag. Borghesia thematisierte nicht nur Kontrolle – sie samplten die politische Spitze, die Geheimpolizei und stellten einen expliziten Zusammenhang zwischen Autorität und Herrschaft her. Die Produktion des Albums ist weder sauber noch ausgefeilt. Im Gegenteil – »Resistance« klingt, als wäre es in einem Bunker mit gestohlener Militärausrüstung und Synthesizern entstanden. Das Geniale an Borghesia liegt in ihrer Erkenntnis, dass der unerbittliche, mechanische EBM-Beat der Sound des Staates war – und indem sie ihn kapern und den eigenen Rhythmus des Systems gegen sich selbst richteten, schufen sie die mächtigste Form klanglicher Rebellion. Und da sich die Geschichte wiederholt, während der kleine Mann nur langsam lernt, kommt die Neuauflage von »Resistance« genau zum richtigen Zeitpunkt. Die dunklen Wolken der Gewalt ziehen bereits über Europa auf, sie haben den Nahen Osten nie wirklich verlassen, und die Hebel der Macht und des Kapitals stacheln immer lauter, nicht einmal mehr verdeckt, an: Krieg, Krieg, Krieg! In diesen Zeiten lautet die einzig angemessene Antwort: Aufstand, Rebellion, Widerstand!

Über die neun Songs des Albums hinweg erschafft Elanor Moss mit feinsinnigem Psych Folk ein eindringliches Wechselspiel aus Freude und Schmerz. Ihre düster-verträumten Momentaufnahmen bieten dabei weniger Katharsis als vielmehr ein Verständnis für die Komplexität des Wegs dorthin - Heilung nicht als Zustand, sondern als Prozess. Der Weg hin zu ihrem Debütalbum »The Knife, The Needle« war für Elanor Moss selbst eine komplexe Reise. Zeitweise fühlte sie sich von ihrer eigenen Musik entfremdet und suchte nach einem neuen Sound, anstatt den Raum zu besetzen, den sie sich bereits geschaffen hatte. »Nichts fühlte sich richtig an«, erinnert sie sich, »also nahm ich den Druck heraus und versuchte, meine Beziehung zum Songwriting und zur Musik neu zu kalibrieren.« Die drei Jahre, in denen die Songs für »The Knife, The Needle« entstanden, führten sie letztendlich zurück zu ihren Wurzeln und ihrer Liebe zu, wie sie es ausdrückt, »der Musik, die mich wirklich etwas fühlen ließ; der Musik, die ich schreiben wollte.« »Das waren Folk- und zeitgenössische Folk-Songwriter«, fährt sie fort. »Ich habe viel Zeit damit verbracht, Gitarre zu spielen«, ergänzt Elanor Moss. »Ich habe mir ein Vierspur Tape Gerät geliehen und darauf Demos aufgenommen. Ich habe mich intensiv mit Kurzgeschichten beschäftigt. Die schlichte, direkte Wahrhaftigkeit von Autoren wie Raymond Carver hat mich sehr angesprochen und inspiriert, während ich darauf wartete, dass meine Lust am Schreiben zurückkehrt. Ich habe außerdem wieder eine Therapie begonnen, in der ich anfing zu verstehen, woher ich komme, wie sich meine Familiengeschichte in meinem Handeln widerspiegelt und wie ich liebe und Liebe annehme. Aus der Langsamkeit und Stille dieser Rhythmen sind diese Songs entstanden.« »Sarah Waiting in the Car« gibt den Ton an, mit Moss' zartem, nachdenklichem Gitarrenspiel und den Pinselstrichen von Matthew Herds Ensemble - Marcus Hamblett (Horn), Jool Owen (Horn), Andrew Stuart-Buttle (Violine), Reid Jenkins (Violine), Linus Fenton (Kontrabass) und Herd (Saxophon) - die ihre Texte mit herzzerreißender Ernsthaftigkeit untermalen, während sich die Erzählung, die aus Moss herausfließt, von einem Treffen in der Bar zu den Nachwirkungen einer missbräuchlichen Beziehung wandelt, wobei Sanftheit in Gewalt umschlägt. In »Fixer« ringt Moss mit der Tatsache, dass Liebe jemanden ebenso verletzen kann, wie sie ihn heilen kann. Ihr Album »The Knife, The Needle« beschäftigt sich damit, wie Beziehungen durch die Liebe verändert, verkompliziert und erschüttert werden. Es ist ein erschütterndes Werk, zugleich geduldig und verletzlich, opulent umgesetzt und tief empfunden. Beide Objekte, die im Albumtitel genannt werden, können Blut vergießen, doch durch ihre Stimme und Gitarre erhellt, ist das, was aus den Wunden fließt, die sie hier teilt, nichts Geringeres als Poesie.

Die auf orangefarbenem Vinyl erhältliche LP von Marcus 5 dokumentiert erstmals offiziell remasterte Archivaufnahmen einer slowenischen Band, deren Ursprung in den frühen Achtzigern liegt. Die LP versammelt neun Stücke, die zwischen 1982 und 1985 aufgenommen wurden und nun in 24-bit / 48kHz-Downloads sowie als physische Pressung vorliegen. Die Veröffentlichung bringt frühe Demos und seltene Studioaufnahmen in eine kohärente Edition und richtet sich an Sammler und Freunde der regionalen Alternativszene. Musikalisch verbindet Marcus 5 alternative Funkelemente mit einem ausgeprägten Rhythmusfundament, zugleich sind Anklänge an New-Romantic- und Coldwave-Ästhetik spürbar. Charakteristisch für die Gruppe waren prägnante Basslinien, synkopierte Gitarren und eine ausgeprägte Bühnenpräsenz, die der Band in Ljubljana schnell lokale Aufmerksamkeit brachte. Diese stilistische Mischung sowie die knappen, melodisch orientierten Arrangements zeichnen den Sound aus und geben dem Material eine eigenständige Spur in der damaligen Szene. Die Credits nennen Vinci Vogue AnPlovar als Sänger, Borut KrPisnik und Zvone Kukec an den Gitarren, Jani Hace am Bass sowie Friderik Vargazon an Schlagzeug und Xylophon; sämtliche Stücke entstanden unter dem Bandnamen Marcus 5. Für die Neuauflage zeichnet Mastering-Ingenieur Simon Pensek (Studio Siska, 2025) verantwortlich; das Artwork stammt von Zvone Kukec, Fotografie von JoPe Suhadolnik. Die Edition erschien auf Matrix Music Arhiv und präsentiert damit ein wichtiges Dokument der slowenischen Alternativmusik aus den frühen Achtzigern.

  Frisch nachgepresst! Der Timber Timbre Klassiker »Creep On Creepin' On'« erscheint als smokey grey Vinyl auf Full Time Hobby!

Nach den selbstbetitelten Alben in Blue, Green, Red, White, Teal und Black kehren Weezer 2026 mit einer neuen Farbe in ihrem Arsenal zurück: »Weezer« - das 20. Album ihrer monumentalen, jahrzehntelangen Karriere. Dieses Weezer-Album ist Stand 2026 zweifellos das kollaborativste Album der Band. Alle haben abwechselnd Songs beigesteuert; alle haben abwechselnd gemeinsam ON-Songs geschrieben. Produziert von Kenneth Blume und Klas Ahlund, entwickelt sich Weezer nach der Veröffentlichung der gefeierten Single »Shine Again« bereits zu einem weiteren herausragenden Werk im unglaublichen, zeitlosen Katalog der Band.

  Frisch nachgepresst! Der Timber Timbre Klassiker »Hot Dreams« erscheint 2026 als smokey grey Vinyl auf Full Time Hobby!

»Computer Games« von 1982, war George Clintons erste Solo-LP. Nach einer Phase juristischer Auseinandersetzungen verhalf ihm das Album zu einem Comeback und brachte zwei Hit-Singles hervor: »Loopzilla« und »Atomic Dog«. Zudem erreichte das Album Platz 3 der Billboard-R&B-Charts und kletterte bis auf Platz 40 der Billboard 200. Obwohl sich Funkadelic und Parliament bereits aufgelöst hatten, wirkten zahlreiche Mitglieder der P-Funk-Crew an der Aufnahme mit, darunter Bootsy Collins, Eddie Hazel, Junie Morrison, Fred Wesley, Dennis Chambers, Garry Shider und Bernie Worrell. Im Rahmen des Bestrebens von Ace, das Schaffen des P-Funk-Imperiums möglichst umfassend zu veröffentlichen, freut sich das Label das Album erneut auf schwarzem 180-Gramm-Vinyl sowie als CD-Version herauszubringen. »Computer Games« von 1982, war George Clintons erste Solo-LP. Nach einer Phase juristischer Auseinandersetzungen verhalf ihm das Album zu einem Comeback und brachte zwei Hit-Singles hervor: »Loopzilla« und »Atomic Dog«. Zudem erreichte das Album Platz 3 der Billboard-R&B-Charts und kletterte bis auf Platz 40 der Billboard 200. Obwohl sich Funkadelic und Parliament bereits aufgelöst hatten, wirkten zahlreiche Mitglieder der P-Funk-Crew an der Aufnahme mit, darunter Bootsy Collins, Eddie Hazel, Junie Morrison, Fred Wesley, Dennis Chambers, Garry Shider und Bernie Worrell. Im Rahmen des Bestrebens von Ace, das Schaffen des P-Funk-Imperiums möglichst umfassend zu veröffentlichen, freut sich das Label darüber, das Album erneut auf schwarzem 180-Gramm-Vinyl herauszubringen – ergänzt durch Begleittexte von Ian Shirley. Ebenfalls erhältlich ist auch eine CD-Version.

John Edwards' frühe Veröffentlichungen – vorwiegend bei Aware Records unter der Ägide von Floyd Smith – begeisterten Soul-Liebhaber mit seinem meisterhaften Gesang und beeindruckten die Spinners so sehr, dass sie ihn als Nachfolger ihres verehrten Sängers Philippe Wynne engagierten. Edwards' erste Hits bei Aware, wie »Stop This Merry-Go-Round« und »Careful Man«, ebneten den Weg für sein gleichnamiges Debütalbum. Als wichtigster männlicher Künstler des Labels sollte ein zweites Album folgen, und man erhoffte sich zweifellos einen weiteren Hit. Doch das Label Aware brach aufgrund krimineller Machenschaften seines Inhabers zusammen, wodurch das geplante Album nie erschien. Als die Masterbänder in den 1990er Jahren wiederentdeckt wurden, erschienen die Titel 1996 auf der Kent-CD »Careful Man«. Nun sind diese Titel endlich auch auf Vinyl erhältlich, sodass man die Schönheit von Songs wie »Tin Man«, »How Can I Go On Without You« und »Cold Hearted Woman« genau so genießen kann, wie es ursprünglich gedacht war. Fans des Modern Soul können nun wieder ruhig schlafen.

»Motorway City - The Golden Age Of Car Travel 1966 - 1982« ist eine hervorragende, auf Autofahrten ausgerichtete Sammlung von Library-Musik. Die Titel dieses Albums wurden alle zwischen Mitte der 60er und Anfang der 80er Jahre komponiert, um das Reisen mit dem Auto zu verherrlichen – zu einer Zeit, als das benzinbetriebene Auto noch als Verkehrsmittel der Zukunft galt und Autobahnen neu und aufregend waren. Es war das goldene Zeitalter des Autofahrens. Die Titel sind äußerst sammelwürdige Raritäten aus den Musikbibliotheken von De Wolfe, Chappell und Hudson. Die Zusammenstellung stammt von Bob Stanley von Saint Etienne, der auch die informativen Begleittexte verfasst hat. Das Spektrum reicht von Mod-Hits bis hin zu Proto-Ambient – für jede Autofahrt ist etwas dabei. Bibliotheksmusik untermalte die vielen Kurzfilme, die die Vorzüge des Restaurants »TopTray« in Watford Gap oder die bequemen Ledersitze eines »Alpine Sunbeam« priesen. Diese Melodien verdeutlichten die Freuden des Autofahrens und erhielten Titel wie »Fast Lane«, »Super City« und »Clearway«. Viele dieser Titel wirken zeitgebunden. Bei Basil Kirchins »Through New Territory« lugt die Sonne über den Horizont; Reg Tilsleys »Hold The Road« ist zur Mittagszeit so strahlend, dass man eine Sonnenbrille tragen muss, damit einem die Sonne nicht in die Augen scheint; John Fiddys »City Skyline« muss man in der Abenddämmerung sehen (und hören). Der ehemalige Soft-Machine-Musiker Karl Jenkins steuert das spannungsgeladene »Wheeling« bei, und Peter Renos donnerndes »Convoy« schaltet die Stimmung noch eine Stufe höher. Vielleicht sollten Sie es wagen, die Geschwindigkeit auf über 80 zu erhöhen – zum Soundtrack von Alan Hawkshaws »Fuel Injection« oder Simon Parks sanftem, aber dynamischem »Big Road«.

Seitdem er vor gut einem Jahr mit »Night Moves« einen neuen Song samt Video veröffentlicht hat, wartet alles gespannt auf sein Debüt. 2016 ist es so weit: »Roosevelt« heißt das erste Album des gleichnamigen Kölner Produzenten und Multiinstrumentalisten. Eigentlich heißt Roosevelt Marius Lauber und stammt aus der nordrhein-westfälischen Kleinstadt Viersen. Dort machte er bereits vor gut sieben Jahren als Schlagzeuger der Indierockband Beat! Beat! Beat! erstmals auf sich aufmerksam. Zur Freude vieler Elektrofans startete er 2012 seine Solokarriere. Mit großem Erfolg: Mit seiner Mischung aus tanzbarem Pop und Electronica schaffte er es bereits ins Vorprogramm von Bands wie Hot Chip oder T.E.E.D. sowie auf diverse Festivals. Auch das Berliner Label City Slang (Arcade Fire, Caribou, The Notwist) entdeckte Roosevelt und präsentiert nun sein selbstbetiteltes Album. Insgesamt zwölf Songs gibt es darauf, die Roosevelt in der Regel selbst schreibt, komponiert, singt und produziert. Dazu gehört auch die erste Singleauskopplung »Colours« – ein heißer Anwärter auf den Sommerhit des Jahres 2016.

»One Assassination Under God – Chapter 2«, das 13. Album von Marilyn Manson mit der neuen Single »Exit Wound«. »Der Shock-Rocker mit seinem klassischen Industrial-Rock'n'Roll-Sound ist mit dem zweiten Teil seiner ‹One Assassination Under God« Releases zurück!

»One Assassination Under God – Chapter 2«, das 13. Album von Marilyn Manson mit der neuen Single »Exit Wound«. »Der Shock-Rocker mit seinem klassischen Industrial-Rock'n'Roll-Sound ist mit dem zweiten Teil seiner ‹One Assassination Under God« Releases zurück!

  Der Hit »(Don't Fear) The Reaper« ist nur einer der großartigen Songs auf Blue Öyster Cults fünftem Album aus dem Jahr 1976. Dieses Album rockt und donnert, mit einem sinnlichen Boogie, der sich durch alle zehn starken Tracks zieht.

Mit Robert Roth, dem visionären Songwriter und Frontmann von Truly, sowie Hiro Yamamoto, Mitbegründer von Soundgarden, und Mark Pickerel, dem Gründungsschlagzeuger von Screaming Trees, vereint »Twilight Curtains« die Zusammenarbeit dreier einflussreicher Persönlichkeiten aus der Underground-Musikszene Seattles. Diese lange übersehene Sammlung vereint seltene, unveröffentlichte und alternative Aufnahmen aus den Jahren 1991 bis 1997 und dokumentiert die kreativsten Jahre der Band; sie ist nun erstmals auf Vinyl erhältlich. Ursprünglich im Jahr 2000 als reine CD-Sammlung veröffentlicht, versammelt »Twilight Curtains« seltene, unveröffentlichte und alternative Aufnahmen aus den Jahren 1991 bis 1997 und dokumentiert damit die Band in ihrer kreativsten und experimentierfreudigsten Phase. Truly war mehr als nur eine weitere Band aus Seattle – sie schufen einen einzigartigen Sound, der schweren Psychedelic-Rock, die Intensität der Grunge-Ära, »Damaged Pop« und weitläufige melodische Texturen miteinander verband. Mit Beiträgen von drei Schlüsselfiguren der Underground-Szene des Pazifischen Nordwestens bietet diese Sammlung einen faszinierenden Einblick in die Entwicklung der Band anhand von alternativen Versionen, verschollenen Aufnahmen und bisher unveröffentlichtem Material. Als unverzichtbare Ergänzung zu »Fast Stories«, »From Kid Coma« und »Feeling You Up« macht »Twilight Curtains« dieses fehlende Puzzlestück des Truly-Katalogs nun endlich auf Vinyl verfügbar.

Bei Highsigh - dem Trio aus Ro(b)//ert Lundberg (JOBS), John Dieterich (Deerhoof) und Matt Mehlan (Skeletons) - geht es genauso sehr um den Entstehungsprozess wie um das Endergebnis. Auch wenn der Bandname neu ist, wächst Highsigh aus jahrelanger Freundschaft und Zusammenarbeit des Trios in anderen Konstellationen hervor - dem Zusammentreffen von Deerhoof und Skeletons in der Supergroup Congotronics International, Ro, der bei den Tour- und Aufnahmebands von Skeletons am Bass spielte, John und Matt, die beide auf verschiedenen JOBS-Alben mitwirkten und diese als Toningenieure begleiteten, sowie vielen gemeinsamen Kaffeepausen, Mahlzeiten und Wanderungen. Ihr Debütalbum »Once Bend« präsentiert sich sowohl als entwaffnend vertraut als auch als seltsam undurchsichtiges Patchwork aus mutiertem Pop und abstrakten polyrhythmischen Klanglandschaften. In einer collageartigen Weise entstanden, brachte jedes Mitglied reichhaltige musikalische Fragmente ein, die aus anderen Projekten beiseitegelegt worden waren - fast wie kleine Fragezeichen, die die anderen Mitglieder entschlüsseln und interpretieren sollten. Diese Fragmente wurden frei und ohne konkretes Ziel unter den Mitgliedern ausgetauscht; jeder spielte damit herum und bastelte an dem, was er bekommen hatte, fügte Phrasen, Klänge und Texturen hinzu. Die musikalischen Schichten, die dabei entstanden, waren durchweg unerwartet und mitreißend. Highsigh hatte nicht mit einem festen Schema begonnen, doch innerhalb jedes Songs entwickelte sich ein zusammenhängendes Patchwork - geschichtete Gitarren und gestrichener Bass stehen neben träge treibenden Synth-Klängen und knackigen, treibenden Akustik-Drums. Die Band erweiterte ihren Austauschkreis und schickte Tracks an Tim Barnes, Ben LaMar Gay, Max Jaffe, Lia Kohl, Booker Stardrum und Jon Starks, um Schlagzeug-, Cello- und Kornett-Parts einzufügen. Diese rohen Klangteppiche fanden ihre endgültige Struktur und Ordnung durch Texte, von denen einige von der Band selbst geschrieben wurden, andere von Macie Stewart (Finom) und Paige Alice Naylor. »Textlich interessieren mich einfache Momente der Erkenntnis«, sagt Matt Mehlan. »Wie ist die Umgebung, wie ist das Gefühl?« Dieses Thema zieht sich durch das gesamte Album und verbindet die unterschiedlichen Stimmen, die mitgewirkt haben. Auf »Once Bend« präsentiert Highsigh ihre selbstgemachten musikalischen Patchwork-Decken - zusammengenäht aus Saiten, Schaltkreisen und Servern auf ganz Turtle Island.

Scowl haben sich schnell einen Namen als eine der ausdrucksstärksten und fleißigsten Bands der Rockwelt gemacht. Auf »Psychic Dance Routine« erweitern Scowl weiterhin die Grenzen ihres Sounds und ihrer künstlerischen Präsenz und bewegen sich nun irgendwo zwischen Hardcore und Alternative. Die Höhepunkte und Herausforderungen des Auftritts - sei es im Studio, auf Tour oder im Leben selbst - wurden zu einem wiederkehrenden Thema auf dieser EP mit fünf Titeln.

Auf der sechsten LP von Radiator Hospital, »Distorting Time«, spielt Sam Cook-Parrott nicht mit Nostalgie - er geht ihr aktiv aus dem Weg. Im Laufe von fünfzehn Jahren hat er RH von einem Solo-Projekt, das er in seinem Schlafzimmer aufnahm, zu einem vollwertigen Rock'n'Roll-Quartett ausgebaut, wobei er am Rande des Mainstream-Erfolgs blieb und sich gleichzeitig einen Ruf als echter Außenseiter der DIY-Szene erarbeitete. Die Veröffentlichung von »Can't Make Any Promises« im Jahr 2023 brachte Sam an eine Art Scheideweg - doch er war entschlossen, keine Zeit mit Rückblicken zu verschwenden, sondern stattdessen nur auf das zu blicken, was vor ihm lag. Aus heiterem Himmel wurde Radiator Hospital Ende 2025 eine Tour angeboten, was Sam dazu veranlasste, seinen Ansatz zu überdenken und das Gewebe seiner bisherigen Arbeit in eine völlig neue Form zu verwandeln. »Ich beschloss, etwas Neues live zu probieren, was ich noch nie zuvor gemacht hatte: Ich nahm meine Begleitmusik auf einem 4-Spur-Kassettenrekorder auf und sang dann einfach dazu«, erklärt Cook-Parrott. »Distorting Time« - seine erste Veröffentlichung bei Lame-O Records - besteht aus 13 Songs, die bei Sam zu Hause auf einem 4-Spur-Kassettenrekorder aufgenommen wurden, mit zusätzlichen Elementen, die im Uniform Recording Studio von Jeff Zeigler in Philadelphia eingefangen wurden. Die Songs wirken gleichzeitig sanft vertraut und doch auffallend eigenständig; sie nutzen die Grenzen des 4-Spur-Setups aus und lassen sich gleichzeitig von Bands wie Young Marble Giants und Tall Dwarfs inspirieren. Thematisch beschäftigen sich die Songs mit dem seltsamen Gefühl des Vergehens der Zeit, insbesondere aus der Perspektive eines Künstlers und seines Schaffens.

Phoebe Bridgers hat ihr lang erwartetes drittes Studioalbum angekündigt: »Lost Weekend« erscheint über Dead Oceans. Die Ankündigung folgt auf wochenlange Spekulationen sowie eine Reihe überraschender Pop-up-Konzerte in den USA, die Anfang des Monats in einem ausverkauften Auftritt im Madison Square Garden in New York ihren Höhepunkt fanden. Auch die frisch angekündigte Arena-Tournee war ein voller Erfolg: Die Tickets für Nordamerika, Großbritannien und auch Deutschland waren innerhalb weniger Stunden nach Vorverkaufsstart vergriffen, das Konzert in Düsseldorf wurde hochverlegt. Insgesamt wurden weltweit innerhalb von drei Tagen über 500.000 Tickets verkauft. »Lost Weekend« ist das erste Album von Phoebe Bridgers seit dem mehrfach für den GRAMMY nominierten Vorgänger »Punisher« aus dem Jahr 2020. Bereits ihr gefeiertes Debüt »Stranger in the Alps«, veröffentlicht kurz nach ihrem 23. Geburtstag, machte deutlich, welch außergewöhnliches Songwriting-Talent in Bridgers steckt. Mit »Punisher« löste sie dieses Versprechen eindrucksvoll ein: Das Album wurde für seine kluge, eindringliche und zugleich fesselnde Komposition weithin gefeiert und etablierte sie endgültig als eine der prägendsten Stimmen ihrer Generation. Wer nun »Lost Weekend« hört, wird jedoch feststellen, dass Bridgers noch einen Schritt weitergeht. Auf dem neuen Album präsentiert sie sich auf dem bisherigen Höhepunkt ihres künstlerischen Schaffens. Mit bemerkenswerter Präzision verfeinert sie die Motive, die ihre bisherigen Werke ausgezeichnet haben, und erweitert ihren Sound gleichzeitig um zahlreiche überraschende Facetten. Das Ergebnis ist ein Album, das vertraut wirkt und dennoch immer wieder neue Wege einschlägt. Vor ihren jüngsten Pop-up-Shows stand Bridgers zuletzt mit ihrer Supergroup boygenius auf der Bühne, die sie gemeinsam mit ihren engen Freundinnen Lucy Dacus und Julien Baker gegründet hat. Für das 2023 erschienene Album »the record« erhielt die Band mehrere GRAMMY Awards, darunter »Best Alternative Music Album« sowie »Best Rock Song« und »Best Rock Performance« für die Single »Not Strong Enough«. Phoebe Bridgers verließ die Preisverleihung zudem als meistprämierte Künstlerin des Abends. Ihren vierten GRAMMY gewann sie in der Kategorie »Best Pop Duo/Group Performance« für »Ghost in the Machine«, ihre Zusammenarbeit mit SZA auf deren Erfolgsalbum »SOS«. Zuvor war Bridgers als Support-Act auf ausgewählten Terminen von Taylor Swifts »The Eras Tour« zu sehen. Davor absolvierte sie fast zwei Jahre lang ihre eigene »Reunion Tour« mit mehreren ausverkauften Nordamerika-Etappen, rund dreißig Konzerten in Europa sowie abschließenden Shows in Südamerika, Asien und Australien. Auch abseits der Bühne prägte Bridgers die vergangenen Jahre mit einigen der eindrucksvollsten Live-Performances im Netz und Fernsehen, darunter ihr viel beachtetes NPR Tiny Desk Concert sowie ihr Auftritt bei Saturday Night Live. Seit ihrem letzten Soloalbum veröffentlichte sie zudem zahlreiche Singles, Coverversionen und Kollaborationen mit Künstler wie Paul McCartney, MUNA, Bright Eyes, The 1975, Lorde, Taylor Swift und The National.

27 Jahre später sind Me First and The Gimme Gimmes immer noch eine Qual. Auch wenn es nicht gerade nach einer genialen Idee klingt: Me First & the Gimme Gimmes, eine All-Star-Coverband, die sich darauf spezialisiert hat, die seichteste Musik aus den Plattensammlungen ihrer Eltern im Punkrock-Stil wiederzukäuen, sind tatsächlich außerordentlich unterhaltsam und können Leute wie John Denver und Barry Manilow gar nicht so schlecht klingen lassen. Zur Besetzung gehören hier Fat Mike von NOFX, der Gitarrist der Foo Fighters, ein paar Jungs von Lagwagon und Spike Slawson, der Sänger der Gimmes mit der sanften Stimme, der auch Bass bei den Swingin' Utters spielt. Auf ihrem zweiten Album, »Are a Drag«, nehmen sich die Gimmes alle Lieblings-Showmelodien ihrer Eltern vor und betonen dabei, dass es sich eher um eine Hommage als um Satire handelt. Die meisten ihrer ausgewählten Songs kennt jeder, der sich auch nur im Entferntesten für Musicals interessiert, auswendig. »Ihre Coverversion von ›Don't Cry for Me Argentina‹ hat mehr Refrains als das Original, rockt verdammt hart und ist definitiv eines wirbelnden Slam-Pits würdig. Auch wenn es nicht ganz so wild ist wie John Coltranes Version, ist das ›My Favorite Things‹ der Gimmes doch wild genug, um Julie Andrews dazu zu bringen, sich von der Bühne in ein Meer aus verschwitzten Punkern zu stürzen. Sie spielen mit dem Jazz-Standard ›Summertime‹ von Gershwin und fügen dem millionenfach gespielten Song ein paar feine Surf-Gitarren-Soli hinzu. Außerdem gibt es ihre rasante Interpretation von Andrew Lloyd Webbers ›Phantom of the Opera‹. Auf ›Are a Drag‹ gelingt es den Gimmes, Showmelodien so zu spielen, dass Punk-Kids darauf abfahren – keine Kleinigkeit.« (allmusic.com)

»The Ecstatic«, das ursprünglich im Juni 2009 erschien, gilt als wegweisendes künstlerisches Statement von Mos Def (heute bekannt als Yasiin Bey) - ein facettenreiches Comeback, das seinen Status als eine der abenteuerlustigsten und intellektuell engagiertesten Stimmen des Hip-Hop bekräftigte. Das Album erschien ein Jahrzehnt nach seinem gefeierten Debüt »Black on Both Sides« und wurde weithin als sein stärkstes Werk seit Jahren angesehen; es erntete nahezu einhelliges Lob für seine lyrische Bandbreite, die vielseitige Produktion und den thematischen Anspruch. Musikalisch webt »The Ecstatic« einen globalen Klangteppich, der von einer Reihe zukunftsweisender Produzenten geprägt ist, darunter Madlib, J Dilla, Oh No, Preservation, Mr. Flash, Chad Hugo (von The Neptunes) und Georgia Anne Muldrow. Die daraus entstehende Klanglandschaft ist sowohl in der Hip-Hop-Tradition verwurzelt als auch genreübergreifend und integriert Elemente aus Jazz, Soul, nahöstlichen Einflüssen und experimenteller Sample-Arbeit. Tracks wie »Supermagic« und »Twilite Speedball« strahlen eine lebendige, rastlose Energie aus, die den weitreichenden kreativen Spielraum des Albums widerspiegelt. Textlich durchstreift Yasiin Bey mit seiner charakteristischen Schärfe persönliche, politische und philosophische Themen und setzt sich mit poetischer Dringlichkeit mit sozialer Ungleichheit, westlichem Imperialismus und Fragen der kulturellen Identität auseinander. »The Ecstatic« setzt eher auf Risiko und Komplexität als auf Nostalgie und bleibt ein ausgereiftes, tief empfundenes Werk, dessen Ehrgeiz, Tiefe und anhaltende Resonanz seinen Platz als herausragender Eintrag im Werk von Mos Def und in der modernen Hip-Hop-Geschichte gefestigt haben.

Phoebe Bridgers hat ihr lang erwartetes drittes Studioalbum angekündigt: »Lost Weekend« erscheint über Dead Oceans. Die Ankündigung folgt auf wochenlange Spekulationen sowie eine Reihe überraschender Pop-up-Konzerte in den USA, die Anfang des Monats in einem ausverkauften Auftritt im Madison Square Garden in New York ihren Höhepunkt fanden. Auch die frisch angekündigte Arena-Tournee war ein voller Erfolg: Die Tickets für Nordamerika, Großbritannien und auch Deutschland waren innerhalb weniger Stunden nach Vorverkaufsstart vergriffen, das Konzert in Düsseldorf wurde hochverlegt. Insgesamt wurden weltweit innerhalb von drei Tagen über 500.000 Tickets verkauft. »Lost Weekend« ist das erste Album von Phoebe Bridgers seit dem mehrfach für den GRAMMY nominierten Vorgänger »Punisher« aus dem Jahr 2020. Bereits ihr gefeiertes Debüt »Stranger in the Alps«, veröffentlicht kurz nach ihrem 23. Geburtstag, machte deutlich, welch außergewöhnliches Songwriting-Talent in Bridgers steckt. Mit »Punisher« löste sie dieses Versprechen eindrucksvoll ein: Das Album wurde für seine kluge, eindringliche und zugleich fesselnde Komposition weithin gefeiert und etablierte sie endgültig als eine der prägendsten Stimmen ihrer Generation. Wer nun »Lost Weekend« hört, wird jedoch feststellen, dass Bridgers noch einen Schritt weitergeht. Auf dem neuen Album präsentiert sie sich auf dem bisherigen Höhepunkt ihres künstlerischen Schaffens. Mit bemerkenswerter Präzision verfeinert sie die Motive, die ihre bisherigen Werke ausgezeichnet haben, und erweitert ihren Sound gleichzeitig um zahlreiche überraschende Facetten. Das Ergebnis ist ein Album, das vertraut wirkt und dennoch immer wieder neue Wege einschlägt. Vor ihren jüngsten Pop-up-Shows stand Bridgers zuletzt mit ihrer Supergroup boygenius auf der Bühne, die sie gemeinsam mit ihren engen Freundinnen Lucy Dacus und Julien Baker gegründet hat. Für das 2023 erschienene Album »the record« erhielt die Band mehrere GRAMMY Awards, darunter »Best Alternative Music Album« sowie »Best Rock Song« und »Best Rock Performance« für die Single »Not Strong Enough«. Phoebe Bridgers verließ die Preisverleihung zudem als meistprämierte Künstlerin des Abends. Ihren vierten GRAMMY gewann sie in der Kategorie »Best Pop Duo/Group Performance« für »Ghost in the Machine«, ihre Zusammenarbeit mit SZA auf deren Erfolgsalbum »SOS«. Zuvor war Bridgers als Support-Act auf ausgewählten Terminen von Taylor Swifts »The Eras Tour« zu sehen. Davor absolvierte sie fast zwei Jahre lang ihre eigene »Reunion Tour« mit mehreren ausverkauften Nordamerika-Etappen, rund dreißig Konzerten in Europa sowie abschließenden Shows in Südamerika, Asien und Australien. Auch abseits der Bühne prägte Bridgers die vergangenen Jahre mit einigen der eindrucksvollsten Live-Performances im Netz und Fernsehen, darunter ihr viel beachtetes NPR Tiny Desk Concert sowie ihr Auftritt bei Saturday Night Live. Seit ihrem letzten Soloalbum veröffentlichte sie zudem zahlreiche Singles, Coverversionen und Kollaborationen mit Künstler wie Paul McCartney, MUNA, Bright Eyes, The 1975, Lorde, Taylor Swift und The National.

Me First and the Gimme Gimmes beweisen auf diesem Album, dass sie als »Song-Diebe« wirklich gereift sind! Die zum 25-jährigen Jubiläum erschienene Auflage läuft mit 45 U/min und ist mit Silberfolie sowie silbernen »25th Anniversary«-Etiketten versehen. Wer möchte, kann aber auch weiterhin die Original-CD kaufen. Die Punk-Spaßvögel Me First and the Gimme Gimmes haben ihr drittes Album in voller Länge, »Blow In The Wind«, veröffentlicht. Diesmal würdigt die Band die Songs der späten 50er und 60er Jahre. Wieder einmal haben Me First and the Gimme Gimmes ihre Punkrock-Magie in die Melodien von Klassikern wie den Beach Boys, den Beatles, Del Shannon und Cat Stevens eingewoben, um nur einige zu nennen. Auf »Blow In The Wind« covern Me First and the Gimme Gimmes nicht einfach nur 13 Songs, deren Zukunft vom AM-Radio abhing, sondern hauchen den Songs, die kurz davor standen, in Vergessenheit zu geraten, neues Leben ein! Me First and the Gimme Gimmes bestehen aus folgenden Punkrockern: Spike Slawson (Swingin' Utters), Joey Cape (Lagwagon), Fat Mike (NOFX), Chris Shiflett (ehemals No Use For A Name, derzeit Foo Fighters) und Dave Raun (Lagwagon)

Klassiker von »Me First And The Gimme Gimmes« neu aufgelegt: Die Gimmes rollen in die Stadt und liefern sich ein 12-Song-Duell mit Country & Western. Diese Banditen aus den »Blue States« werden Kenny Chesney zeigen, wie es wirklich läuft. Doch nun ist die anspruchsvolle Truppe zurück, und dieses Mal bekommt der Country ordentlich eins auf die Mütze. Weitere Nummern im C&W-Stil sind leichte Ziele, sei es der allseits beliebte »(Ghost) Riders in the Sky«, der hier direkt in den Hardcore galoppiert, »Desperado«, das diesem feurigen melodischen Punkrock-Arrangement niemals entkommen wird, oder »On the Road Again«, das in einem ähnlich mitreißenden Stil präsentiert wird. »Jolene«, das bereits die Demütigungen eines Goth-Makeovers erdulden musste, wird nun von den Gimmes grob behandelt, die Dollyland mit völliger Hemmungslosigkeit und einem Sperrfeuer aus Gitarren und hämmernden Trommeln stürmen – umso besser, um ihren Mann zu halten … hmm, Anklänge an »Brokeback Mountain«. »Annie's Song« wird von John Denvers Landstraßen weggezerrt und mitten auf die Bühne eines Rockkonzerts geworfen – genau dorthin, wo es hingehört. Hank Williams' »I'm So Lonesome I Could Cry« erhält eine noch inspirierendere Bearbeitung, inklusive Dudelsack! Selbst eine scheinbar geradlinige Punk-Neuinterpretation wie »Goodbye Earl« bietet einige funkelnde Momente, vom Stil, der an eine Mischung aus Rancid und The Clash erinnert, bis hin zu den strahlenden Harmonien und den hochfliegenden Leadgitarren-Licks. »Die musikalische Virtuosität kommt auf diesem Album wirklich zur Geltung: Die Gitarren lodern, der Bass wird aggressiv, und das wogende Schlagzeug klingt wie der Donner von Mörsern in der Ferne, während die Produktion ebenso bemerkenswert ist. Aber hey, die Gimmes können auch Country spielen – na ja, fast jedenfalls – die erste Hälfte von »Much Too Young (To Feel This Damn Old)« besticht durch feines Fingerpicking an der Gitarre, auch wenn der Country-Stil immer wieder ins Surf abgleitet: Hey, da kommen eure Wurzeln zum Vorschein, Jungs. Das ist nun mal Country-Musik, die jeder genießen kann – her mit mehr davon!« (allmusic. com)

  Vollgepackt mit Publikumslieblingen, messerscharfen Riffs, Lemmys unverwechselbarem Brüllen und jenem kompromisslosen, zu tausend Prozent authentischen Rock’n’Roll, für den die Band berüchtigt war, beweist sie: Selbst nach Jahrzehnten im Geschäft waren Motörhead lauter, schneller und trotziger denn je.

  Diese Veröffentlichung, die das Spätwerk von Motörhead beim Label Silver Lining abdeckt, zeigt die Band in voller Fahrt.

Mit »Neubau Alone« veröffentlicht die österreichische Legende Der Nino aus Wien sein dreizehntes Studioalbum – und eines seiner persönlichsten als limitierte Vinyl- Edition auf dem Wiener Label Medienmanufaktur Wien! Der Titel »Neubau Alone« verbindet den Wiener Bezirk Neubau mit dem Zustand des Alleinseins. Entstanden ist ein Album, das klingt wie eine private Listening Session: intim, unmittelbar und ganz nah am Song. Seit über 15 Jahren prägt Der Nino aus Wien die deutschsprachige Songwriter-Szene. Seine Lieder sind unverkennbar in Wien verwurzelt und verbinden poetische Alltagssprache mit Wiener Lied, Folk und Pop. Musikalisch schlägt das Album einen radikal reduzierten Weg ein. Rauschen, Kratzen und Verzerrungen sind bewusst Teil der Ästhetik und verleihen den Aufnahmen eine außergewöhnliche Nähe. Das Album entstand an verschiedenen Orten in Wien und versteht sich weniger als klassische Studioproduktion denn als persönliches Klangtagebuch – kompromisslos, ehrlich und mit viel Liebe zum Detail. Songs wie »Zerrissene Figuren« streifen autobiografisches Terrain, »danke« gehört zu den wärmsten Momenten des Albums. »Neubau Alone« ist ein außergewöhnliches Werk für alle, die authentisches Songwriting schätzen – ungeschönt, intim und voller kleiner Entdeckungen.

Achtung, Klassiker! Lang ersehnte Neuauflage des dritten Albums von 1994 auf streng limitiertem Rot- Schwarz marmoriertem Vinyl auf dem bandeigenen Label Impact Records! Mit dem dritten Album von 1994 gelang der Band sozusagen der »Durchbruch« in der Punkrock Szene. Der Hit »Radikal« erschien auf dem Schlachtrufe BRD 3 Sampler und wurde zum Trademark Song der Haie, eine Deutschland Tour mit Dritte Wahl zu dem Album tat ein Übriges. Limitierte Auflage von 300 Stück in rot-schwarzem Vinyl und 4-farbiger Textbeilage. Die Dödelhaie sind eine deutsche Punkrock-Band aus Duisburg, die seit Ende der 1980er Jahre mit eingängigen Melodien, humorvollen Texten und gesellschaftskritischen Themen überzeugt. Über die Jahre entwickelte sich ihr Sound vom klassischen Deutschpunk hin zu melodischem Punkrock, ohne dabei ihre unverwechselbare Mischung aus Witz, Energie und Haltung zu verlieren.

Lang ersehnte Neuauflage des fünften Albums (inkl. des Hit »R. adieschen A. uf F. rischkäse«) von 2002 auf streng limitierten Grün- Schwarz marmoriertem Vinyl auf dem bandeigenen Label Impact Records! Die Dödelhaie sind eine deutsche Punkrock-Band aus Duisburg, die seit Ende der 1980er Jahre mit eingängigen Melodien, humorvollen Texten und gesellschaftskritischen Themen überzeugt. Über die Jahre entwickelte sich ihr Sound vom klassischen Deutschpunk hin zu melodischem Punkrock, ohne dabei ihre unverwechselbare Mischung aus Witz, Energie und Haltung zu verlieren. Die »revolutionäre« fünfte Scheibe mit der sich wegen des Songs »R. adieschen A. uf F. rischkäse« später noch der Verfassungsschutz und die Bundesprüfstelle für jugendgefährdende Medien (unerfolgreich!) beschäftigen sollte. Die LP ist 2002 nur als kleine Auflage als Picture LP erschienen und war sehr schnell ausverkauft, hier jetzt zum ersten Mal als limitierte Edition von 300 Stück in grün-schwarzem Vinyl und 4-farbiger Textbeilage.

Ein Klassiker des Deutschpunks endlich wieder erhältlich! Lang ersehnte Neuauflage des zweiten Albums von 1992 auf streng limitiertem Blau- Schwarz marmoriertem Vinyl auf dem bandeigenen Label Impact Records! Die Dödelhaie sind eine deutsche Punkrock-Band aus Duisburg, die seit Ende der 1980er Jahre mit eingängigen Melodien, humorvollen Texten und gesellschaftskritischen Themen überzeugt. Über die Jahre entwickelte sich ihr Sound vom klassischen Deutschpunk hin zu melodischem Punkrock, ohne dabei ihre unverwechselbare Mischung aus Witz, Energie und Haltung zu verlieren. Auf dem zweiten Album der Band von 1992 befinden sich klassische Hits wie »Heute Nacht«, »Feinde« oder das legendäre »Holzfällerlied«, das auch heute noch seinen festen Platz in der Live-Setlist der Dödelhaie hat. Die drei Bonus Tracks der CD Version erscheinen hier erstmals überhaupt auf Vinyl. Limitierte Auflage von 300 Stück in blau-schwarzem Vinyl und 4-farbiger Textbeilage. Punk sei Dank!

Drittes Studioalbum des chilenischen Neo-Alternative-Rock-Quartetts als auf 300 Exemplare limitierte LP in Lila Vinyl mit Downloadcode und bedrucktem 4-seitigen Inlay auf Gunner. Aus Santiago stammend, hat die englisch singende Formation seit 2016 zwei EP's, ihr Debütalbum »Patio 29« und zuletzt 2024 auf Gunner »K. O.«. veröffentlicht. Geprägt vom Gesang der Gitarristin Elisa Froti, feiert die Band den Alternative Rock der 90er, Indie, Punk, Shoegaze und Grunge. Und wieder finden sich in den stimmungsvoll atmosphärischen 13 Songs Einflüsse von Größen wie Hole, Sonic Youth, Smashing Pumpkins und The Pixies sowie auch Post-Grunge im Stil der Distillers oder Violent Soho. »Fresh« bietet interessante Musik, wie sie momentan nicht mehr oft zu hören ist - subtil und speziell, noisy, kühl und temperamentvoll zugleich.

  Der 1920 geborene Pianist Dave Brubeck ist eine amerikanische Jazzlegende. Anfang der 50er Jahre gründete er in Kalifornien eine Formation namens »Dave Brubeck Quartet«, mit der er bald zum Geheimtipp der Jazz-Szene des Sunshine State avancierte. 1961 gelang es Brubeck, mit dem von seinem Saxophonisten komponierten Stück »Take Five« bis in die Hochlagen der Pop-Charts vorzudringen. Der im 5/4-Takt gespielte Song war die erste Jazz-Platte, die mehr als eine Million Tonträger verkaufte. »Take Five« stammte vom bereits 1959 veröffentlichten Album »Time Out«, mit dem Brubeck einen der definitiven Meilensteine des Jazz vorlegte.

»Pieces of a Dream« wurde zwischen 1988 und 1989 in einem kleinen 8-Spur-Heimstudio in Amman aufgenommen und fängt eine Seite der arabischen Musikszene ein, die bisher selten dokumentiert wurde. NECHAZZ, eine Band die stark von Jazz, Soul, Yacht Rock und City Pop inspiriert war und Musik schuf, die eher an das Nachtleben in LA oder London erinnert als an das, was die meisten damals mit Jordanien assoziierten. Die Band wurde von den palästinensisch-jordanischen Musikern Basim Said und Khaldoon Nasser sowie dem irakischen Sänger und Gitarristen Kassim Sabounchi gegründet. Während das Trio vor Ort durch seine Live-Auftritte im legendären Ammaner Club »Rumours« bekannt wurde, wurde die Musik, die sie gemeinsam schrieben und aufnahmen, nie offiziell veröffentlicht und blieb selbst unter Freunden und Familienangehörigen der Band unbekannt. Das Album verbindet sanften R&B, Jazz und raffinierte Pop-Arrangements und lässt sich von Künstlern wie Bobby Caldwell, Steely Dan, Michael Franks, dem frühen George Michael, Tears For Fears, Level 42 und Stevie Wonder inspirieren, klingt dabei aber dennoch ganz und gar nach einer Eigenkreation. Titel wie »Love Meeting Love« und »Over You« zeigen die sanften Harmonien, Synthesizer und das musikalische Können der Band. Für Habibi Funk begann das Projekt dieser Veröffentlichung mit einer Kassette, die in einem Familienarchiv gefunden wurde, und hat sich nun schließlich zu einer der angenehmsten Überraschungen unter den Wiederentdeckungen der arabischen Independent-Musik der späten 1980er Jahre entwickelt: eine zeitlose Sammlung von Songs, die zwischen Proben, Schichten im Nachtleben, Karrieren in der Luftfahrt und dem Alltag in Amman entstanden sind.

Siriusmo, der seit einer Dekade auf verschiedenen Berliner Labels veröffentlicht und mit Remixen für Scissor Sisters, Gossip, Chikinki, Simian Mobile Disco, Boys Noize, Digitalism, Chromeo, Munk u. v.a. ein beachtliches Repertoire vorweisen kann, liefert endlich ein komplettes Album ab. Seine Musik beschreibt der ex-Graffiti-Künstler, der mit Stevie Wonder, den Beatles & Hip Hop aufgewachsen ist, als futuristisch. Nicht jedoch dem heutigen Bild der Zukunft entsprechend, sondern eher wie man sich die Zukunft in den 1970ern erdacht hat: übertrieben, ausufernd, improvisiert, farbenfroh, extravagant und offen für Alles jenseits der eigenen Vorstellungskraft. "Mosaik" ist eine ca. einstündige musikalische Zusammenstellung unterschiedlichster musikalischer Ideen und Stilrichtungen. Futuristisch, vielseitig, überzeugend und einprägsam!

The Womack Sisters – Kucha, Zeimani und BG Womack – sangen schon, bevor sie laufen konnten. Ihr gleichnamiges Debütalbum »The Womack Sisters« ist der musikalische Höhepunkt der langen und kurvenreichen Reise der drei Schwestern auf der Suche nach sich selbst. In einer Sammlung von Stücken voller intensiver Soul-Power, die an eine Zeit erinnert, als Popmusik noch Substanz, Atmosphäre und Sinn hatte, kommt jede ihrer unverwechselbaren Stimmen im Rampenlicht zur Geltung. Die Schwestern wuchsen auf der Straße auf. Ihre Schulen waren Bühnen und Studios auf der ganzen Welt, wo sie hinter ihren Eltern, Zekkariyas & Zeriiya (ehemals Womack & Womack), zusammen mit ihren vier Geschwistern sangen. Nirgendwo waren sie lange zu Hause. Egal, wo sie lebten – London, Thailand, Amsterdam, Kenia, Paris, Sydney, Zürich, Wien, Tansania, New York, Miami, West Virginia, die Bahamas – sie waren immer von Musik und Familie umgeben. Als Enkelinnen des legendären Sam Cooke und Nichten von Bobby Womack stammen die Schwestern aus einer Soul-Dynastie, die tief in ihrem musikalischen Wesen verwurzelt ist. Das Album »The Womack Sisters« blickt nach vorne, indem es zurückblickt: Es ist eine Hommage an die Tradition ihrer Familie und schafft gleichzeitig einen Sound, der ganz und gar ihr eigener ist.

L'Rains kaleidoskopisches viertes Album ist eine furchtlose Auseinandersetzung mit Selbstzweifeln und den Trugbildern von Zugehörigkeit und Entfremdung, die Taja Cheeks gelebte Erfahrung der Gegenwart prägen. Als schimmernde Vision aus Licht und Klang – verführerisch, flüchtig, unaufhaltsam – ist »fata morgana« eine genreübergreifende Synthese aus Dancehall, Tape-Meditationen, Slow Jams, Gospel und Crunched-Metal-Einflüssen als Antwort auf die Frage: Wie wächst man in einer Welt, die nicht dafür gedacht ist, dass man darin gedeiht?

  Alltagsdasein melden sich 2026 mit »Sofa geht die Zeit« zurück - deutschsprachiger Punk zwischen Alltagswahnsinn, Couchromantik und leiser Wut. Ein Album für alle, die funktionieren sollen, aber lieber liegen bleiben würden. Lass uns von jetzt an alles anders machen! Du musst Dein Ändern leben, von heute an! Aber, äh, die Watchlist ist voll und draußen ist feindlich. Und mein Sofa so bequem. Wenn die Faulheit den Aktivismus besiegt, dann müssen wir unser ,wir zwei gegen den Rest der Welt" auf morgen vertagen, okay? Hab grad so viel zu sehen: Netflix und so. Und dieses Jahr geht eh nix mehr. Irgendwann wird aber die Welt verändert, versprochen. Nur heute eben nicht.

»Ghost« ist der Name einer teufelsanbetenden Sekte, die, um ihre unheiligen Evangelien zu verbreiten und darüber hinaus der Menschheit vorzugaukeln, dass das Ende letztlich eine gute Sache ist, beschlossen hat, das allseits beliebte Medium der Rockmusik zu nutzen, um ihre Ziele zu erreichen. Unter den bemalten Gesichtern, Kapuzen und Gewändern, die ihre Sekte verlangt, stehen die sechs namenlosen Geister von Ghost regungslos und anonym da und liefern Litaneien sexuell pulsierender Heavy-Rock-Musik und romantischer Texte, die das Ekelhafte und Sakrilegische verherrlichen und glorifizieren, mit der einfachen Absicht, eine Botschaft des reinen Bösen über das effektivste Mittel zu vermitteln, das sie finden können - Unterhaltung. Im Mai 2010 erhielten Ghost einen Vertrag mit der britischen Schallplattenfirma Rise Above Ltd., die einen Eid schwor, dass sie die Gruppe bei der Verbreitung ihrer musikalischen Blasphemie durch Formate wie Compact Discs, Long Playing Vinyl Records und digitale Downloads unterstützen würde. Das erste »Ghost«-Album Opus Eponymous wird im Oktober 2010 erscheinen, und es wurde vereinbart, dass Rise Above Ltd. Geld in Bereiche wie Zeitschriftenwerbung und Einzelhandelsmarketing investieren und die Dienste von Spezialisten für Musikwerbung in Anspruch nehmen wird, um die Musik von »Ghost« einer breiteren Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Besonderes Augenmerk wird darauf gelegt, Menschen anzusprechen (Untersuchungen zeigen, dass es sich dabei am ehesten um Jugendliche handelt), die eine Leere in ihrem Leben haben, die vielleicht durch eine Form von emotionalem Trauma oder Erschütterung verursacht wurde und die durch die Musik und die Philosophien von Ghost gefüllt werden kann. Mit der Zeit werden diese leicht zu manipulierenden Kinder die Ansichten und Ziele der Ghost-Sekte teilen und können ihre eigenen Pläne für den Untergang der Menschheit vorbereiten.

  Das neue Werk der Hip-Hop-Experimentalisten aus Baltimore ist mehr als purer Hip-Hop. Es ist eine einfallsreiche Kulisse für Brian Ennals' selbstgerechter Poesie aus Vitriol, Wut, Philosophie, Humor und Mythenbildung, während Infinity Knives seine Liebe zu Zeitgenossen wie Max Richter und Jóhann Jóhannsson verdeutlicht, wenn er zwischen knallharten Beats und Ennals' lyrischem Geschick Momente glückseliger Orchestrierung versteckt.

Wormwood ist eine 2014 gegründete Metal-Band aus Stockholm, die für ihre unverwechselbare Verschmelzung von Extreme Metal, atmosphärischer Tiefe und filmischem Storytelling bekannt ist. Durch die Verbindung von unheimlichen Klanglandschaften, skandinavischer Melancholie, Folk-Elementen und roher Rock-Intensität hat sich die Band eine einzigartige Identität geschaffen, die beim Publikum weltweit großen Anklang findet.   Mit vier Alben in voller Länge, einer EP und einer Live-Veröffentlichung – sowie der kommenden EP „Å“ – hat Wormwood ein beeindruckendes und sich stetig weiterentwickelndes Repertoire aufgebaut. Die Band wurde zweimal bei den schwedischen P3 Gold Awards als „Bester Rock-/Metal-Act“ nominiert, erreichte hohe Platzierungen in den offiziellen schwedischen Charts und erntete breite Anerkennung von internationalen Rock- und Metal-Medien, einschließlich häufiger Platzierungen auf weltweiten „Album des Jahres“-Listen. Wormwoods Ruf reicht weit über das Studio hinaus. Die Band ist ausgiebig in ganz Europa aufgetreten, hat bei großen Festivals gespielt und Clubtourneen als Headliner bestritten, während sie sich stetig eine treue internationale Fangemeinde aufgebaut hat – insbesondere in Deutschland, Frankreich, den Niederlanden, Großbritannien und den USA. Ihre starke digitale Präsenz und ihre filmischen, hochwertigen Musikvideos verstärken ihre globale Reichweite und visuelle Identität zusätzlich. Abgemischt und gemastert vom renommierten Produzenten Sverker Widgren (Wing Studios, Stockholm), verbindet der Sound von Wormwood ausgefeiltes Songwriting und musikalisches Können auf höchstem Niveau mit einer rauen, authentischen Note. Angetrieben von kraftvollen Melodien, atmosphärischer Fülle und emotionaler Intensität, erweitert die Band weiterhin kreative Grenzen und behält dabei eine klare künstlerische Vision bei.   Wormwood zählt heute zu den faszinierendsten und zukunftsweisendsten Acts der schwedischen Metal-Szene und vereint Kritikerlob, internationales Wachstum und einen Sound, der sie von anderen abhebt.

Wormwood ist eine 2014 gegründete Metal-Band aus Stockholm, die für ihre unverwechselbare Verschmelzung von Extreme Metal, atmosphärischer Tiefe und filmischem Storytelling bekannt ist. Durch die Verbindung von unheimlichen Klanglandschaften, skandinavischer Melancholie, Folk-Elementen und roher Rock-Intensität hat sich die Band eine einzigartige Identität geschaffen, die beim Publikum weltweit großen Anklang findet.   Mit vier Alben in voller Länge, einer EP und einer Live-Veröffentlichung – sowie der kommenden EP „Å“ – hat Wormwood ein beeindruckendes und sich stetig weiterentwickelndes Repertoire aufgebaut. Die Band wurde zweimal bei den schwedischen P3 Gold Awards als „Bester Rock-/Metal-Act“ nominiert, erreichte hohe Platzierungen in den offiziellen schwedischen Charts und erntete breite Anerkennung von internationalen Rock- und Metal-Medien, einschließlich häufiger Platzierungen auf weltweiten „Album des Jahres“-Listen. Wormwoods Ruf reicht weit über das Studio hinaus. Die Band ist ausgiebig in ganz Europa aufgetreten, hat bei großen Festivals gespielt und Clubtourneen als Headliner bestritten, während sie sich stetig eine treue internationale Fangemeinde aufgebaut hat – insbesondere in Deutschland, Frankreich, den Niederlanden, Großbritannien und den USA. Ihre starke digitale Präsenz und ihre filmischen, hochwertigen Musikvideos verstärken ihre globale Reichweite und visuelle Identität zusätzlich. Abgemischt und gemastert vom renommierten Produzenten Sverker Widgren (Wing Studios, Stockholm), verbindet der Sound von Wormwood ausgefeiltes Songwriting und musikalisches Können auf höchstem Niveau mit einer rauen, authentischen Note. Angetrieben von kraftvollen Melodien, atmosphärischer Fülle und emotionaler Intensität, erweitert die Band weiterhin kreative Grenzen und behält dabei eine klare künstlerische Vision bei.   Wormwood zählt heute zu den faszinierendsten und zukunftsweisendsten Acts der schwedischen Metal-Szene und vereint Kritikerlob, internationales Wachstum und einen Sound, der sie von anderen abhebt.

Spezielle Neuauflage von Clairos zweitem Album „Sling“. Das Album, das im Bundesstaat New York geschrieben und aufgenommen wurde, beschäftigt sich mit den Möglichkeiten der Elternschaft und ist voller ergreifender, intimer Details und Themen. Co-produziert von Jack Antonoff.

mclusky kündigen eine Neuauflage ihres Debütalbums My Pain and Sadness Is More Sad and Painful Than Yours an. Ursprünglich im Jahr 2000 bei Fuzzbox erschienen und 2003 vom Beggars-Sublabel Too Pure neu aufgelegt, etablierte »My Pain and Sadness Is More Sad and Painful Than Yours« die Band mclusky aus Cardiff als eindringliche neue Stimme der britischen Rockmusik. Das Album, das die Band in ihrer unmittelbarsten und rohesten Form einfängt, prägte mcluskys charakteristische Mischung aus schneidenden Gitarren, schwarzem Humor und Andrew Falkous' pointierten, oft absurden Texten. Noch vor dem späteren Erfolg von Alben wie »Mclusky Do Dallas« und »The Difference Between Me and You Is That I'm Not on Fire« zeigt das Debüt die Band in einem ungefilterten, explosiven und direkten Zustand. Stücke wie »Joy« und »Rice Is Nice« lassen bereits die Präzision und Bissigkeit erahnen, die das spätere Schaffen der Band auszeichnen sollten, während weite Teile des Albums mit einem fast bedrohlichen Minimalismus auf Wiederholung, Spannung und Entladung setzen. Nun, 26 Jahre später, wurde das Album von Sean Magee in den Abbey Road Studios neu gemastert. »My Pain and Sadness Is More Sad and Painful Than Yours« bleibt ein zentrales Zeugnis der Anfänge von mclusky. Sein Einfluss lässt sich in nachfolgenden Wellen des Noise-Rock und Post-Hardcore nachverfolgen, doch die einzigartige Mischung aus Witz, Aggressivität und Reduktion bleibt unnachahmlich.

Die Neuauflage des Klassikers »New York Noise: Dance Music from The New York Underground 1977–82« von »Soul Jazz Records« – frisch remastered und laut. Diese neue Ausgabe von 2026 enthält klassische New Yorker Post-Punk-, Punk-Funk-, Synth-Wave- und No-Wave-Tracks von Arthur Russell / Dinosaur L, James White and the Contortions, The Theoretical Girls, Mars, Konk, Material, Bush Tetras und Lizzy Mercier Descloux sowie seltene Titel von Künstlern wie Alan Vega (Suicide), Chain Gang und Implog. »New York Noise« fasst den Zeitpunkt und den Ort zusammen, an dem sich Tanzmusik und Punkrock zum ersten Mal begegneten, als New Yorker No-Wave-Künstler wie Glenn Branca und James White gemeinsam mit den experimentellen Pionieren der New Yorker Tanzmusik wie Arthur Russell (Dinosaur L), Bill Laswell (Material) und Konk aus dieser Verbindung neue musikalische Kunstformen schufen.

Sie sind wieder zurück: Nur ein Jahr, nachdem Schlagzeuger und Sänger Aaron Frazer mit seinem Debütalbum »Introducing…« seinen ersten Alleingang wagte, standen Durand Jones & The Indications wieder gemeinsam im Studio und haben ein neues Bandalbum aufgenommen. »Private Space« heißt der dritte Longplayer nach »Durand Jones & The Indications« aus dem Jahr 2016 und »American Love Call« aus dem Jahr 2019. Die Albumsessions in Bloomington begannen, nachdem sich die Bandmitglieder etwa ein Jahr lang nicht getroffen hatten. Die Wiedersehensfreude war groß, und damit auch die Kreativität. Und so entstanden schließlich zehn Songs, in denen Durand Jones & The Indications den zeitlosen Soul des Vorgängeralbums weiterdenken, und ihm die Tür in eine neue Klangwelt zwischen Funk, Soul und Disco-Beats mit Streichereinsatz öffnen. Revial-Sounds treffen moderne Attitüde. Der hohe und sanfte Falsettgesang von Aaron Frazer und die kräftige Stimme von Durand Jones harmonieren nach wie vor perfekt. Gitarrist Blake Rhein, Keyboarder Steve Okonski und Bassist Mike Montgomery geben wieder den wirkungsvollen musikalischen Rahmen. Wie das klingt, verriet die Band bereits im Mai mit der ersten Singleauskopplung »Witchoo«. Im Juni folgte mit dem Opener »Love Will Work It Out« der zweite Vorgeschmack aufs Album. Die Band bezeichnet die Tracks von »Private Space« als eskapistische Fantasie und eine dringend benötigte Neuorientierung nach einem turbulenten Jahr 2020. Sie betonen dabei die kollektive Widerstandsfähigkeit – und die Macht eines guten Songs, ein Licht in der Dunkelheit zu sein. Aaron Frazer sagte dazu: »Ich habe das Gefühl, dass wir im Leben der Menschen ankommen, wenn sie eine wirklich harte Zeit hinter sich haben. Wir sind noch nicht über den Berg, aber hoffentlich ermöglicht es den Leuten, wieder zusammenzukommen, sich auszutauschen und eine Katharsis zu erleben.« Von einem Keller in Indiana, wo die damalige Studenten-Band 2016 ihr nach sich selbst benanntes Debütalbum aufnahm, haben sich Durand Jones & The Indications ins Soul-Rampenlicht und auf eine internationale Bühne katapultiert. Nach ihrem zweiten Album »American Love Call«, einer verträumten, aber nachdenklichen Platte mit großen Streicherarrangements und süßem Soul-Styling, wurde die Band von Vintage-Musikfans, der Lowrider-Community und dem Late-Night-Fernsehen verehrt. Und während sich die Welt 2021 langsam vom Chaos des vergangenen Jahres erholt, veröffentlicht sie ihr drittes Album »Private Space« genau zur richtigen Zeit.

Nothing waren schon immer Regelbrecher. Shoegaze-Rebellen, die das typischerweise leichtgewichtige Genre nach ihrem eigenen, knallharten amerikanischen Image neu erfunden haben. Outlaw-Poeten, die existenzielle Ängste auf kilometerbreiten Leinwänden aus Fuzz und Hall ausbreiten. Angefangen als Solo-Projekt in einem Schlafzimmer in Philadelphia im Jahr 2010, hat die Musik von Nothing immer die ganze Bandbreite des Menschseins eingefangen, sowohl die schreiende Wut als auch die flüsternde Traurigkeit. »A Short History of Decay«, das fünfte Soloalbum von Nothing und das erste für Run For Cover Records, erweitert diesen Horizont noch weiter und bietet die bisher hochauflösendste Darstellung von Nothing. Die Band hat noch nie so kolossal geklungen, sich noch nie so intim angefühlt, war noch nie so ehrlich. Mit dem stärksten Arsenal in der sich ständig verändernden Besetzung von Nothing - Gitarrist Doyle Martin (Cloakroom), Bassist Bobb Bruno (Best Coast), Schlagzeuger Zachary Jones (MSC, Manslaughter 777) und dem dritten Gitarristen Cam Smith (Ladder To God, ebenfalls von Cloakroom) - wusste Singer-Songwriter Domenic »Nicky« Palermo wusste, dass er die nötige Manpower hatte, um das bisher ambitionierteste Album der Band aufzunehmen. Mitgeschrieben und produziert wurde es zusammen mit Whirr-Gitarrist Nicholas Bassett, zusätzliche Produktions- und Mixing-Arbeiten übernahm Sonny Diperri (DIIV, Julie). »A Short History Of Decay« ist das musikalisch ausgereifteste Statement im Katalog von Nothing. Songs wie »Cannibal World« und »Toothless Coal« sind katastrophale Ausbrüche mechanisierten Industrial-Gaze, die wie My Bloody Valentine klingen - nur extremer. Am anderen Ende des Spektrums steht das kunstvoll-düstere »Purple Strings« mit einem wunderschönen Streicharrangement, an dem die Harfenistin und zweifache Nothing-Mitwirkende Mary Lattimore beteiligt ist. Diese barocke Zartheit durchdringt auch andere Höhepunkte von »A Short History of Decay«, insbesondere »The Rain Don't Care«, eine beschwingte Ballade, die die abgenutzte Eleganz von Mojave 3 kanalisiert, sowie »Nerve Scales«, ein prasselnder Bop, der in seiner Verbindung von jenseitiger Atmosphäre und tödlicher Präzision an Radiohead erinnert. Palermo bezeichnet das neue Album als »letztes Kapitel«. Nicht das Ende von Nothing, sondern der Abschluss einer Geschichte, die mit dem Debütalbum von Nothing aus dem Jahr 2014, »Guilty of Everything«, begann - einem weiteren Album über Zeit, Reue und die Konfrontation mit unangenehmen Wahrheiten - und nun mit »A Short History of Decay« ihren Abschluss findet. Es ist ebenso sehr eine Momentaufnahme von Palermos Vergangenheit wie ein Sprung in die Zukunft von Nothing.

Mit Zuckerzeit veröffentlichen Cluster 1974 ein Schlüsselwerk der elektronischen Musik - ein Album, das bis heute als Meilenstein des sogenannten "Krautrock" gilt. Im Gegensatz zu ihren früheren, experimentelleren Arbeiten setzt das Duo hier auf klarere Strukturen, kürzere Stücke und erstmals verstärkt auf Rhythmusmaschinen. Herausgekommen ist eine Sammlung faszinierender elektronischer Miniaturen: verspielt, präzise und überraschend zugänglich. Entstanden in ländlicher Abgeschiedenheit und unter Mitwirkung von Michael Rother (NEU!, Harmonia), markiert das Album einen kreativen Wendepunkt hin zu mehr Leichtigkeit und melodischer Klarheit. Diese Wiederveröffentlichung macht ein zentrales Werk der elektronischen Avantgarde wieder breit verfügbar

Nach einem leicht enttäuschendem Album, auf dem PRIMAL SCREAM sich mit dem traditionellen Rock befassten, kehrte die Band 1997 mit einer “anarcho-syndicalist speedfreak roadmovie“-Platte zurück. Sie nannten sie nach ihrem Lieblingskultfilm von 1971 „Vanishing Point“ und befüllten sie mit Echos von Spionagefilmen, weitläufigem Dub und Pop aus den Sechzigern, die die Shoegaze Welle lostrat, die sich auf Sound und Groove konzentrierte. Die Rückkehr zu dem alle Genregrenzen übertretenden elektronischen Dance Rock und der Neo-Psychedelia gelang triumphal, wobei „Vanishing Point“ härter daher kommt als das bahnbrechende „Screamadelica“. Bassist Mani von den STONE ROSES stieß zur Band und legte ein funky Fundament unter den Sound von PRIMAL SCREAM – das war es, was die Band am Ende rettete. Mit Einsätzen von Augustus Pablo, Glen Matlock, den Memphis Horns und einer Darth Vader Maske ist „Vanishing Point“ ein pulsierendes Album, das sich auf Improvisation gründet und den Rhythmus auf psychedelische Höhen treibt, die mindestens genauso rebellisch sind wie der Film, der das Album inspirierte. Zur Feier ihrer wegweisenden experimentellen Trilogie – »Vanishing Point« (1997), »XTRMNTR« (2000) und »Evil Heat« (2002) – veröffentlichen Primal Scream erstmals erweiterte Neuauflagen der »Bunker Trilogy«-Alben. Neu gemastert unter der Aufsicht von Bobby Gillespie und Andrew Innes von Matt Colton in den Metropolis Studios in London, stellen diese umfassenden Veröffentlichungen die definitive Dokumentation von Primal Screams revolutionären Klangexperimenten dar, die zwischen 1997 und 2002 in ihrem Bunker-Studio entstanden sind. »Vanishing Point« wird als 2LP auf klarem Vinyl sowie als 1CD erhältlich sein. Enthalten ist die originale Tracklist, ergänzt durch eine kuratierte Auswahl an B‑Seiten und Raritäten, sowie Linernotes des renommierten Autors Darran Anderson.

»Tony Bennett: The Classics« vereint die zeitlosen Höhepunkte eines der beliebtesten Sänger der Musikgeschichte in einer definitiven Sammlung, die seine gesamte Karriere umfasst. Diese als 2-LP-Set präsentierte Vinyl-Zusammenstellung zeigt Bennett von seiner ikonischsten Seite – von frühen Chartstürmern wie »Because of You« über charakteristische Standards wie »I Left My Heart in San Francisco« bis hin zu elegant vorgetragenen Interpretationen aus dem Great American Songbook. Das Album enthält zudem Duett-Aufnahmen mit Frank Sinatra, Lady Gaga, Amy Winehouse und Stevie Wonder, die sowohl seinen anhaltenden Einfluss als auch seine bemerkenswerte Vielseitigkeit widerspiegeln.

  Nat King Cole wird für seine Wärme, seine Raffinesse und seinen mühelos geschmeidigen Gesangsstil gefeiert, der eine ganze Generation geprägt hat. Hier versammelt ist eine herausragende Auswahl seiner unvergesslichsten Aufnahmen, die von romantischen Balladen wie »Unforgettable«, »Mona Lisa« und »When I Fall in Love« bis hin zu lebhaften Klassikern wie »(Get Your Kicks on) Route 66«, »Straighten Up and Fly Right« und »Ramblin' Rose«.